Materialistische Ansätze in der Kunstgeschichte verweisen spätestens seit den 1960er Jahren auf die sozialen, und dabei in erster Linie ökonomischen Bedingungen künstlerischer Produktion und Rezeption, während Künstler*innen sich zur gleichen Zeit explizit und kritisch auf kapitalbasierte Wirtschaftsformen beziehen. Und doch können die Verbindungen zwischen Kunst und Kapital historisch sehr viel breiter verfolgt werden: Sie manifestieren sich in frühen bürgerlichen Gesellschaften, in kolonialen Expansions- und Aneignungspolitiken oder im Zuge der Industrialisierung, und sie finden sich in zeitgenössischen künstlerischen Projekten aufgerufen, die bspw. Arbeits- und Klassenverhältnisse intersektional verhandeln oder die Komplizität von Kunst als ‚besondere‘ Ware problematisieren.
Das Seminar wird sich über eine erste Annäherung an zentrale Theorien und Begriffe mit einem historisch breit angelegten Korpus an Kunstwerken in unterschiedlichen medialen Formaten beschäftigen. Wie werden (im-)materielle Werte visuell, performativ oder räumlich inszeniert? Welche Verständnisse von Eigentum sind in verschiedene Kunstbegriffe und -praxen eingelassen, bspw. objektbasierte vs. partizipatorische Formate? Welche Traditionen, Narrative, Fiktionen der Geldwirtschaft werden aktiviert und anhand welcher Formsprachen? Und wie werden schließlich die vielfach geschichteten, vergeschlechtlichenden, rassifizierenden und klassenbasierten Machtverhältnisse wirtschaftlichen Handelns begreifbar?
Das Seminar knüpft inhaltlich an das im Mai stattfindende Symposiums- und Ausstellungsprojekt „DEBT. Unsettling Matters of Interest“. Die Teilnahme am Symposium (22./23.05.) ist im Seminarplan vorgesehen und liefert die Grundlage für einen studentischen Beitrag zur Ausstellung.

Teilnahmebedingungen: Regelmäßige und aktive Teilnahme an Sitzungen und Diskussionen, Übernahme von Kurzpräsentationen und Studienaufgaben

Die US-amerikanische Künstlerin Suzanne Lacy ist seit den 1970er Jahren aktiv und wird vor allem im Kontext feministischer und sozial engagierter Kunst rezipiert. Am bekanntesten sind ihre groß angelegten Performances im öffentlichen Raum; tatsächlich nimmt ihre künstlerische Auseinandersetzung jedoch vielfältige Formen an. So bedient sich Lacy auch weiterer Ausdrucksmedien wie Video, Fotografie, Installation und Künstler*innenpublikationen. Ihre thematischen Schwerpunkte, die sich um Fragen sozialer Diskriminierung und Gerechtigkeit drehen, ziehen sich wie rote Fäden durch die Dekaden ihres Schaffens. Außerdem war sie Teil zentraler feministischer Institutionen wie dem Fresno Feminist Art Program von Judy Chicago und dem Woman's Building in Los Angeles.

Anhand der künstlerischen Arbeiten und Aktivitäten Lacys lassen sich zentrale theoretische Konzepte und künstlerische Entwicklungen der Gegenwartskunst sowie Diskussionen und (Um-)Brüche innerhalb der Disziplin der (feministischen) Kunstgeschichte bzw. Kunstwissenschaft verfolgen. Vom konkreten Gegenstand „Lacy“ ausgehend werden wir im Seminar Anschlussstellen an kunstwissenschaftliche Forschungsfelder beleuchten, wie z. B. künstlerische Institutionskritik, das Verhältnis von Kunst und Aktivismus sowie Partizipation, Kollaboration und Kollektivität.

Wir machen uns mit den vielfältigen Arbeitsweisen und künstlerischen Strategien von Lacy vertraut und lernen, diese innerhalb kunstwissenschaftlicher und -historischer Diskurse zu verorten. Dafür werden auch weitere relevante Künstlerinnen bzw. Künstlerinnengruppen und deren Projekte heran- und mit einbezogen.

Hinweis: Vom 2. März 2025 bis zum 4. Mai 2025 zeigt der n.b.k. in Berlin Suzanne Lacy. Unvertain Futures. In diesem Kontext findet am 10. April 2025 ein Gespräch mit Suzanne Lacy und Alistair Hudson (ZKM Karlsruhe) statt: What’s Good Socially Engaged Performance Art?
Weitere Informationen: https://www.nbk.org/de/ausstellungen/suzanne-lacy.

