Zu sehen sind die augenzwinkernde Bierwerbung eines der einflussreichsten Aktivisten der Filmavantgarde und das in legendärer Montagetechnik dekonstruierte Genrekino des Western eines ebenfalls österreichischen Found Footage Filmers. Weiterhin zu erleben ist, wie ein autobiographischer Erzählstrom trotz seiner fließenden Ruhe emotionale Verstörung heraufbeschwört, wie unklare Ton-Bild-Verhältnisse zur Irritation unseres Sprachzentrums führen und wie schließlich ein geraffter Dollyzoom einen verträumten Wald in ein lichtblitzendes Farbspektakel verwandelt.

Do. 07.05.2026, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

   | Peter Kubelka | Schwechater | 1958 | 1:00 | no dialogue 
   | Peter Tscherkassky | Instructions for a Light and Sound Machine | 17:00 | no dialogue
   | Suse Itzel | Ich hätte lieber einen anderen Film gemacht | 2024 | 23:32 | OmengU
   | John Smith | Associations | 1975 | 06:30 | engOF
   | Johann Lurf | Vertigo Rush | 2007 | 19:00 | no dialogue 

Sabine Weingartner, München
Marisa und Mario Merz‘ Inszenierung von Arbeiten und Fürsorgen im Heimatelier in domus (1972) 

Der Vortrag untersucht eine 1972 im italienischen Architekturmagazin domus veröffentlichte Bildstrecke zum Turiner Apartment von Marisa und Mario Merz. Gezeigt wird die Stadtwohnung nicht als bürgerlich geordnetes, repräsentatives Interieur, sondern als Gegenmodell: Die zweckvielfältigen Räume sind von künstlerischer Arbeit durchdrungen. Im Zentrum steht die Frage, welche Bedeutung diese räumliche Verschränkung von Atelier und Heim zu einem Zeitpunkt gewinnt, als die autorisierende Funktion des Ateliers zur Disposition steht und das Heim als Sphäre weiblich konnotierter Fürsorge- und Reproduktionsarbeit in den Fokus feministischer Kritik rückt. Vor dem Hintergrund der theoretischen und politischen Arbeiten von Silvia Federici und Mariarosa Dalla Costa wird das ‚Heimatelier‘ als visuelle Intervention gegen die symbolische Fest- schreibung der Arbeitsteilung in der italienischen Nachkriegsgesellschaft gelesen. 

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Vortrag
12. Mai 2026, 18 Uhr
Universität Bremen, SFG 2020 Enrique-Schmidt-Str. 7, 28359 Bremen und via Zoom 

Julia Meer, Hamburg
Franzbrötchen und Feminismus – Strategien zur Aktivierung der Sammlung Grafik und Plakat des MK&G 

Das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg ist ein Museum, das sich aktiv mit den politischen und sozialen Dimensionen von Design auseinandersetzt. Vorgestellt werden Ausstellungsprojekte, die das Potential von Partizipation ausloten, Vielstimmigkeit einladen und sich kritisch auseinandersetzen mit dem Kanon des Grafikdesigns und etablierten Narrativen auf Text- und Gestaltungs- ebene. In The F*word – Guerrilla Girls und feministisches Grafikdesign wurden Lücken in der Sammlung offenbart und Wege zum Umgang mit diesen Lücken vorgestellt. Glitzer fächerte die Facetten eines oftmals als oberflächlich oder effekthascherisch abgewerteten Materials auf. audio—grafisch gab Einblicke in Gestaltungsprozesse und Poster&Papierkram in die Sammlungsarbeit. Der Fokus des Vortrags liegt auf kuratorischen Herausforderungen, Überlegungen und Entscheidungen, sowie der Rolle der Ausstellungsgestaltung. 

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Auch Ausstellen ist eine Konstellation sozialer und kultureller Narrative, die im Akt des Zeigens Wissen und Vorstellungen produziert. Im Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen wird das Prinzip des Einrichtens und Ausstellens in verschiedenen bildlichen und räumlichen Formaten des Zu-Sehen- Gebens untersucht. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Kathrin Heinz). 

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Informationen:

www.mariann-steegmann-institut.de

Die Zoom-Links werden zeitnah bekanntgegeben unter:

www.mariann-steegmann-institut.de

Die Teilnahme an den Veranstaltungen ist kostenfrei. 

Silke Förschler, Astrid Silvia Schönhagen (Hg.) Trophäen. Inszenierungen der Jagd in Wohn- und Ausstellungsräumen
transcript Verlag 2025, Schriftenreihe wohnen+/-ausstellen, Band 12 
 
Christina Threuter, Trier
Hatari! Großwildjäger*innen und ihre Trophäen in der kolonialen Wohnkultur und der Mode des 20. Jahrhunderts 

Der Vortrag fokussiert den Mythos einer erfolgreichen Kolonialzeit in der Vorstellung von den Kolonisator*innen als Großwildjäger*innen, deren erbeutete Trophäen Zeichen ihres Sieges bzw. ihrer Macht sind. Der zeitliche Bogen reicht von der deutschen Kolonialzeit in Tansania über die 1960er Jahre bis heute. Die 1960er markieren dabei eine Schlüsselzeit: Mit der Unabhängigkeit vieler afrikanischer Staaten verband sich Hoffnung auf Dekolonialisierung, während zugleich kolonialrevisionistische Erzählungen der Groß- wildjagd etwa im Tierschutz und in der Massenkultur fortlebten. Die Trophäe überdauerte so bis heute als modernes, in der Regel unhinterfragtes Lifestyleprodukt im Kolonialstil des Wohnens, im modischen Safari-Look sowie im Leo-Print. 

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Vortrag
20. Januar 2026, 18 Uhr
b.zb Bremer Zentrum für Baukultur Am Wall 165/167, 28195 Bremen und via Zoom 

Regine Heß, München
Wer wohnt wo auf großen Ausstellungen? Ungleiche (Wohn-)Modelle zeigen 

Große Ausstellungen wie Welt-, Kunstgewerbe-, Kolonial- und Bauausstellungen verfügen über einen beträchtlichen Anteil von Architektur im Maßstab 1:1. Sie haben auch immer wieder das Wohnen und das Wissen darüber gezeigt: in Palästen, Häusern, Hütten, Zimmern und Gärten. Damit stellten sie (Wohn-)Modelle der Ungleichheit zwischen Klassen, Geschlechtern, Ethnien und Nationen aus. Ausgestellte Menschen interagierten mit Gebäuden und Exponaten und demonstrierten den Prozess des Wohnens. Ausstellungsberichte betonen, dass reale Menschen das Erlebnis und die Besucher*innenzahl steigerten. Das Ausstellungsgelände verstanden als „Territorium“ (Stuart Elden), auf dem die Veranstaltenden über In- und Exklusion bestimmen, ist Schauplatz des Konflikts, wo eine Gruppe die Kontrolle über Andere ausübt. 

Die Veranstaltung ist eine Kooperation mit dem b.zb Bremer Zentrum für Baukultur. 

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Auch Ausstellen ist eine Konstellation sozialer und kultureller Narrative, die im Akt des Zeigens Wissen und Vorstellungen produziert. Im Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen wird das Prinzip des Einrichtens und Ausstellens in verschiedenen bildlichen und räumlichen Formaten des Zu-Sehen- Gebens untersucht. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender
(Leitung: Kathrin Heinz). 

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Informationen:

www.mariann-steegmann-institut.de

Die Zoom-Links werden zeitnah bekanntgegeben unter:

www.mariann-steegmann-institut.de

Julika Rudelius studierte an der Gerrit Rietveld Academy (1994-1998) und an der Rijksakademie (1999-2001), hat in namhaften Institutionen weltweit ausgestellt und ist derzeit Professorin für Zeitbasierte Kunst an der Hochschule für Künste Bremen. Sie spricht mit  Christine Rüffert (Universität Bremen) über frühe Arbeiten ebenso wie über neuere Werke, u.a. über Double Surface, das z.Zt. in der Weserburg Bremen ausgestellt ist. 

Mi. 03.12.2025, 20:00 Uhr im CITY 46 

Die Videos:

   | Train | 2001 | 7:16 
   | The Highest Point | 2002 | 12:40
   | It’s true because I feel it | 2021| 12:27
   | Liaison | 2013 | 9:37 (single screen, excerpt)
   | Double Surface | 2025 | 18:50 (excerpts)
   | work in progress (diverse excerpts)

11. Dezember 2025, 18.00 Uhr, Bremen, Buchpräsentation und Vortrag
Buchpräsentation Silke Förschler und Astrid Silvia Schönhagen (Hg.)
Trophäen. Inszenierungen der Jagd in Wohn- und Ausstellungsräumen transcript Verlag 2025, Schriftenreihe wohnen+/-ausstellen, Band 12
Vortrag Christina Threuter (Kunsthistorikerin, Hochschule Trier) 
Hatari! Großwildjäger*innen und ihre Trophäen in der kolonialen Wohnkultur und der Mode des 20. Jahrhunderts
Olbers Saal, 1.OG, Haus der Wissenschaft, Sandstr. 4/5, 28195, Bremen
und via Zoom

22. Januar 2026, 18.00 Uhr, online-Vortrag
Elisabeth Luggauer (Stadtanthropologin, Humboldt-Universität zu Berlin) 
Multispezies-Konvivialitäten: Wie Straßenhunde Stadt (mit)gestalten 

Der Zoom-Link zu den Veranstaltungen wird zeitnah auf der Homepage: 
http://www.mariann-steegmann-institut.de bekannt gegeben. 

SALON TIER
Eine Online-Veranstaltungsreihe kuratiert von Silke Förschler, Christiane Keim und Astrid Silvia Schönhagen im Rahmen des Projekts c/o HABITAT TIER
Tiere sind auf sehr unterschiedliche Art und Weise Teil unserer häuslichen Umgebung. So werden ihnen in menschlichen Domizilen eigene Wohnstätten eingerichtet, als sog. Ungeziefer hingegen gelten sie als ungebetene Gäste in den menscheneigenen vier Wänden. Tierliche Materialien wie Felle und Häute wiederum dienen der wohnlichen Ausgestaltung von Innenräumen. Tiere entwickeln aber auch selbst Strategien des Sich- Einrichtens in unterschiedlichen Territorien und Habitaten – ob in unmittelbarer Nähe des Menschen oder in Distanz zu diesem. Im gemeinsam oder getrennt bewohnten Lebensraum zeigt sich somit eine Vielfalt an Mensch-Tier-Relationen, die teilweise im Widerspruch zueinander stehen, teilweise erstaunen und erheitern.

In der Tradition der Salons des 18. und 19. Jahrhunderts laden wir im Rahmen unserer Lecture Series SALON TIER dazu ein, mit unseren Gästen über verschiedene Ausprägungen menschlichen und tierlichen Zusammenlebens und -wohnens zu diskutieren. Anliegen ist es, das Konzept der Kohabitation von Mensch und Tier neu zu denken.