Materialistische Ansätze in der Kunstgeschichte verweisen spätestens seit den 1960er Jahren auf die sozialen, und dabei in erster Linie ökonomischen Bedingungen künstlerischer Produktion und Rezeption, während Künstler*innen sich zur gleichen Zeit explizit und kritisch auf kapitalbasierte Wirtschaftsformen beziehen. Und doch können die Verbindungen zwischen Kunst und Kapital historisch sehr viel breiter verfolgt werden: Sie manifestieren sich in frühen bürgerlichen Gesellschaften, in kolonialen Expansions- und Aneignungspolitiken oder im Zuge der Industrialisierung, und sie finden sich in zeitgenössischen künstlerischen Projekten aufgerufen, die bspw. Arbeits- und Klassenverhältnisse intersektional verhandeln oder die Komplizität von Kunst als ‚besondere‘ Ware problematisieren.
Das Seminar wird sich über eine erste Annäherung an zentrale Theorien und Begriffe mit einem historisch breit angelegten Korpus an Kunstwerken in unterschiedlichen medialen Formaten beschäftigen. Wie werden (im-)materielle Werte visuell, performativ oder räumlich inszeniert? Welche Verständnisse von Eigentum sind in verschiedene Kunstbegriffe und -praxen eingelassen, bspw. objektbasierte vs. partizipatorische Formate? Welche Traditionen, Narrative, Fiktionen der Geldwirtschaft werden aktiviert und anhand welcher Formsprachen? Und wie werden schließlich die vielfach geschichteten, vergeschlechtlichenden, rassifizierenden und klassenbasierten Machtverhältnisse wirtschaftlichen Handelns begreifbar?
Das Seminar knüpft inhaltlich an das im Mai stattfindende Symposiums- und Ausstellungsprojekt „DEBT. Unsettling Matters of Interest“. Die Teilnahme am Symposium (22./23.05.) ist im Seminarplan vorgesehen und liefert die Grundlage für einen studentischen Beitrag zur Ausstellung.

Teilnahmebedingungen: Regelmäßige und aktive Teilnahme an Sitzungen und Diskussionen, Übernahme von Kurzpräsentationen und Studienaufgaben

Die US-amerikanische Künstlerin Suzanne Lacy ist seit den 1970er Jahren aktiv und wird vor allem im Kontext feministischer und sozial engagierter Kunst rezipiert. Am bekanntesten sind ihre groß angelegten Performances im öffentlichen Raum; tatsächlich nimmt ihre künstlerische Auseinandersetzung jedoch vielfältige Formen an. So bedient sich Lacy auch weiterer Ausdrucksmedien wie Video, Fotografie, Installation und Künstler*innenpublikationen. Ihre thematischen Schwerpunkte, die sich um Fragen sozialer Diskriminierung und Gerechtigkeit drehen, ziehen sich wie rote Fäden durch die Dekaden ihres Schaffens. Außerdem war sie Teil zentraler feministischer Institutionen wie dem Fresno Feminist Art Program von Judy Chicago und dem Woman's Building in Los Angeles.

Anhand der künstlerischen Arbeiten und Aktivitäten Lacys lassen sich zentrale theoretische Konzepte und künstlerische Entwicklungen der Gegenwartskunst sowie Diskussionen und (Um-)Brüche innerhalb der Disziplin der (feministischen) Kunstgeschichte bzw. Kunstwissenschaft verfolgen. Vom konkreten Gegenstand „Lacy“ ausgehend werden wir im Seminar Anschlussstellen an kunstwissenschaftliche Forschungsfelder beleuchten, wie z. B. künstlerische Institutionskritik, das Verhältnis von Kunst und Aktivismus sowie Partizipation, Kollaboration und Kollektivität.

Wir machen uns mit den vielfältigen Arbeitsweisen und künstlerischen Strategien von Lacy vertraut und lernen, diese innerhalb kunstwissenschaftlicher und -historischer Diskurse zu verorten. Dafür werden auch weitere relevante Künstlerinnen bzw. Künstlerinnengruppen und deren Projekte heran- und mit einbezogen.

Hinweis: Vom 2. März 2025 bis zum 4. Mai 2025 zeigt der n.b.k. in Berlin Suzanne Lacy. Unvertain Futures. In diesem Kontext findet am 10. April 2025 ein Gespräch mit Suzanne Lacy und Alistair Hudson (ZKM Karlsruhe) statt: What’s Good Socially Engaged Performance Art?
Weitere Informationen: https://www.nbk.org/de/ausstellungen/suzanne-lacy.