SALON TIER ist eine Veranstaltungsreihe des Forschungsfelds wohnen+/-ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft –
Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. 

Wir laden alle Interessierten herzlich ein und freuen uns auf den Austausch!

Alle Termine finden online statt.

Hier kommen Sie direkt zur Veranstaltung:

https://uni-bremen.zoom-x.de/j/63839605059?pwd=5V5j9vnE2wkfV7Ha6SQKwHQB3qqC1v.1

Vorträge

03.11.2025 | Stefanie Boulila | Sozialwissenschaft | Intersektionale Widerstandspraktiken gegen Anti-Gender-Politiken in Deutschland und Europa

In ganz Europa gewinnen Anti-Gender-Politiken zunehmend an Einfluss und bedrohen hart erkämpfte Fortschritte in den Bereichen Gleichstellung, sexuelle und reproduktive Rechte sowie LSBTIQ*-Rechte. Der Vortrag basiert auf den Ergebnissen des Horizon Europe-Forschungsprojekts RESIST – Fostering Queer Feminist Intersectional Resistances against Transnational Anti-Gender Politics und stellt konkrete Widerstandspraktiken zivilgesellschaftlicher Akteur*innen in Deutschland und weiteren europäischen Ländern vor. Nach einer Einführung in die Strategien und ideologischen Diskurse von Anti-Gender-Politiken in Europa richtet der Vortrag den Blick auf Gegen-Narrative, solidarische Raumpraktiken und widerständige Gegenöffentlichkeiten. Dabei werden sowohl die Potenziale als auch die Spannungsfelder intersektionaler Praxis kritisch reflektiert. Im Fokus steht die Bedeutung von Intersektionalität für die Mobilisierung, insbesondere im Zusammenspiel feministischer, queerer, antirassistischer und migrantischer Perspektiven.

Stefanie Boulila, Prof. Dr., ist Forschungsverantwortliche am Institut für Soziokulturelle Entwicklung der Hochschule Luzern und leitet ein Arbeitspaket im Horizon-Europe-Projekt RESIST. Fostering Queer Feminist Intersectional Resistances against Transnational Anti-Gender Politics. 2016 wurde sie an der University of Leeds in Soziologie und Gender Studies promoviert. Ihre Forschungsschwerpunkte umfassen queer-feministische Demokratietheorie, LGBTIQ+-Lebensrealitäten, partizipative und kollaborative Forschungsmethoden sowie europäische Rassismustheorien. Sie ist Autorin der Monographie Race in Post-racial Europe: An Intersectional Analysis (2019, Rowman & Littlefield International). Ihre wissenschaftlichen Arbeiten erscheinen in renommierten internationalen Fachzeitschriften, darunter Ethnic and Racial Studies, European Journal of Women’s Studies und Journal of Rural Studies. Für ihren Beitrag zur intersektionalen Ungleichheitsforschung in Europa wurde sie 2021 mit dem Emma-Goldman-Award der niederländischen Flax Foundation ausgezeichnet, der mit 50'000 Euro dotiert ist. Stefanie Boulila war von 2020 bis 2025 Gründungsmitglied der Jungen Akademie Schweiz. Sie engagiert sich besonders für mehr Diversität an Hochschulen sowie für eine verständliche und für Forschende sichere Wissenschaftskommunikation in den Gender Studies.

10.11.2025 | Marlene Winkler | Amerikanistik | Mutterschaft als Widerstand im Schwarzen Feminismus 

Bei einer intersektionalen Betrachtung von Feminismus kann innerhalb des Schwarzen Feminismus ein inhaltlicher Fokus auf Konzepte der Mutterschaft gelegt werden. Basierend auf, unter anderem, den theoretischen Werken von Patricia Hill Collins und Stanlie M. James kann im Themenkomplex Mutterschaft zwischen dem Konzept der „bloodmother“ und dem der „othermother“ unterschieden werden. In dem Zusammenhang legt der Vortrag einen verstärkten Fokus auf die Möglichkeit der Kraftschöpfung und der Rückerlangung von Autonomie, insbesondere körperbezogene Autonomie. Es wird analysiert, wie unterschiedlichen Mutterrollen Determination stärken und folglich als Mittel der Selbstverwirklichung und Selbstbestimmung zu sehen sind. Dadurch ist, aus einer US-amerikanischen schwarz-feministischen Sicht, Mutterschaft als inhärent oppositionell zu den Systemen der Sklaverei und Rassentrennung zu betrachten. Exemplarisch wird diese Theorie literaturwissenschaftlich anhand der Werke A Mercy, von Toni Morrison, und The Color Purple, von Alice Walker, unterstrichen. In einem weiteren Schritt kann so auch das Schreiben von verschiedenen Mutterrollen im Kontext von struktureller Unterdrückung als Akt des Widerstandes gewertet werden. 

Marlene Winkler ist Master Studentin der American Studies und Q+Studentin in Mainz. Der Schwerpunkt ihrer Forschung liegt auf intersektionalen Genderstudies mit einem spezifischen Fokus auf körperlicher Autonomie. Zusätzlich arbeitet sie als Hilfskraft an Forschungsprojekten der narrativen Medizin. 

17.11.2025 | Kyra Schmied | Politikwissenschaft | Politisierung von Femi(ni)ziden: Solidarische Kämpfe gegen patriarchale Gewalt 

Mit dem Ziel, keinen Femi(ni)zid unbeantwortet zu lassen, ging die autonome feministische Vernetzung Claim the Space (Wien) über 2 Jahre nach jedem Femi(ni)zid, der in Österreich verübt wurde und von dem die Aktivist*innen erfahren haben, auf die Straße. Femi(ni)zid als politischer Begriff dient dabei der Benennung und Bekämpfung eines breiten Kontinuums patriarchaler Gewalt gegen Frauen, Lesben, inter, nichtbinäre, trans und agender Personen (FLINTA). Ausgehend von einer Analyse der strukturellen und intersektionalen Gewaltverhältnisse, die den Morden zugrunde liegen, und unter Bezugnahme transnationaler Protestformen und ihrer Übersetzung in den deutschsprachigen Kontext untersucht der Vortrag Ambivalenzen in der Politisierung femi(ni)zidaler Gewalt. Anschließend an Debatten, die auch innerhalb der Proteste geführt wurden, werden Möglichkeiten eines kollektiven, solidarischen Kampfes gegen patriarchale Gewalt – nicht trotz, sondern aufbauend auf unterschiedlichen Erfahrungen – ausgelotet.

Kyra Schmied hat an der Universität Wien Politikwissenschaft und Gender Studies studiert und ihren Master zu einer feministischen Relektüre der Pariser Commune (1871) absolviert. Im Autor*innenkollektiv Biwi Kefempom („Bis wir keinen einzigen Femi(ni)zid mehr politisieren müssen“) verfasste Kyra Schmied gemeinsam mit Judith Goetz, Cari Maier und Marcela Torres Heredia das Buch „Femi(ni)zide. Kollektiv patriarchale Gewalt bekämpfen“ (2023, Verbrecher Verlag). Aktuell setzt sie sich mit queer_feministischen Vorstellungen von Sicherheit auseinander.

01.12.2025 | Susanne Huber | Kunstwissenschaft | Erregung, Öffentlichkeit, Ärgernis: Koordinaten künstlerischen Ungehorsams prä- und postdigital

Die Grenze zwischen legitimen Körpern und Begehren und ihren vermeintlich unrechtmäßigen Pendants ist historisch ebenso fließend wie regelmäßig umkämpft. Ein spezifisches Erregungspotenzial, d.h. jene Konstellation, anhand derer sowohl Lust als auch Missbilligung mobilisiert wird, formiert sich hingegen kontinuierlich neu. Vor dem Hintergrund neoliberaler Biopolitiken untersucht der Vortrag die Funktion des öffentlichen Raums als Aushandlungsfeld solcher Konflikte zwischen künstlerischer und politischer Teilhabe seit der Mitte des 20. Jahrhunderts auf dem Terrain des Urbanen.

Susanne Huber, Dr. phil., arbeitet als Researcher für Kunstwissenschaft/Kunstgeschichte mit Schwerpunkt auf feministischen, queer(end)en und postkolonialen Themen an der Universität Bremen. Aktuelle Forschungsperspektiven umfassen kunstwissenschaftliche und kulturhistorische Phänomene fetischistischer Besetzungen, Körperdiskurse in visuellen Kontexten seit der Moderne sowie fotografische Stillleben um die Jahrhundertwende. Zusammen mit Änne Söll und Hongwei Bao ist sie Herausgeberin der Schriftenreihe „Oyster. Feminist and Queer Approaches to Arts, Cultures, and Genders“ (De Gruyter, Berlin/Boston). Jüngste Publikationen umfassen Ambivalent Work*s. Queer Perspectives and Art History (2024, hg. zus. m. Daniel Berndt und Christian Liclair) sowie zahlreiche Texte und Aufsätze, u.a. in Texte zur Kunst, 21: Inquiries into Art, History, and the Visual, kritische berichte, Zeitschrift für Medienwissenschaft und verschiedenen Sammelbänden.

08.12.2025 | Barbara Paul & Andrea Seier | Kunstgeschichte, Medienwissenschaft | Betroffenheit verteidigen? Praktiken der (Selbst-)Politisierung in Kunst und audiovisueller Kultur

Betroffenheit wird aktuell kontrovers diskutiert und nicht selten in Registern des Politischen ausgelotet, reklamiert, abgesprochen. In diesem Kontext fragt das von uns herausgegebene Buch zu Betroffenheit, das hier vorgestellt werden soll, nach den Möglichkeiten eines produktiven Umgangs mit Betroffenheit. Die Vorstellung einer unmittelbar gegebenen Betroffenheit wird dabei zurückgewiesen und stattdessen aus der Perspektive eines Betroffen-Werdens argumentiert. Betroffenheit wird als spezifische Form eines ebenso verkörperten, gefühlten und diskursiven Wissens verstanden, das individuelle Erfahrungen immer schon an ihre soziokulturellen, medialen und ästhetischen Gefüge koppelt, und als Praktik der (Selbst-)Politisierung auf ihre mediale Performativität, audiovisuelle Repräsentation und ihre diskursiven Umwertungen hin untersucht. Dabei geht es – im Feld von Geschlecht, Sexualität, Begehren, race und Klasse sowie zusammen mit Fragen von Verletzbarkeit, Scham, Emanzipation und Empowerment – um die Verteidigung von Betroffenheit. Beispiele gibt es viele: vom feministischen Künstlerinnenbuch und Queer Punk-Produktionen über Aufmerksamkeitsökonomien in Me-Too-Debatten hin zu Arbeiten von Paul B. Preciado.