Das Kolloquium Bild – Raum – Subjekt: Forschungskolloquium für
Kunstwissenschaft und Visuelle Kultur zielt auf die eigenständige Entwicklung und Bearbeitung von individuellen Forschungsfragen. Dazu gehört auch die Reflexion von Forschungsprozessen und die Diskussion methodologischer Problemstellungen, verbunden mit der kritischen Lektüre aktueller sowie als kanonisch geltender Fachliteratur. Zudem geht es darum, Schlüsselkompetenzen zu erwerben, wie Kommunikationsfähigkeit (auch interdisziplinär), zielorientierte Projektplanung, Wissenschaftsmanagement.
Thematisch setzt das Kolloquium einen Rahmen der Kunstwissenschaft und der Visuellen Kultur mit einem Schwerpunkt in der Geschlechterforschung und mit Blick auf Identitätspolitiken und ihre Repräsentationen. Es fokussiert die Erforschung von Kunst-, Bild- und audio-visuellen Medien, hier insbesondere ihre Ästhetik, ihre Geschichte, sowie ihren Wandel im Rahmen von Digitalisierung und Globalisierung. Ein besonderes Augenmerk der Forschung liegt dabei auf den spezifischen Formen und Dispositiven von Kunst, Medienkunst und Populärkultur, ihrer Produktions-, Distributions- sowie Präsentationsmodi bspw. im Rahmen von Ausstellungen, ihrer Vermittlung und Aneignung sowie ihrer Speicherung und Sammlung in Archiven.

Ziel des Kolloquiums ist die eigenständige Entwicklung und Bearbeitung von individuellen Forschungsfragen. Das Modul zielt darauf ab den Forschungsprozess zu reflektieren und methodologische Fragen zu diskutieren. Zudem geht es darum, Schlüsselkompetenzen zu erwerben, wie Kommunikationsfähigkeit, zielorientierte Projektplanung, sowie Wissenschaftsprojekt-Management. Thematisch setzt das Kolloquium einen Rahmen der Film- und Medienwissenschaft. Es fokussiert die Erforschung von Film und audio-visuellen Medien, insbesondere ihre Ästhetik und Geschichte, sowie ihren Wandel im Rahmen von Digitalisierung und Globalisierung. Ein besonderes Augenmerk der Forschung liegt dabei auf den spezifischen Formen und Dispositiven von Film, Medienkunst und Populärkultur, ihrer Produktion, Distribution, Sendung, Ausstellung, Vermittlung und Aneignung sowie ihrer Speicherung und Sammlung in Archiven.

Das Kolloquium Bild – Raum – Subjekt: Forschungskolloquium für
Kunstwissenschaft und Visuelle Kultur zielt auf die eigenständige Entwicklung und Bearbeitung von individuellen Forschungsfragen. Dazu gehört auch die Reflexion von Forschungsprozessen und die Diskussion methodologischer Problemstellungen, verbunden mit der kritischen Lektüre aktueller sowie als kanonisch geltender Fachliteratur. Zudem geht es darum, Schlüsselkompetenzen zu erwerben, wie Kommunikationsfähigkeit (auch interdisziplinär), zielorientierte Projektplanung, Wissenschaftsmanagement.
Thematisch setzt das Kolloquium einen Rahmen der Kunstwissenschaft und der Visuellen Kultur mit einem Schwerpunkt in der Geschlechterforschung und mit Blick auf Identitätspolitiken und ihre Repräsentationen. Es fokussiert die Erforschung von Kunst-, Bild- und audio-visuellen Medien, hier insbesondere ihre Ästhetik, ihre Geschichte, sowie ihren Wandel im Rahmen von Digitalisierung und Globalisierung. Ein besonderes Augenmerk der Forschung liegt dabei auf den spezifischen Formen und Dispositiven von Kunst, Medienkunst und Populärkultur, ihrer Produktions-, Distributions- sowie Präsentationsmodi bspw. im Rahmen von Ausstellungen, ihrer Vermittlung und Aneignung sowie ihrer Speicherung und Sammlung in Archiven.