Andrea Seier ist Professorin für „Kulturgeschichte audiovisueller Medien“. Als Gast- und Vertretungsprofessorin war sie an der Freien Universität Berlin, Universität Konstanz, an der Ruhr-Universität Bochum und an der Universität Wien tätig. Ihre Habilitationsschrift ist unter dem Titel «Mikropolitik der Medien» (2019) erschienen. Forschungsschwerpunkte: Medien und Selbsttechnologien, Klassenverhältnisse und soziale Im/Mobilität in Medien, Theorien der Schwäche: Betroffenheit, Anhänglichkeit, Passivität, Gender & Medien, Performativitätstheorien.

Barbara Paul ist Professor*in für Kunstgeschichte an der Carl von Ossietzky Universität Oldenburg und stellvertretende Direktor*in des Zentrums für interdisziplinäre Frauen- und Geschlechterforschung, 2013-2016 Sprecher*in des Helene-Lange-Kollegs „Queer Studies und Intermedialität: Kunst – Musik – Medienkultur“ und 2017-2020 Sprecher*in des Forschungsverbundprojekts „Geschlechterwissen in und zwischen den Disziplinen. Kritik, Transformation und 'dissidente Partizipation'“. Publikationen zuletzt u.a.: Betroffenheit. Praktiken der (Selbst-)Politisierung in Kunst und audiovisueller Kultur, Hg. mit Andrea Seier, Berlin, erscheint Juni 2024; Geschlechterwissen in und zwischen den Disziplinen, Hg. mit Corinna Bath und Silke Wenk, 2020; Perverse Assemblages. Queering Heteronormativity Inter/Medially, Hg. mit Josch Hoenes u.a., 2017.

15.12.2025 | Cecilia Valenti | Filmwissenschaft | Für ein Drittes Fernsehen. Ateyyat Al Abnoudy im ZDF

Ende der 1970er-Jahre begann “Das kleine Fernsehspiel” (DkF) — eine Redaktionsabteilung innerhalb des öffentlich-rechtlichen TV-Senders ZDF, die sich auf die Förderung von Debüt- und Experimentalfilmen spezialisiert hat —, es als Teil seiner Mission zu sehen, Filme aus der sogenannten Dritten Welt zu co-produzieren und auszustrahlen. Vor dem Hintergrund des politischen Horizonts eines «Dritten Fernsehens» (Chanan) reichte 1986 die ägyptische Dokumentarfilmerin Ateyyat El Abnoudy beim “Kleinen Fernsehspiel” einen Vorschlag für einen einstündigen Dokumentarfilm mit dem Titel Abnoud and a Life Cycle ein. Dies markierte den Beginn von Verhandlungen, die schließlich zur Unterstützung durch ZDF sowie den britischen Sender Channel Four führten. Mein Vortrag basiert auf Nachforschungen im Produktionsarchiv des ZDF sowie auf Ansätzen der Critical Infrastructure Studies und untersucht Ateyyat El Abnoudys Zusammenarbeit mit dem “Kleinen Fernsehspiel” als Fallstudie einer Nord-Süd-Koproduktion im Kontext entwicklungspolitischer und staatlich-kritischer Medien. Dabei interessiert mich insbesondere, wie das machtvolle Narrativ eines «timeless peasant life» (Mitchell) — verstanden als subalterner Widerstand gegen den Wandel und in Archivalien zu El Abnoudys Film dokumentiert — durch die Ästhetik von El Abnoudys Film sowohl verhandelt als auch hinterfragt wird.

Cecilia Valenti ist Film- und Kulturwissenschaftlerin und hat die Juniorprofessur für Film- und Medienwissenschaft an der Johannes Gutenberg-Universität Mainz inne. Ihre Dissertation Das Amorphe im Medialen: Zur politischen Fernsehästhetik im italienischen Sendeformat Blob ist 2019 im Transcript Verlag erschienen. Gemeinsam mit Nikolaus Perneczky vollendet sie zurzeit den Sammelband Restitution and the Moving Image: On the Politics and Ethics of Global Audiovisual Archiving (Amsterdam University Press, 2025). Außerdem arbeitet sie an ihrer zweiten Monografie, einer globalkritischen Mediengeschichte von Nord-Süd-Kooperationen.

12.01.2026 | Josephine Apraku | Afrikawissenschaft | Wie Widerstand? Eine intersektionale Perspektive auf Widerstand im Alltag

Josephine Aprakubeleuchtet im Vortrag, wie gesellschaftliche Machtverhältnisse Diskriminierung und Othering-Prozesse hervorbringen – und wie Menschen diesen mit alltäglichen Formen von Widerstand begegnen. Aus intersektionaler Perspektive zeigt Josephine Apraku, wie komplex die Überschneidungen von Rassismus, Sexismus, Klassismus und weiteren Diskriminierungsformen sind, und wie wichtig es ist, die eigenen Ressourcen im Kontext von Widerstand zu reflektieren. Widerstand kann leise oder laut sein, individuell oder kollektiv, geplant sowie spontan sein – er ist immer kontextabhängig. Josephine Apraku fragt, welche Rolle Fach- und Erfahrungswissen, Positionierungen und Gemeinschaft für widerständiges Handeln spielen – und was es braucht, um diesen Weg langfristig gehen zu können.

Josephine Apraku ist Afrikawissenschaftler*in, Autor*in, Podcaster*in und Referent*in für intersektionale rassismuskritische Bildungsarbeit. Neben mehreren Sach- und Kinderbüchern hat Josephine unter anderem für Magazine wie das Missy Magazine oder Vogue Germany geschrieben. Außerdem organisiert Josephine die monatliche Soli-Lesereihe »In guter Gesellschaft«, mit der Geld für Initiativen gesammelt wird. Josephines Arbeit bewegt sich zwischen Kritik und Utopie – mit dem Ziel, Unterdrückung sichtbar zu machen und kollektive Veränderung anzustoßen.

19.01.2026 | Sabine Hark | Interdisziplinäre Geschlechterforschung | Genderwahn und Sprachpolizei. Das Ressentiment gegen die Gender Studies: Toxische Diskurse und unheimliche Allianzen

Der Vortrag rückt die vehemente Ablehnung von Gender Studies und geschlechtlicher Selbstbestimmung als Teil eines reit angelegten Kulturkampfs in den Blick. Begriffe wie „Genderwahn“ und „Sprachpolizei“ dienen der Diffamierung wissenschaftlicher Arbeit und der Delegitimierung politischer Gleichheitsforderungen. In der Melange aus Verschwörungsmythen, Ressentiments und moralischer Empörung formiert sich eine unheimliche Allianz rechter, konservativer und teils auch feministischer Stimmen. Der Diskurs ist von Eskalation, Denunziation und irrationaler Aufladung geprägt – mit dem Ziel, Gender als vermeintliche Bedrohung gesellschaftlicher Ordnung zu inszenieren und progressive Errungenschaften rückgängig zu machen.

Sabine_ Hark, Professur für Interdisziplinäre Geschlechterforschung an der TU Berlin. Jüngste Veröffentlichungen: Die ungleiche Universität. Diversität, Exzellenz und Anti-Diskriminierung (zusammen mit Johanna Hofbauer), Wien 2023 (Passagen Verlag); Gemeinschaft der Ungewählten. Umrisse eines politischen Ethos der Kohabitation, Berlin 2021 (edition suhrkamp 2774).

Weitere Infos finden Sie hier auf der Hauptseite.

(vorgelagert vor der Sozietätstagung an der Universität Bremen)

Zentrale Formate: Podiumsdiskussion, Workshop in Zusammenarbeit mit dem Sozialunternehmen und Designstudio „Koralle“, diverse informelle Austauschmöglichkeiten

Was bedeutet es in der heutigen Zeit, sich an der Gestaltung von gesellschaftlichem Wandel zu beteiligen? Welche Rolle spielt kunstpädagogisches Forschen, Lehren und Lernen dabei? Was lässt sich hier unter Nachhaltigkeit verstehen?

Vor dem Hintergrund der „Sustainable Development Goals” (SDGs)[i] der Vereinten Nationen fragen wir nach Herausforderungen und notwendigen Schritten, um die Entwicklungsziele in der Kunstpädagogik (stärker) zu verhandeln. Dazu nutzen wir die „Five Inner Development Goals” (IDGs) als Framework. Diese sollen zu einer Stärkung „persönlicher und zwischenmenschlicher Fähigkeiten” beitragen, um „globale Nachhaltigkeitsherausforderungen”[ii] zu meistern. Die fünf IDGs werden folgendermaßen charakterisiert:

1. BEING - Relationship to Self
   (dt. SEIN – Beziehung zu sich selbst)
2. THINKING - Cognitive Skills
   (dt. DENKEN – Kognitive Fähigkeiten)
3. RELATING - Caring for Others and The World
   (dt. BEZIEHUNG – Fürsorge für andere und die Welt)
4. COLLABORATING - Social Skills
   (dt. ZUSAMMENARBEIT – Soziale Kompetenzen)
5. ACTING - Enabling change
   (dt. HANDELN – Wandel vorantreiben)[iii]

Wir möchten den inhaltlichen Austausch von (angehenden) Wissenschaftler:innen in Qualifikationsphasen fördern, aber auch Expert:innen aus anderen Disziplinen u.a. der Kreativwirtschaft einladen, die unsere Diskussionen bereichern und ggf. kontrastieren. So schauen wir über den Tellerrand der Kunstpädagogik. Wir möchten dabei diskutieren, wie die IDGs unsere Arbeit im Bereich nachhaltiges Forschen, Lehren und Lernen bereichern können und gleichzeitig, wie die Kunstpädagogik selbst diese Begriffe bereits prägt, kritisch diskutiert weiter denkt oder gar verschiebt.

Im Rahmen einer Podiumsdiskussion setzen wir auf interdisziplinäre, kontrastierende Perspektiven, die gezielt dazu anregen, Positionen kennen zu lernen und eine kontroverse Auseinandersetzung zu initiieren. Die Diskussion bietet darüber hinaus Anlass, um in einer anschließenden Workshoparbeit das eigene Forschungsvorhaben kritisch zu befragen und weiter zu denken. Wir freuen uns, dass wir Sarah Lopper (Universität zu Köln)[iv]; Prof. Dr. Sven Hermann (Northern Buisness School)[v] und Prof. Dr. Oktay Bilgi (Alanus Hochschule)[vi] gewinnen konnten, an der Podiumsdiskussion mitzuwirken.

Im Workshop ist die reflexive Auseinandersetzung mit dem Begriff der Nachhaltigkeit zentral. So geht es zum einen darum, wie Wissenschaftler:innen in Qualifikationsphasen ihre Forschung begründen und sich innerhalb oder zum BNE-Diskurs positionieren. Zum anderen möchten wir aber auch beleuchten, was nachhaltige kunstpädagogische Forschung darüber hinaus sein kann. Wie werden wir in der Kunstpädagogik zukünftig diesen Begriff verhandeln sowie gestalten? Was braucht es dafür an Orientierung, Vernetzung und weiteren zukünftigen Bedingungen? Der Workshop soll ein einzigartiges Netzwerk ermöglichen, das für eine weitere Zusammenarbeit hilfreich ist und Sichtbarkeit im Forschungsfeld schafft.