Ziel des Kolloquiums ist die eigenständige Entwicklung und Bearbeitung von individuellen Forschungsfragen. Das Modul zielt darauf ab den Forschungsprozess zu reflektieren und methodologische Fragen zu diskutieren. Zudem geht es darum, Schlüsselkompetenzen zu erwerben, wie Kommunikationsfähigkeit, zielorientierte Projektplanung, sowie Wissenschaftsprojekt-Management. Thematisch setzt das Kolloquium einen Rahmen der Film- und Medienwissenschaft. Es fokussiert die Erforschung von Film und audio-visuellen Medien, insbesondere ihre Ästhetik und Geschichte, sowie ihren Wandel im Rahmen von Digitalisierung und Globalisierung. Ein besonderes Augenmerk der Forschung liegt dabei auf den spezifischen Formen und Dispositiven von Film, Medienkunst und Populärkultur, ihrer Produktion, Distribution, Sendung, Ausstellung, Vermittlung und Aneignung sowie ihrer Speicherung und Sammlung in Archiven.

Vorträge aus der Reihe Critical Porn Studies sind Teil des Seminarprogramms.

Kunst wird nicht nur gesammelt, als künstlerische Praxis gerät das Sammeln selbst zum Gegenstand. Das Seminar widmet sich diesen beiden Polen, um die komplexen Dynamiken zwischen Produktion, Akkumulation, Selektion und Exposition anhand eines historisch und medial breit gefassten Gegenstandsbereichs – von gemalten Inventaren der Frühen Neuzeit bis zu digitalen Speichermedien in der Gegenwartskunst – nachzuverfolgen und gleichzeitig grundlegende Kompetenzen kunstwissenschaftlicher Forschung zu erarbeiten.
Welche affektiven, materiellen und kulturellen Prämissen liegen dem Sammeln zugrunde, was unterscheidet die Kunstsammlung von der Briefmarken- oder Bierdeckelsammlung? Und wie können wir künstlerische Arbeiten begreifen, die sich genau dieser Techniken und Logiken bedienen? Das Seminar wird gemeinsam zentrale Begriffe und theoretische Ansätze rekapitulieren, kunstwissenschaftlich-analytische Zugänge entwickeln und Werkbeispiele unter Berücksichtigung ihrer historischen und soziopolitischen Kontexte sowie medialen Verfasstheit diskutieren. Die kritischen Analysen sind von feministischen, queeren und postkolonialen Perspektiven geprägt und berücksichtigen das dem Sammeln inhärente Potenzial normativer und normierender ebenso wie diese Ordnungen durchkreuzender Effektivität.
Eine Tagesexkursion ist vorbehaltlich organisatorischer und terminlicher Abstimmung angedacht.


Teilnahmebedingungen: Regelmäßige und aktive Teilnahme an Sitzungen und Diskussionen, Übernahme von Kurzpräsentationen und Studienaufgaben

Vorträge aus der Reihe Critical Porn Studies sind Teil des Seminarprogramms.

Kunst wird nicht nur gesammelt, als künstlerische Praxis gerät das Sammeln selbst zum Gegenstand. Das Seminar widmet sich diesen beiden Polen, um die komplexen Dynamiken zwischen Produktion, Akkumulation, Selektion und Exposition anhand eines historisch und medial breit gefassten Gegenstandsbereichs – von gemalten Inventaren der Frühen Neuzeit bis zu digitalen Speichermedien in der Gegenwartskunst – nachzuverfolgen und gleichzeitig grundlegende Kompetenzen kunstwissenschaftlicher Forschung zu erarbeiten.
Welche affektiven, materiellen und kulturellen Prämissen liegen dem Sammeln zugrunde, was unterscheidet die Kunstsammlung von der Briefmarken- oder Bierdeckelsammlung? Und wie können wir künstlerische Arbeiten begreifen, die sich genau dieser Techniken und Logiken bedienen? Das Seminar wird gemeinsam zentrale Begriffe und theoretische Ansätze rekapitulieren, kunstwissenschaftlich-analytische Zugänge entwickeln und Werkbeispiele unter Berücksichtigung ihrer historischen und soziopolitischen Kontexte sowie medialen Verfasstheit diskutieren. Die kritischen Analysen sind von feministischen, queeren und postkolonialen Perspektiven geprägt und berücksichtigen das dem Sammeln inhärente Potenzial normativer und normierender ebenso wie diese Ordnungen durchkreuzender Effektivität.
Eine Tagesexkursion ist vorbehaltlich organisatorischer und terminlicher Abstimmung angedacht.