Für den Workshop haben wir die Design-Komplizin „Koralle“[vii] an unserer Seite, die gemeinsam mit Kira Hess ein Workshop-Format entwickeln und durchführen wird.

„Koralle“ ist keine Design-Agentur für nettes Layout und schöne Plakate. Koralle setzt sich dafür ein, sozial-gerechten Wandel mit zu gestalten.

Kira Hess[viii] arbeitet freiberuflich im Feld der angewandten Improvisation und nutzt diese, um ko-kreative Zugänge und ihre Anwendung in Forschungs- und Bildungsbereichen zu schaffen sowie nachhaltiges Forschen, Lehren und Lernen zu fördern.

Wir laden alle Interessierten und Wissenschaftler:innen in Qualifikationsphasen zu einem gemeinsam inhaltlichen und praktischen Austausch ein. Neben dem gemeinsamen Workshop bleibt viel Zeit und Raum miteinander in Austausch zu kommen, die eigenen Themen und Fragen zu vertiefen und sich zu vernetzen.

Nach unserem Tagesprogramm an der Universität Bremen in den Räumen des Instituts für Kunstwissenschaft - Filmwissenschaft - Kunstpädagogik (IKFK) besteht die Möglichkeit, den Abend gemeinsam mit einem kurzen Spaziergang und anschließendem Restaurantbesuch (Selbstzahlung) ausklingen zu lassen. Die an den folgenden zwei Tagen stattfindende Tagung „Vision & Re-Vision: Nachhaltigkeit als Fokus künstlerischer Forschung im Kontext von Kunstpädagogik” (25.09-26.09.2025) bietet zudem weitere Gelegenheit, die angestoßenen Gedanken und Kontakte zu erweitern.

Bitte meldet Euch verbindlich bis zum 1. September unter kontakt.nachhaltigkunstpaed@uni-bremen.de an. Skizziert kurz, was Euch im Hinblick auf eine der genannten Fragen beschäftigt. Für Rückfragen stehen Euch Kirsten de Vries und Christina Inthoff gern zur Seite. Weitere Informationen demnächst auch hier: https://www.uni-bremen.de/kunst/nwkp-2025.

Wir freuen uns auf die gemeinsame Arbeit und unser Kennenlernen!

Euer Tagungsteam

Dr.in Christina Inthoff (Konzeption und Projektleitung)
Kira Hess (Konzeption und Workshopleitung)
Dr.in Evelyn May (inhaltliche und organisatorische Beratung)

Julia Alvis-Seidel und Kirsten de Vries (Administration)
Moritz Masuch (Administration, Technischer Support)

Wir danken der Wissenschaftliche Sozietät Kunst Medien Bildung Fachgesellschaft für Pädagogik, Didaktik und Vermittlung der Kunst e.V. , dem BDK-Bremen und Gerstäcker Bremen für ihre großzügigen Spenden.

13:00 Uhr: Ankommen

BEING[1]
13:30 - 14:00 Uhr: Gemeinsamer Start, Kennenlernen, Zusammenfinden

THINKING & RELATING
14:00 - 15:00 Uhr: Podiumsgespräch sowie anschließende Diskussion

PAUSE 15:00 - 15:30 Uhr

COLLABORATING
15:30 - 17:30 Uhr: Workshop-Angebote mit Unterstützung durch die Designagentur “Koralle” in Kollaboration mit Kira Hess und weiteren Kolleginnen

ACTION
17:30 - 18:30 Uhr: Präsentation/Austausch und Netzwerken/ Vorbereitung der Nachwuchstagung 2026

BEING
19:30 Uhr: Abendprogramm (z.B. Stadtspaziergang/Essen)

[1]  Wie im Konzept beschrieben, werden den verschiedenen Arbeitsphasen einzelne IDGs zugeordnet. Diese Aufteilung soll Orientierung bieten und zugleich Fragen zu den jeweiligen IDGs anregen.

[i]„Die 2015 von den Vereinten Nationen verabschiedeten 17 Ziele der Agenda 2030 richten sich an alle: Staaten, Zivilgesellschaft, Wirtschaft, Wissenschaft und jede und jeden Einzelnen“ (https://www.bmz.de/de/agenda-2030).

[ii]https://sdgs4future.org/bildungskonzept/idgs-inner-development-goals/

[iii]https://innerdevelopmentgoals.org/framework/

[iv]https://www.hf.uni-koeln.de/42961

[v]www.nbs.de/die-nbs/nbs-team/professoren/prof-dr-sven-hermann

[vi]www.alanus.edu/de/hochschule/menschen/detail/oktay-bilgi

[vii]https://www.koralle.design/

[viii]https://kirahess.de/

Hier finden Sie den Link zum Reiter NWKP 2025

www.mariann-steegmann-institut.de, www.uni-bremen.de/kunst, https://galerieherold.de/

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Publikation
Amelie Ochs / Rosanna Umbach (Hg.) 
Wohnen mit Klasse
kritische berichte - Zeitschrift für Kunst- und Kulturwissenschaften
Jahrgang 53, 2.2025

Wohnen und Klasse sind untrennbar miteinander verbunden. Die Beiträge des Heftes analysieren diese Verbindung mit Blick auf Wohnbilder in Fotografie, Film, Zeitschriften, Architektur(debatten) und auf Social Media und diskutieren, wie darin Klassenverhältnisse sichtbar und unsichtbar gemacht werden.

Die Publikation erscheint im Open Access bei arthistoricum.net (Universitätsbibliothek Heidelberg): https://journals.ub.uni-heidelberg.de/index.php/kb/issue/view/7312

In der Tradition der Salons des 18. und 19. Jahrhunderts laden wir dazu ein, im Rahmen unserer Lecture Series SALON TIER gemeinsam mit unseren Gästen über Formen menschlichen und tierlichen Zusammenlebens zu diskutieren. Anliegen ist es, das Konzept der Kohabitation von Mensch und Tier neu zu denken.

19. Juni 2025, 18.00 Uhr, Onlinevortrag 
Groteske Präparate. Tiergebilde der Frühen Neuzeit und ihre Räume 
Robert Bauernfeind (Kunsthistoriker, Universität Augsburg) 
Zoom-Link zur Veranstaltung: 
http://mariann-steegmann-institut.de

28. Juni 2025, 15.00 Uhr, Solarboot des BUND-Besucherzentrum Burg Lenzen (Elbe) 
Mensch-Honigbienen- Beziehungen.
Ein transkultureller Blick auf traditionelle Imkerei in Japan und Kamerun 
Martin Gruber (Ethnologe, Universität Bremen) 
Anmeldung und weitere Infos: 
www.burg-lenzen.de

SALON TIER ist eine Veranstaltungsreihe des Forschungsfelds wohnen+/-ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. 
Im Sommersemester 2025 kooperiert der SALON TIER zudem mit dem BUND-Besucherzentrum Burg Lenzen (Elbe). 

Vortrag
27. Mai 2025/18 Uhr
b.zb Bremer Zentrum für Baukultur, Am Wall 165/167, 28195 Bremen und via Zoom 

Jan Engelke, München
Eigene Heime. Identitätskonstruktionen rund ums Einfamilienhaus 

Während das Wohnen im Einfamilienhaus zunehmend unbezahlbar und ökologisch unvertretbar scheint, scrollen wir durch ökologische Fertighäuser namens ,Heimat 4.0’, blättern durch die erfolgreichste Wohnzeitschrift ,Landlust’ und folgen der Entrüstung auf X, wenn das Einfamilienhaus mal wieder verboten werden soll. Die Wohnform Einfamilienhaus war in Verbindung mit Familienbildern, Genderrollen und Eigentumsideologien immer Teil von Identitätskonstruktionen und politischen Projekten. Ihre Homestory führt von Villen und Gartenstädten über die völkische ‚Scholle’ durch Suburbia-Exporte und die Bungalows der Wirtschaftswunderjahre bis in die offenen Küchen und Heizungskeller der Gegenwart, wo uns Tradwives und Homesteader heimsuchen. Wie lässt sich vor diesem Hintergrund über neue Ideen für die 16 Millionen bestehenden Bauten sprechen, die eine Fülle an Wohnraum, -qualität und Potential für Transformation bieten? 

Die Veranstaltung ist eine Kooperation mit dem b.zb Bremer Zentrum für Baukultur. 

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Vortrag und Heftpräsentation
17. Juni 2025/18 Uhr
Universität Bremen, SFG 2030 Enrique-Schmidt-Str. 7, 28359 Bremen und via Zoom 

Vortrag anlässlich der Heftpräsentation Wohnen mit Klasse, kritische berichte – Zeitschrift
für Kunst- und Kulturwissenschaften, 2.2025, hg.v. Amelie Ochs und Rosanna Umbach 

Alessa Paluch, Greifswald
Schau, wie prekär! – Bilder vom Plattenbau in den deutschen Unterhaltungsmedien 

In deutschen Unterhaltungsmedien wie Filmen und Serien wird der ostdeutsche Plattenbau hartnäckig als eine Architektur der Armut und der menschlichen Abgründe dargestellt. Was bringt diejenigen, die den Plattenbau als Bühnen- oder Szenenbild einsetzen, dazu, diesem Ort in der visuellen Repräsentation stets negative Stereotype von Prekarität zuzuweisen? Warum ist diese unterkomplexe Zuschreibung so erfolgreich? 
Im Vortrag werden verschiedene Beispiele von Visualisierungen vom Plattenbau als nicht-ikonische Bilder analysiert. Solche Bilder eröffnen nur sehr enge Bedeutungsräume, die ein So ist es wirklich! behaupten. Die Beispiele aus Defa-Filmen, Spielfilmen der Nachwendezeit sowie ausgewählten Folgen verschiedener Serien wie dem Rostocker Polizeiruf 110 zeigen, dass mit dem Plattenbau klassen- und genderspezifische Vorstellungen verknüpft werden. Aus repräsentationskritischer Perspektive ist daher zu problematisieren, wie sich diese auf die Lebensrealität vieler Menschen beziehen. So stellt sich die Frage nach visueller Gerechtigkeit: Wie wird was wem zu sehen gegeben?

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Auch Ausstellen ist eine Konstellation sozialer und kultureller Narrative, die im Akt des Zeigens Wissen und Vorstellungen produziert. Im Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen wird das Prinzip des Einrichtens und Ausstellens in verschiedenen bildlichen und räumlichen Formaten des Zu-Sehen- Gebens untersucht. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Kathrin Heinz). 

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Informationen:

http://www.mariann-steegmann-institut.de

Die Zoom-Links werden zeitnah bekanntgegeben unter:
http://www.mariann-steegmann-institut.de
http://www.uni-bremen.de/kunst

Der Eintritt ist frei. 