Teilnahmebedingungen: Regelmäßige und aktive Teilnahme an Sitzungen und Diskussionen, Übernahme von Kurzpräsentationen und Studienaufgaben

Das zweisemestrige Projektseminar widmet sich Fragestellungen der Künstler*innenforschung. Welche narrativen Muster der Kunstgeschichte bestimmen die Erzählungen über Künstler*innenschaft? Was zeichnet den kunsthistorischen Kanon aus? Und wie ist dieser geschlechterspezifisch strukturiert? Welches Wissen wird also wann und wie über Künstler*innen erzeugt, welche Strategien und Effekte verbinden sich damit historisch wie gegenwärtig?
Die Auseinandersetzung mit der Situation und den Arbeitsbedingungen von Künstlerinnen wird einen Schwerpunkt im Seminar bilden. Dies wird gerade vor dem Hintergrund vertieft in den Blick genommen, da in den letzten Jahren zunehmend in Kunstmagazinen, Feuilletons, Kultursendungen sowie Debatten in Kunst und Kultur davon zu lesen und zu hören ist, dass Künstlerinnen gefragter sind. Begründet wird dies u.a. mit der (Wieder-)Entdeckung von Künstlerinnen und ihrer vermehrten Präsentation in Ausstellungen. Vom Umschreiben der Kunstgeschichte, von Revision des kunsthistorischen Kanons ist zuweilen die Rede.
Das Projektseminar versteht sich als eine Art Forschungslabor und setzt sich aus verschiedenen Elementen zusammen. Neben der Beschäftigung mit grundlegenden Texten der Künstler*innengeschichte und der kunstwissenschaftlichen Geschlechterforschung werden wir uns mit ausgewählten - historischen wie aktuellen - Positionen von Künstler*innen befassen. Bestandteil des Seminars werden Gespräche mit Künstler*innen und mit Akteur*innen aus dem Kunstfeld sein sowie Atelier- und Ausstellungsbesuche.
Ziel des Seminars ist die eigenständige Entwicklung kleiner Forschungsprojekte zum Themenrahmen. Die Konzipierung und Ausarbeitung der Projekte wird im Schwerpunkt im Sommersemester 2025 erfolgen. Wie die Projekte gegen Ende des Sommersemesters 2025 präsentiert werden, wird im Seminar erarbeitet werden.
Was Sie mitbringen sollten, ist die Bereitschaft am aktiven Mitgestalten des Seminars, ist Forschungslust und nicht zuletzt Experimentierfreude.

Das zweisemestrige Projektseminar widmet sich Fragestellungen der Künstler*innenforschung. Welche narrativen Muster der Kunstgeschichte bestimmen die Erzählungen über Künstler*innenschaft? Was zeichnet den kunsthistorischen Kanon aus? Und wie ist dieser geschlechterspezifisch strukturiert? Welches Wissen wird also wann und wie über Künstler*innen erzeugt, welche Strategien und Effekte verbinden sich damit historisch wie gegenwärtig?
Die Auseinandersetzung mit der Situation und den Arbeitsbedingungen von Künstlerinnen wird einen Schwerpunkt im Seminar bilden. Dies wird gerade vor dem Hintergrund vertieft in den Blick genommen, da in den letzten Jahren zunehmend in Kunstmagazinen, Feuilletons, Kultursendungen sowie Debatten in Kunst und Kultur davon zu lesen und zu hören ist, dass Künstlerinnen gefragter sind. Begründet wird dies u.a. mit der (Wieder-)Entdeckung von Künstlerinnen und ihrer vermehrten Präsentation in Ausstellungen. Vom Umschreiben der Kunstgeschichte, von Revision des kunsthistorischen Kanons ist zuweilen die Rede.
Das Projektseminar versteht sich als eine Art Forschungslabor und setzt sich aus verschiedenen Elementen zusammen. Neben der Beschäftigung mit grundlegenden Texten der Künstler*innengeschichte und der kunstwissenschaftlichen Geschlechterforschung werden wir uns mit ausgewählten - historischen wie aktuellen - Positionen von Künstler*innen befassen. Bestandteil des Seminars werden Gespräche mit Künstler*innen und mit Akteur*innen aus dem Kunstfeld sein sowie Atelier- und Ausstellungsbesuche.
Ziel des Seminars ist die eigenständige Entwicklung kleiner Forschungsprojekte zum Themenrahmen. Die Konzipierung und Ausarbeitung der Projekte wird im Schwerpunkt im Sommersemester 2025 erfolgen. Wie die Projekte gegen Ende des Sommersemesters 2025 präsentiert werden, wird im Seminar erarbeitet werden.
Was Sie mitbringen sollten, ist die Bereitschaft am aktiven Mitgestalten des Seminars, ist Forschungslust und nicht zuletzt Experimentierfreude.

Die Unterscheidung von „Natur“ und „Kultur“ ist eine zentrale Denkfigur und ein wesentliches Strukturmoment der westlichen Moderne, das in den letzten Jahrzehnten vielfach kritisiert und in Frage gestellt worden ist. So formuliert die Biologin und Wissenschaftstheoretikerin Donna Haraway mit dem Begriff naturecultures – NaturKulturen – einen Ansatz, der Natur und Kultur nicht als Gegensätze denkt, sondern als Sphären, die stets aufeinander bezogen und zutiefst ineinander verflochten, verstrickt sind. Daran angelehnt befasst sich das Seminar aus der Perspektive von Studien Visueller Kultur damit, wie spezifische Konfigurationen des Zu-Sehen-Gebens tradierte Register von „Kultur“ und/oder „Natur“ zur Diskussion stellen können. Inwiefern können sie als Artikulationen von KulturNaturRäumen beschrieben werden? Und wie verändern sich mit solcher Dynamisierung gewohnter Zuordnungen und visueller Selbstverständlichkeiten auch Wahrnehmungen und Sichtbarkeiten, Bedeutungen, Gewichtungen und Hierarchien, die in der Konsequenz wiederum auch andere, möglicherweise unerwartete Handlungsoptionen und Umgangsweisen in Aussicht stellen können. Das soll vor allem in Bezug auf die Stadt Bremen exemplarisch untersucht werden – z.B. die Charakteristika einzelner Stadtgebiete, die Gestaltung von Grünanlagen, die Institutionen und Angebote des Kulturbetriebs, für Bildung und Freizeit. Besondere Aufmerksamkeit soll auch der Kunst im öffentlichen Raum – sowohl als Programm wie auch als Ver-Ortung – zukommen. Wir verfolgen mehrere Wege, die im Laufe des zweisemestrigen Prozesses zusammengeführt und in ein Vermittlungskonzept übersetzt werden sollen: a) die Auseinandersetzung mit einschlägigen Theorien und Konzepten, b) das Kennenlernen konkreter Orte, Einrichtungen und Institutionen, auch durch direkte Kontakte und Gespräche mit Verantwortlichen, und c) die Entwicklung und Bearbeitung eines eigenen thematischen Schwerpunktes.

Die Unterscheidung von „Natur“ und „Kultur“ ist eine zentrale Denkfigur und ein wesentliches Strukturmoment der westlichen Moderne, das in den letzten Jahrzehnten vielfach kritisiert und in Frage gestellt worden ist. So formuliert die Biologin und Wissenschaftstheoretikerin Donna Haraway mit dem Begriff naturecultures – NaturKulturen – einen Ansatz, der Natur und Kultur nicht als Gegensätze denkt, sondern als Sphären, die stets aufeinander bezogen und zutiefst ineinander verflochten, verstrickt sind. Daran angelehnt befasst sich das Seminar aus der Perspektive von Studien Visueller Kultur damit, wie spezifische Konfigurationen des Zu-Sehen-Gebens tradierte Register von „Kultur“ und/oder „Natur“ zur Diskussion stellen können. Inwiefern können sie als Artikulationen von KulturNaturRäumen beschrieben werden? Und wie verändern sich mit solcher Dynamisierung gewohnter Zuordnungen und visueller Selbstverständlichkeiten auch Wahrnehmungen und Sichtbarkeiten, Bedeutungen, Gewichtungen und Hierarchien, die in der Konsequenz wiederum auch andere, möglicherweise unerwartete Handlungsoptionen und Umgangsweisen in Aussicht stellen können. Das soll vor allem in Bezug auf die Stadt Bremen exemplarisch untersucht werden – z.B. die Charakteristika einzelner Stadtgebiete, die Gestaltung von Grünanlagen, die Institutionen und Angebote des Kulturbetriebs, für Bildung und Freizeit. Besondere Aufmerksamkeit soll auch der Kunst im öffentlichen Raum – sowohl als Programm wie auch als Ver-Ortung – zukommen. Wir verfolgen mehrere Wege, die im Laufe des zweisemestrigen Prozesses zusammengeführt und in ein Vermittlungskonzept übersetzt werden sollen: a) die Auseinandersetzung mit einschlägigen Theorien und Konzepten, b) das Kennenlernen konkreter Orte, Einrichtungen und Institutionen, auch durch direkte Kontakte und Gespräche mit Verantwortlichen, und c) die Entwicklung und Bearbeitung eines eigenen thematischen Schwerpunktes.