Eine Initiative der Universität Bremen und GAK Gesellschaft für aktuelle Kunst Bremen, in Kooperation mit Carl von Ossietzky Universität Oldenburg und Hochschule für Künste Bremen/Temporary Spaces

Wie Schulden auf Körper, Organismen, Beziehungen und Gefühle sowie die Umwelt und Infrastrukturen einwirken, wird oft von finanzpolitischen Abstraktionen und moralischer Aufladung überdeckt. Das Symposium und die Gruppenausstellung verlagern die Perspektive darauf, wie sich Verbindlichkeiten in Geschichten, Erinnerungen, Identitäten und Umgebungen einschreiben und beständig neu formieren.

Die Konjunktur von Schulden im politischen Diskurs steht im engen Zusammenhang mit Veränderungen der globalen Kräfteverhältnisse und sich wandelnden Umweltbedingungen, Modelle permanenten Wachstums bestimmen schuldenbasierte Investitionen nunmehr als Voraussetzung für Produktionsfähigkeit. Damit deutet sich eine Ausweitung, oder gar Eskalation der konzeptuellen Analogie zwischen künstlerischer Produktion und einer finanzialisierten Gegenwart an, die Marina Vishmidt und andere im Motiv der Spekulation identifizierten.

Im Anschluss an Leigh Claire LaBerges Absage an eine „zunehmende Abstraktion“ von Verwertungsprozessen erkundet das Symposium daher die soziale und kulturelle Produktivität von Schulden. Die Beiträge verfolgen entlang der Knotenpunkte „Körper“, „Ökologien“ und „Infrastrukturen“ die Bedeutung von Eigentum, Wert und Zins/Interesse als parallele Momente von Schulden und Kunst seit der Moderne in einer spekulativen Gegenwart. Statt sie zu erklären, zielt das Symposium auf ein erweitertes Verständnis von Schulden als formatives Gefüge von berechneten Wirklichkeiten.

Weitere Informationen finden Sie hier.

Program / Programm

Thursday, 22.05.2025

7 pm

Eröffnungsvortrag / Opening Lecture

Isabell Lorey (Cologne):
Prekarisierung, Sorge und queere Schulden – Wie wir Demokratie neu denken können / Precarization, Care, and Queer Debt – How to Rethink Democracy
(deutsch / simultaneous interpretation to english)

Drinks and Communal Dinner
 

Friday, 23.05.2025

10 am–12:30 pm

Welcome and Introduction
Susanne Huber (Bremen)

PROPERTY: Corporeal Charge and Embodied Unownership
Moderator: Susanne Huber

Felix Krämer (Erfurt):
Debt’s Debt: A Body History of Inequality after the End of Slavery to the Present in the United States

Luce deLire (Berlin):
The Birth of Debt from the Nature of Value – and a trans lesbian response

Too Big To Fail, Too Small To Notice
Performance by Toon Fibbe (Rotterdam)

Lunch break

1:30 pm–3:30 pm

VALUE: Ecologies in Measure and Scale
Moderator: Friederike Nastold

Vasna Ramasar (Lund):
The Past is in Front of You: Thinking Climate Justice through Debt

Fritz-Julius Grafe (Zurich):
Urban Visions of Global Climate Finance: Indian cities and the making of Groy

Coffee break

3:45 pm–5:45 pm

INTEREST: Infrastructures of Expansion
Moderator: Daniel Berndt

Ibrahim Kombarji (New York/Beirut):
Slicing the Cake: On Lebanon's Economy of Exhaustion (digital)

Bassam El Baroni (Espoo):
Strange Progress: Financial Temporality and the Problem of Indifference

Break

6 pm–8 pm

ACTIVISM: Connectivity and Collectivity
Moderator: Annette Hans

Lucía Cavallero (Buenos Aires):
Transfeminist Struggles against Financial Authoritarianism (digital)

Christoph Sorg (Berlin):
"You are not a loan" – The history and present of debt abolitionist movements


Die Veranstaltung wird gefördert durch die Manfred und Ursuala Fluß-Stiftung, Zentrale Forschungsförderung der Universität Bremen, und die Deutsche Forschungsgemeinschaft (DFG).

The impact of debt on bodies, organisms, relationships and affects, as well as on environments and infrastructures, is often obscured by financial abstractions and moral charge. The group exhibition and symposium shift the perspective, asking how these liabilities materialize in histories, memories, identities, and space and constantly transfigure.

The renewed prevalence of debt in political discourse accounts to significant shifts in global power dynamics and environmental conditions, while regimes of compulsory growth claim borrowed funds as a prerequisite for sustained production in postindustrial societies. This indicates an extension, if not an escalation, of the analogy between artistic practice and a financialized present outlined by Marina Vishmidt and others in the notion of speculation. Yet once the stakes are exhausted, it goes into debt.

Following Leigh Claire LaBerge’s proposition that there is “no more abstraction,” the symposium consequently explores the social and cultural productivity of debt. "Bodies," "Ecologies," and "Infrastructures" provides instances for situated analyses of how property, value, and interest as structures of both debt and art since the becoming of modernity unfold in a speculative contemporary. Instead of explanatory containment, the aim is to contribute to an extended understanding of debt as a formative framework of computational actualities.

The event is funded by the Manfred und Ursuala Fluß-Stiftung, Zentrale Forschungsförderung der Universität Bremen, and the German Research Foundation (DFG).


For further information please follow this link.

Gestaltung Plakat / Graphic Design: Franzi Bauer

Audiovisuelle Fantasien voller unheimlicher Geschichten und melancholischer Szenarien zeugen von einer Erschöpfung und Verweigerung angesichts der Leistungsgesellschaft, von der Leere hinter den Glücksversprechen der Konsumwelt und dem Gefühl von Unsicherheit aufgrund verloren gegangener Gewissheiten.

Das Programm ist Begleitveranstaltung zur Ausstellung  FORT. FANTASY ISLAND im Museum Weserburg, Bremen.
Mi. 02.04.2025, 20:00 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

   | Schorsch Kamerun | Das eigensinnige Kind | 2022 | 4:51
   | Roz Mortimer | Safety Tips For Kids | 2003 | 5:06
   | Ulu Braun | St. Mickeyland | 2023| 12:54
   | Susann Maria Hempel | Die Hüter des Unrats | 2022 | 11:00
   | FORT | The Calling | 2014 | 11:13
   | Clemens von Wedemeyer | Occupation | 2002 | 8:00
   | Johan Grimonprez | … because superglue is forever! | 2011 | 12:21
   | Timo Schierhorn, UWE | Auch im Bentley wird geweint | 2023 | 3:15

30. Januar 2025, 18.00 Uhr
Anverwandlungen an das Tier. Zum mimetischen Verhältnis von Natur und Mensch im Kindheitsfilm 
Bettina Henzler (Filmwissenschaftlerin, Köln) 

Der Zoom-Link zu den Veranstaltungen wird zeitnah auf der Homepage 
http://www.mariann-steegmann-institut.de
bekannt gegeben. 

SALON TIER
Eine Online-Veranstaltungsreihe kuratiert von Silke Förschler, Christiane Keim und Astrid Silvia Schönhagen im Rahmen des Projekts c/o HABITAT TIER
Tiere sind auf sehr unterschiedliche Art und Weise Teil unserer häuslichen Umgebung. So werden ihnen in menschlichen Domizilen eigene Wohnstätten eingerichtet, als sog. Ungeziefer hingegen gelten sie als ungebetene Gäste in den menscheneigenen vier Wänden. Tierliche Materialien wie Felle und Häute wiederum dienen der wohnlichen Ausgestaltung von Innenräumen. Tiere entwickeln aber auch selbst Strategien des Sich- Einrichtens in unterschiedlichen Territorien und Habitaten – ob in unmittelbarer Nähe des Menschen oder in Distanz zu diesem. Im gemeinsam oder getrennt bewohnten Lebensraum zeigt sich somit eine Vielfalt an Mensch-Tier-Relationen, die teilweise im Widerspruch zueinander stehen, teilweise erstaunen und erheitern.
In der Tradition der Salons des 18. und 19. Jahrhunderts laden wir im Rahmen unserer Lecture Series SALON TIER dazu ein, mit unseren Gästen über verschiedene Ausprägungen menschlichen und tierlichen Zusammenlebens und -wohnens zu diskutieren. Anliegen ist es, das Konzept der Kohabitation von Mensch und Tier neu zu denken.

SALON TIER ist eine Veranstaltungsreihe des Forschungsfelds wohnen+/-ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. 

Anne Glassner (Wien) 

Anne Glassner beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Praxis, die Performances, Videos, Installationen und Zeichnungen umfasst, mit wiederkehrenden und alltäglichen Handlungen. Das Thema Schlaf ist seit geraumer Zeit ein Schwerpunkt ihrer künstlerischen Arbeit, dem sie u.a. in Schlafperformances und inszenierter Fotografie nachgeht. Befragt werden die Bedingungen von Aktivität und Inaktivität und von Produktivität und Unproduktivität sowie die Grenzziehungen zwischen Privatem und Öffentlichem. Glassners Arbeiten sind nicht nur Momentaufnahmen, sondern Archive der Vergänglichkeit, die in den Betrachter*innen eigene Erinnerungen und Träume wecken sollen. Durch ihre Inszenierungen lenkt die Künstlerin den Blick auf die uns umgebende Welt und eröffnet neue Perspektiven. Die Frage nach Selbst- und Fremdwahrnehmung steht dabei im Zentrum.
In ihrem Vortrag gibt Anne Glassner Einblicke in Projekte, die sich mit den Themen Körper, Schlaf und Raum befassen. Ein Fokus wird auf die kollektive Intervention Sensing the Night in der Villa Tugendhat in Brno 2021 gerichtet wie auf ihren Arbeitsprozess im VALIE EXPORT CENTER 2023 in Linz. 

Der Vortrag gehört zum Programm des Forschungsfeldes wohnen+/–ausstellen
in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Kathrin Heinz). 

Veranstaltet wird die Kuvert-Reihe von der Forschungsgruppe wohnen +/– ausstellen
und dem Forschungskolloquium für Kunstwissenschaft und Visuelle Kultur Bild – Raum – Subjekt.

Weitere Informationen: http://www.mariann-steegmann-institut.de

Di. 19.11.2024, 20:00 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

   | Tony Hill | Twirl | 2021 | 1:12
   | Maki Satake: | Walk | 2013-2015 | 8:23
   | Joyce Wieland | Solidarity | 1973 | 10:40 | 16mm
   | Milena Gierke | Aidswalk | 1995 | 6:00    
   | Tony Hill | North Cross | 2008 | 5:43
   | Carola Dertnig | Strangers | 2004 | 4:00
   | Mark Street | Sweep | 1997 | 7:00 | 16mm
   | Miles McKane | Miss Daisy’s Jardin Walk | 2006 | 3:10
   | Broerson & Lukács | All, or Nothing at All | 2020 | 8:00
   | Tony Hill | Holding the viewer | 1993 | 1:25

Charlotte Matter, Zürich
Abgrenzung und Verbundenheit. Queer-feministische Räume der Kunst 
In den 1970er Jahren gründeten zahlreiche feministische Kollektive separatistische Räume als Antwort auf männlich dominierte und heteronormative Institutionen. Der Vortrag blickt zurück auf Projekte wie die A.I.R. Gallery in New York, das Woman’s Building in Los Angeles, das Lesbian Art Project und die Great American Lesbian Art Show. Er diskutiert die Grenzen solcher Projekte, die bisweilen neue Dominanzverhältnisse und Ausschlüsse aus einer weißen und essenzialistischen Position heraus reproduzierten. Zugleich lädt er auch ein, die Möglichkeit queer-feministischer Verbundenheit durch Abgrenzung für die Gegenwart zu erkennen. Mit Sara Ahmed (2004) denkend, zieht der Vortrag in Betracht, was es bedeutet, sich in Räumen wohl oder unwohl zu fühlen, und erkundet die anhaltende Relevanz separatistischer Räume. 

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Buchpräsentation und Gespräch
19. Januar 2025, 17 Uhr 
Kulturzentrum Kukoon, Buntentorsteinweg 29,
28201 Bremen 

Küchen/Politiken – Wohnen als politischer Schauplatz 
Gespräch anlässlich der Buchpräsentation 

Rosanna Umbach: Un/Gewohnte Beziehungsweisen. Visuelle Politiken des Familialen in der Zeitschrift »Schöner Wohnen«, 1960–1979, transcript Verlag 2025, Schriftenreihe wohnen+/-ausstellen, Band 11 

Darja Klingenberg, Frankfurt/Oder
Rosanna Umbach, Bremen
im Gespräch mit Jorun Jensen, Frankfurt/Main 
„Die Umgestaltung der Gesellschaft erfordert auch einen radikalen Umbau der Küchen“, heißt es im Sammelband Die Neuordnung der Küchen des Herausgeber*innenkollektivs kitchenpolitics. Das Buch sucht eine neue Auseinandersetzung mit un/verwirklichten Wohnutopien materialistisch feministischer, sozialistischer und bewegungs- linker Kontexte in den 1920er, 1960er und 1980er Jahren. Auch die westdeutsche Zeitschrift Schöner Wohnen verhandelt in der Zeit sozialen Wandels von 1960 bis 1979 die Küche als Ort der Emanzipation, ohne dabei gewohnte Geschlechterdifferenzen aufzulösen. Rosanna Umbach analysiert die ambivalenten Gleichzeitigkeiten im Zeitschriftendisplay zwischen Weckgläsern und Widerstand.

Darja Klingenberg, Mitherausgeberin der Neuordnung der Küchen, und Rosanna Umbach diskutieren die gesellschaftlichen Grundrisse von Küchenarchitekturen und das Wohnen als politischen Schauplatz. Und fragen nach der Geschichte und dem Einfluss queer-feministischer Interventionen ins ,Private‘. Denn die Frage „Wie wollen wir wohnen, arbeiten, trösten, kochen, abwaschen und lieben?“ des Kollektivs kitchenpolitics bleibt aktuell, kontrovers und dringlich. 

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Auch Ausstellen ist eine Konstellation sozialer und kultureller Narrative, die im Akt des Zeigens Wissen und Vorstellungen produziert. Im Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen wird das Prinzip des Einrichtens und Ausstellens in verschiedenen bildlichen und räumlichen Formaten des Zu-Sehen-Gebens untersucht.
Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Kathrin Heinz). 

Informationen:

http://www.mariann-steegmann-institut.de

Der Zoom-Link wird zeitnah bekanntgegeben unter:

http://www.mariann-steegmann-institut.de

http://www.uni-bremen.de/kunst

Der Eintritt ist frei

Emphasizing the deep connections between these sociopolitical struggles and environmental degradation, pioneering figures in ecosexual art and activism Annie Sprinkle and Beth Stephens offer a radical framework for rethinking these challenges and a more intimate, sensual relationship with the Earth. Their collaborative work spans decades, challenging conventional boundaries between love, sexuality, art, and environmentalism through performance, film, and public interventions.

The conversation will explore how eroticism and sexuality induce ecological consciousness and drive environmental action, and how love and desire can be powerful tools for reconnecting with nature and combating environmental destruction. Discussing early approaches as well as most current projects, this hybrid talk seeks to uncover the provocative potential of viewing environmental art and activism through an erotic lens, sparking new possibilities for transformative change.

Date: 09. November 2024

Time: 17:00 / 5:00 pm CET

Location: GW2 B3850, University of Bremen

The event is organized in collaboration with the Initiative Environmental Humanities at the University of Bremen.

Datum: Donnerstag, 10.10.2024
Uhrzeit: 14:00 Uhr bis 16:00 Uhr
Raum: FVG, Raum M1080

Emphasizing the deep connections between these sociopolitical struggles and environmental degradation, pioneering figures in ecosexual art and activism Annie Sprinkle and Beth Stephens offer a radical framework for rethinking these challenges and a more intimate, sensual relationship with the Earth. Their collaborative work spans decades, challenging conventional boundaries between love, sexuality, art, and environmentalism through performance, film, and public interventions.

The conversation will explore how eroticism and sexuality induce ecological consciousness and drive environmental action, and how love and desire can be powerful tools for reconnecting with nature and combating environmental destruction. Discussing early approaches as well as most current projects, this hybrid talk seeks to uncover the provocative potential of viewing environmental art and activism through an erotic lens, sparking new possibilities for transformative change.

Date: 09. November 2024

Time: 17:00 / 5:00 pm CET

Location: GW2 B3850, University of Bremen

The event is organized in collaboration with the Initiative Environmental Humanities at the University of Bremen.

Das Programm ist Begleitveranstaltung zur Ausstellung  Utopia Now im Museum Weserburg, Bremen.
Mi. 25.09.2024, 20:00 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

   | Yael Bartana | Trembling Time | 2001 | 6:28
   | John Smith | Twice | 2020 | 2:32 
   | Yael Bartana | Odds and Ends | 2005| 4:10 
   | Bjørn Melhus | America Sells | 1990 | 7:00 
   | Yael Bartana | The Undertaker | 2019 | 12:45
   | Laure Prouvost | Every Sunday Grandma | 2022 | 7:17
   | Yael Bartana | You Could Be Lucky | 2004 | 7:34
   | Yael Bartana | Kings of the Hill | 2003 | 7:45
   | Anna Spanlang | KLITCLIQUE – Auto | 2019 | 4:00 

Gründerzeitmuseum Mahlsdorf

Das 1960 eröffnete Gründerzeitmuseum ist das Lebenswerk Charlotte von Mahlsdorfs. Über Jahrzehnte hat die einstige Bewohner*in gründerzeitliche Möbel und Alltagsgegenstände zusammengetragen und in selbst eingerichteten Räumen präsentiert. Ihre Vorliebe für die Epoche zwischen 1870 und 1900 sowie ihre extensive Sammelleidenschaft verschränkten sich dabei zu einer beeindruckenden musealen Inszenierung gründer- zeitlichen Wohnens. Zugleich wurde das ehemalige Gutshaus in den 1970er Jahren zu einem Treffpunkt für Lesben und Schwule in der DDR. Heute steht das Gründerzeitmuseum für das Werden eines biografisch geprägten Ausstellungsortes, an dem sich persönliche Erinnerung und Erinnerungsarbeit, politische Geschichte und historisches „Wohnwissen“ (Irene Nierhaus) verknüpfen.
Das Symposium rückt das Gründerzeitmuseum als Beispiel eines Sammler*innen-Museums in den Fokus und kontextualisiert es mit weiteren Formen musealisierten Wohnens. Sammeln, Ausstellen und Archivieren als widerständige, teils nonkonforme Alltagspraktiken werden in diesem Zusammenhang ebenso untersucht wie mögliche Wohnerzählungen, die von den Bewoh- ner*innen solcher Orte entworfen werden. Zugleich wird gefragt, welche Herausforderungen und Perspektiven diese Orte für eine kunst- und kulturwissenschaftliche Wohnraumforschung eröffnen.

Programm
Do, 11. Juli
ab 14.00 Uhr Anreise

14.30–15.45 Uhr
Begrüßung
Monika Schulz-Pusch
(Gründerzeitmuseum Mahlsdorf)

Einführung
Kerstin Brandes, Kathrin Heinz, Astrid Silvia Schönhagen (Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen, Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender)

15.45–17.00 Uhr
Führung durch das Gründerzeitmuseum Mahlsdorf
Monika Schulz-Pusch

17.00–17.30 Uhr Pause

17.30–19.30 Uhr
Dokumentarfilm
„Sonntagskind. Erinnerung an Charlotte von Mahlsdorf“,
D 2018, 108 min,
Regie: Carmen Bärwaldt

Fr, 12. Juli
10.00–10.45 Uhr Möbelbezug: Sammeln und Aussagepolitiken
Irene Nierhaus (Wien/Bremen)
 

10.45–11.30 Uhr
Bauernzimmer mit Vitrine oder das geteilte Haus.
Wohnwelten eines Wiener volkskundlichen Akteurs
Birgit Johler (Graz)

11.30–11.45 Uhr Pause

11.45–12.30 Uhr
Lebenswelten einer Sammlerin. Dr. Irmgard von Lemmers-Danforth und ihre Sammlung „Europäische Wohnkultur der Renaissance und des Barock“ in Wetzlar
Anja Eichler (Wetzlar)

12.30– 13.30 Uhr Mittagspause

13.30–14.15 Uhr
Wohnort queerer Geschichte(n). Einblicke in die Sammlungs- und Ausstellungspraxis im Forum Queeres Archiv München
Stefan Gruhne (München)

14.15–15.00 Uhr
Bürgerlichkeit als Kink: Queere Häuslichkeit in Rosa von Praunheims
„Ich bin meine eigene Frau“ (1992)
Susanne Huber (Bremen)

15.00 – 15.15 Uhr Pause

15.15– 16.15 Uhr
Abschließende Diskussion zur Perspektivenentwicklung
 

Das Symposium ist eine Kooperation des Gründerzeitmuseums Mahlsdorf mit dem Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen, Institut für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik / Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender an der Universität Bremen
www.mariann-steegmann-institut.de
Konzept: Kerstin Brandes, Kathrin Heinz, Astrid Silvia Schönhagen
Veranstaltungsort: Gründerzeitmuseum Mahlsdorf Hultschiner Damm 333, 12623 Berlin
www.gruenderzeitmuseum-mahlsdorf.de

Symposium of the Research Association Artists’ Publications

June 28-29, 2024: Centre for Artists’ Publications at the Weserburg Museum für moderne Kunst, Bremen

On the occasion of the 25^th anniversary of the Research Association Artists’ Publications and the Centre for Artists’ Publications at Weserburg Museum für moderne Kunst in Bremen, early career researchers have been invited to present their current work on artistic publishing with the goal of reinforcing the international network of researchers dedicated to this artistic format. Contributors will focus on artists’ publications from a variety of countries and academic perspectives, with particular emphasis on the work of female artists.  

Artists’ publications – such as books, flyers, magazines, multiples, posters, radio art and records – have always been associated with alternative forms of production, often with an inherent critical potential. This is evidenced by the many contributions to the symposium that concern the subversive power and resilience of these mostly small artworks: participative and collaborative formats which, in most cases, are diffused independently of established institutions.

In the context of Mail Art, for example, artists used the postal system as a basis for building up a network for their artistic communication. For many artists living in totalitarian systems, Mail Art was a way of establishing contacts worldwide through the exchange of their artworks. They used all media that could be sent by post for their artistic correspondence. These distributed artworks represent new forms of aesthetic expression and networking and thus challenge the traditional channels and formats for the production and reception of art.

By addressing diverse publics in unconventional ways, artists’ publications reflect upon common modes of perception as well as dominant mechanisms within the art market. It is on the experimental field that the artists (in)voluntarily focus, thus positioning themselves in relation to the established art system: it is the “Dropping Out”, the “Thinking” and the “Writing beyond Sense” which becomes a “Revolutionary Act”. Their artistic response to an androcentric system in general or to a totalitarian regime in particular becomes a question of power.

The symposium aims to reflect on the open forms and aesthetics of artistic publishing, focusing on specific aspects of the working process and distribution strategies of individual and collaborative art production. Which media, materiality and format are chosen and for what reasons? What is the role played by the possible active recipient and how do notes, postcards, books, magazines or catalogs constitute social and/or political relevance? Concentrating on works from the “peripheral” zone of art history indicates the many research gaps, while simultaneously revealing the potential for further investigation. 

PROGRAMME

Friday, June 28^th, 2024

2 pm Welcome

Janneke de Vries (Weserburg Museum für moderne Kunst, Bremen)

Anne Thurmann-Jajes (Centre for Artists’ Publications, Bremen)

2.15 pm Opening Remarks

Kathrin Barutzki (Research Association Artists’ Publications, Bremen) and Franziska Rauh (University of Bremen): Artists’ Publications – A Critical Approach?

2.30 pm Presentation & Discussion

Anne-Grit Becker (Universität Siegen): Things to be Continued: Participation in the Artists’ Magazine Signals Newsbulletin

3.30 pm Presentation & Discussion

Marie Egger (FU Berlin/Universität Potsdam): Books about Important Matters? Tomasz Schulz’s COOP-Books (1979/80) in the Context of Mail Art

4.30 pm Coffee

5 pm Presentation & Discussion

Corinna Kühn (Universität Münster): “Never stop searching into the unexplored origin of Human Nature” (Wolf-Rehfeldt, 1973). Ewa Partum, Ruth Wolf-Rehfeldt and Katalin Ladik in the Mail Art Network

6 pm Presentation & Discussion

Sandra Križić Roban (Institute of Art History, Zagreb): Double, Invisible, Handmade, Experimental – Artists’ Books and Magazines from the Former Yugoslavia

Saturday, June 29^th, 2024

9.45 am Introduction

10 am Presentation

Frida Sandström (University of Copenhagen): Dropping Out: Carla Lonzi’s and Lee Lozano’s Withdrawal from Art as Identity

10.30 am Presentation

Mela Dávila Freire (HFBK Hamburg): Thinking is a Revolutionary Act: Artists’ Publications by Marie Orensanz

11 am Talk

Francesca Valentini (ESA le75, Brussels): “Negotiating the Canon?” Responding to Frida Sandström and Mela Dávila Freire

12 pm Lunch

1.30 pm Presentation & Discussion

Regine Ehleiter (FU Berlin): Writing beyond Sense: Mirtha Dermisache’s Artist’s Publications of the 1960s and 70s

2.30 pm Presentation & Discussion

Ludmila Britto (Federal University of Bahia): Paulo Bruscky, Artist’s Books and Publications in Latin America: Some Considerations

3.30 pm Coffee

4 pm Presentation & Discussion

Marie van Bömmel (HU Berlin): Women Artists Publishing Women Artists: The Catalog Künstlerinnen international 1877–1977 as an Artists’ Book

5 pm Closing Remarks

Conception and Organisation: Kathrin Barutzki (Research Association Artists’ Publications, Bremen) and Franziska Rauh (University of Bremen), Moderation: Amelie Ochs (Mariann Steegmann Institute. Art & Gender, Bremen), Coordination: Lia Brinkmann (Research Association Artists’ Publications, Bremen)

Please register at the following e-mail address until June 26^th, 2024: brinkmann@kuenstlerpublikationen.de

Venue:
Weserburg Museum für moderne Kunst
Hans-Otte-Klang-Haus, 4 ½th floor (wheelchair accessible)
Teerhof 20, 28199 Bremen
Germany
weserburg.de/en/centre-for-artists-publications/research/

A project by the Research Association Artists’ Publications in cooperation with the Centre for Artists’ Publications at the Weserburg Museum für moderne Kunst, the IKFK. Institute for Art History – Film Studies – Art Education and the Mariann Steegmann Institute. Art & Gender at the University of Bremen.

The Research Association Artists’ Publications is funded by the University of Bremen, University of Arts, Research Centre for East European Studies at the University of Bremen, Weserburg Museum für moderne Kunst with the Centre for Artists’ Publications.

Wer stellt was raus? Wer nimmt es mit? Was lassen wir stehen? Was ist der Lauf der Dinge? Was gilt als schmutzig? Was ist Müll und für wen? Wer sortiert was ein? Welche Geschichten erzählen die Gegenstände?

Die Zu-Verschenken-Kiste ist ein fester Bestandteil des Bremer Stadtbildes. In ihr befinden sich Kleidung, Tassen, Teller, Spielzeug, Bücher und alles, was mal benutzt und dann nicht mehr gebraucht wurde. Statt im Müll zu landen, können die Dinge so neue Besitzer*innen bekommen. Was als wertvoll/nutzlos und als rein/unrein beurteilt wird, ist kulturell bedingt (Mary Douglas). Die Auf- und Abwertung von Dingen findet ununterbrochen statt und trägt mit zur Aufrechterhaltung der gesellschaftlichen Ordnung bei.  

In den in der Ausstellung gezeigten Projektarbeiten nähern sich die Studierenden des Masterstudiengangs Kunstwissenschaft und Filmwissenschaft mit unterschiedlichen künstlerisch-forschenden Herangehensweisen dem Umgang mit den Dingen an. Dem Vorschlag einer "Schmutzigen Theorie" (Hélène Frichot) folgend verstehen sich die Studierenden als Sammler*innen von aussortierten Dingen. Dabei eröffnet gerade der Blick auf das Weggeworfene, Überflüssige, Dreckige die Möglichkeit, sich kritisch mit gesellschaftlichen Strukturen und Normierungen auseinanderzusetzen.   

Die Ausstellung ist im Rahmen des Seminars Ästhetiken des Un/Reinen im Wohnen. Von den Dingen, die übrigbleiben, entsorgt und verworfen werden unter Leitung von Dr. Kathrin Heinz entstanden. 

Beteiligte:
Fynn Assent, Júlia Balla, Anna Blahaut, Lia Brinkmann, Laurin Cordes, Annika Erhard, Lisa Gronau, Jakob Reeg, Anna Schubert, Pauline Schweser, Ayse Tekin, Friederike von Westernhagen, Alana Wilhelm, Tanja Zafronskaia

PROGRAMM

21. JUNI, 18 UHR
ERÖFFNUNG UND VORSTELLUNG DER PROJEKTE

22. JUNI, 14-20 UHR
15 UHR RUNDGANG

23. JUNI, 14-20 UHR
15 UHR RUNDGANG

16-18 UHR COLLAGE WORKSHOP (MIT JÚLIA BALLA)
AB 18 UHR SUCHEN DINGE AUS UNSERER KISTE EIN NEUES ZUHAUSE

ORT
Gleishalle, Güterbahnhof Bremen – Areal für Kunst und Kultur
Beim Handelsmuseum 9
28195 Bremen

Mit freundlicher Unterstützung von: Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender, Beirat Mitte, Güterbahnhof Bremen - Areal für Kunst und Kultur

Informationen zu den Vorträgen, Foren und Filmen gibt es in dieser Programmübersicht.

Vortrag
28. Mai 2024, 18 Uhr
Universität Bremen, SFG 2010
Enrique-Schmidt-Str. 7, 28359 Bremen
und via Zoom

Claudia Blümle, Berlin
Geschlossene Räume. Interieurvorhänge in der Kunst

Für die Malerei des 19. Jahrhunderts kann vermehrt beobachtet werden, dass mit der Darstellung eines Vorhangs nicht nur das Zeigen, Öffnen und Präsentieren, sondern auch das Verbergen ins Zentrum der Bilder rückt. Insbesondere in der Interieurmalerei sind die Wandteiler, Türvorhänge oder Fenstervorhänge vielfach zugezogen und geben dadurch keine freie Sicht dahinter frei. So zeigen die Vorhänge einerseits die teils beklemmende Situation geschlossener Wohnräume und betonen anderseits einen Raum, der sich vor und nicht hinter den Vorhängen auftut. Dies hat auch Implikationen für die Bilder selbst, die in diesem Fall weniger eine Durchsicht, sondern vielmehr einen nach vorne hin sich erstreckenden Raum im Sinne eines Milieus hervorbringen. Im Vortrag werden diese Fragen abschließend anhand einer zeitgenössischen Position zur Diskussion gestellt werden. 

+/-

Buchpräsentation und Gespräch
18. Juni 2024, 18 Uhr 
b.zb. Bremer Zentrum für Baukultur
Am Wall 165/167, 28195 Bremen

Drawing Housing Otherwise? Über (digitale) Wohnbildwelten 
Gespräch anlässlich der Buchpräsentation 
Bernadette Krejs: Instagram-Wohnen Architektur als Bild und die Suche nach gegenhegemonialen Wohnbildwelten transcript Verlag 2024, Schriftenreihe wohnen+/-ausstellen, Band 10 

Bernadette Krejs, Wien
Mona Mahall, Berlin/Weimar
Asli Serbest, Berlin/Bremen
im Gespräch mit Rosanna Umbach, Bremen 

Welche Auswirkungen hat die mediale Repräsentation ästhetisierter Wohnbildwelten auf Plattformen wie Instagram auf das Verständnis von Architektur, Raum und Wohnen? Was können gegenhegemoniale Wohnbilder als politisch aktivistische Bilder für das Wohnen leisten? Das Spannungsverhältnis von Bild und Architektur wird anhand der forschenden Raumpraxis von Mona Mahall + Asli Serbest (https://monaasli.net/) und Bernadette Krejs diskutiert. Im Gespräch werden alternative (Bild-)Möglichkeiten für mehr Diversität, Widerstand und Gemeinschaft entworfen – und Impulse für den Umgang mit medial vermittelten Bildern gegeben. 

Die Veranstaltung findet statt in Kooperation
mit dem internationalen Forscher_innennetzwerk [wohn]zeitschriften und mit dem b.zb Bremer Zentrum für Baukultur (www.bzb-bremen.de) 

+/-

Vortrag
25. Juni 2024, 18 Uhr
Universität Bremen, SFG 2010
Enrique-Schmidt-Str. 7, 28359 Bremen
und via Zoom 

Matthias Noell, Berlin
Die armen Möbel. Stumme, sprechende und mehrdeutige Objekte im Interieur der 1920er-Jahre 

Die ein Interieur konstituierenden Dinge und der ihnen zugewiesene Sinn sind spätestens seit den 1920er-Jahren ein konstantes Thema der Wohnliteratur. Stärker als von der Architektur selbst geht vom Interieur ein breiter Diskurs aus, der die Objekte aus Kunst und Design ebenso einschließt wie den Umgang mit ihnen in Literatur und Medien, in Anthropologie oder Soziologie. Die Dinge des Wohnens sind immer in einen instabilen privaten oder einen ebenfalls sich verändernden gesellschaftlichen Diskurs eingespannt. Weder das stumme, noch das mehrdeutige Objekt kann sich der Betrachtung und Auslegung entziehen. Was aber sagen uns die Dinge? Kann heute noch etwas „Menschliches“ in unseren Interieurs gedeihen, oder sind sie mit Walter Benjamin jene „Schlachtfelder, über die der verheerende Ansturm des Warenkapitals siegreich dahingefegt ist“, geblieben? 

+/-

Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Auch Ausstellen ist eine Konstellation sozialer und kultureller Narrative, die im Akt des Zeigens Wissen und Vorstellungen produziert. Im Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen wird das Prinzip des Einrichtens und Ausstellens in verschiedenen bildlichen und räumlichen Formaten des Zu-Sehen- Gebens untersucht. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Kathrin Heinz). 

Informationen:
http://www.mariann-steegmann-institut.de

Die Zoom-Links werden zeitnah bekannt gegeben unter:
http://​www.mariann-steegmann-institut.de
http://www.uni-bremen.de/kunst

Der Eintritt ist frei. 

6. Juni 2024, 18.00 Uhr, Online Vortrag
André Krebber (Kulturwissenschaftler, Kassel)
»My Octopus Teacher«: Vom Lernen anders in der Welt zu sein

4. Juli 2024, 18.00 Uhr, Online Vortrag
Antonia Ulrich (Philosophin, Kunsthistorikerin und Designwissenschaftlerin, Potsdam/Hannover)
Habitatbäume 

Der Zoom-Link zu den Veranstaltungen wird zeitnah auf der Homepage 

http://www.mariann-steegmann-institut.de bekannt gegeben. 

SALON TIER

Eine Online-Veranstaltungsreihe kuratiert von Silke Förschler, Christiane Keim und Astrid Silvia Schönhagen im Rahmen des Projekts c/o HABITAT TIER
Tiere sind auf sehr unterschiedliche Art und Weise Teil unserer häuslichen Umgebung. So werden ihnen in menschlichen Domizilen eigene Wohnstätten eingerichtet, als sog. Ungeziefer hingegen gelten sie als ungebetene Gäste in den menscheneigenen vier Wänden. Tierliche Materialien wie Felle und Häute wiederum dienen der wohnlichen Ausgestaltung von Innenräumen. Tiere entwickeln aber auch selbst Strategien des Sich- Einrichtens in unterschiedlichen Territorien und Habitaten – ob in unmittelbarer Nähe des Menschen oder in Distanz zu diesem. Im gemeinsam oder getrennt bewohnten Lebensraum zeigt sich somit eine Vielfalt an Mensch-Tier-Relationen, die teilweise im Widerspruch zueinander stehen, teilweise erstaunen und erheitern.

In der Tradition der Salons des 18. und 19. Jahrhunderts laden wir im Rahmen unserer Lecture Series SALON TIER dazu ein, mit unseren Gästen über verschiedene Ausprägungen menschlichen und tierlichen Zusammenlebens und -wohnens zu diskutieren. Anliegen ist es, das Konzept der Kohabitation von Mensch und Tier neu zu denken.

SALON TIER ist eine Veranstaltungsreihe
des Forschungsfeldes wohnen+/–ausstellen in der Kooperation des Instituts für
Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender.

Die Filme:
   | Hans Richter | Vormittagsspuk | D 1928 | 7:00
   | John Smith | OM | UK 1986 | 4:00
   | Peter Kubelka | Unsere Afrikareise | A 1966 | 13:00 
   | Matthias Müller | Alpsee | D 1994 | 15:00
   | Mara Mattuschka | Nabelfabel | A 1984 | 3:00 
   | Peter Tscherkassky | Outer Space | A 1999 | 10:00
   | Michael Brynntrup | Liebe, Eifersucht und Rache | D 1991 | 7:00
   | Mary Ellen Bute & Norman MacLaren & Ted Nemeth | Spook Sport | USA 1939 | 7:54

Link zum Flyer

30. Januar 2024, 18 Uhr
Galerie K‘, Alexanderstraße 9b, 28203 Bremen 
„Zwangsräume“ – Antisemitische Wohnpolitik in Berlin 1939–1945
Johanna Kühne (Berlin) 

Ab 1939 musste fast die Hälfte der jüdischen Bevölkerung Berlins ihre Wohnungen verlassen und zwangsweise umziehen. Jüdinnen*Juden wurden als Untermieter*innen in Wohnungen eingewiesen, in denen bereits andere jüdische Mieter*innen lebten. Zumeist waren die Zwangswohnungen der letzte Wohnort vor ihrer Deportation und Ermordung. Das partizipative Projekt „Zwangsräume“ des Aktiven Museums Faschismus und Widerstand in Berlin e.V. hat zu dieser Geschichte der Entmietung und Entrechtung geforscht. Entstanden sind eine Onlineausstellung (zwangsraeume.berlin), die die Forschungsergebnisse dokumentiert, sowie temporäre und dauerhafte Gedenkmodule im Stadtraum. Der Vortrag wird das Projekt vorstellen und auf die Präsentation im (digitalen) Stadtraum eingehen. 

Die Veranstaltung ist eine Kooperation des Mariann Steegmann Instituts. Kunst & Gender mit der Galerie K' und dem b.zb. Bremer Zentrum für Baukultur. 

Die Veranstaltung gehört auch zum Programm des Forschungsfeldes wohnen+/–ausstellen
in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Kathrin Heinz). Veranstaltet wird die Kuvert-Reihe von der Forschungsgruppe wohnen +/– ausstellen und dem Forschungskolloquium für Kunstwissenschaft und Visuelle Kultur Bild – Raum – Subjekt. 

http://mariann-steegmann-institut.de

https://www.uni-bremen.de/kunst

http://www.k-strich.de

https://bzb-bremen.de
 

Das Programm ist Begleitveranstaltung zur Ausstellung »Kay Rosen. NOW AND THEN« im Museum Weserburg, Bremen
Di. 16.01.2024, 20:00 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

   | Stefan Panhans, Andrea Winkler | Anima Overdrive | D 2023 | 4:18
   | Helga Davis & Anouk De Clercq | OK | BE/USA 2021 | 4:53
   | eddie d. | Majesteit | NL 2009 | 2:13 
   | Antonio Muntadas | Media Ecology Ads | USA 1982 | 12:29 
   | John Smith | Associations | UK 1975 | 7:00
   | Shelly Silver | Small Lies, Big Truth | USA 1999 | 18:48
   | Laure Prouvost | OWT | UK 2007 | 3:35 
   | Julian Paul | Maschinenbauergemetzel | D 2022 | 2:58

Technologien der Sorge

Dr. Yvonne Volkart

Gegenwärtig lässt sich ein gesteigertes Interesse für den Einsatz technologischer Spürtechniken als Medien der „Naturvermittlung“ beobachten: Insbesondere Sensortechnologien sollen helfen, nicht-menschliche Existenzweisen, die sich bisher der menschlichen Aufmerksamkeit entzogen haben, wahrnehmbar zu machen. Damit verbunden ist die Hoffnung, dass Messdaten einerseits zur Faktizität unbekannter Umweltphänomene benutzt werden können und dass sie andererseits neue Formen von Sorge für die ‚Umwelt‘ erzeugen. Ich meinte jedoch, dass Formen der Relationalität und Sorge weniger im Einsatz innovativer Technologien zu suchen sind als vielmehr in ästhetischen Erfahrungen der Ko-Existenz mit unseren Mit-Wesen, im Zelebrieren eines ästhetischen Überschusses. Am Beispiel künstlerischer Projekte aus dem Bereich von Kunst und Wissenschaft, die ich in meinem gleichnamigen Buch diskutiere, möchte ich aufzeigen, dass transversale Momente des Sorgens weniger durch Spür-Technologien als vielmehr durch Ästhetiken des Spürens generiert werden.

Dr. Yvonne Volkart

ist Leiterin Forschung und Dozentin für Kunst- und Medientheorie am Institut Kunst, Gender, Natur an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Basel FHNW sowie Dozentin an der Zürcher Hochschule der Künste. Sie leitet das SNF-Forschungsprojekt Plants_Intelligence. Learning like a Plant (2022-25). Ihre Schwerpunkte sind Techno-Öko-Ästhetik und feministische Theorien des Werdens. Ihre Monografie Technologies of Care. From Technologies of Sensing to an Aesthetics of Attention ist im Oktober 2023 bei diaphanes erschienen.

KÜNSTLER*INNENGESPRÄCH
23. November 2023, 19 Uhr
RAUMPRO - Projektraum für Kunst Knochenhauerstraße 41/42, 28195 Bremen 
3 Zimmer, Bühne, Bad 
Marei Dierßen, Anna Bart und Atsushi Mannami (Bremen) 
im Gespräch mit Kathrin Heinz 

Die künstlerischen Positionen von Marei Dierßen, Anna Bart und Atsushi Mannami entwerfen architektonische (Bild-)Räume im Spannungsfeld zwischen Fiktion, Erinnerung, Imagination und Realraum. Gemeinsam transformieren sie den raumPRO in eine begehbare Installation, indem sie erstmals ihre Arbeiten räumlich und inhaltlich in Beziehung zueinander setzen. Dabei greifen sie auf das Prinzip der Collage zurück, zerlegen ihre eigenen bereits existierenden Kunst- werke und kombinieren sie neu miteinander. Grenzziehungen zwischen Innen- und Außenräumlichkeit, Interieur und Stadtraum, Privatheit und Öffentlichkeit werden untersucht, hinterfragt und aufgelöst. Zur Finissage der Ausstellung werden die Künstler*innen über ihre Zusammenarbeit und ihr (Bild-)Raumexperiment sprechen. 

Der raumPRO ist ein experimenteller Projektraum für Kunst in der Bremer Innenstadt. Bis Ende 2023 finden hier kurzweilige Rauminterventionen, Ausstellungen, Vorträge, Performances und Konzerte von und mit professionellen Künstler*innen statt. Der raumPRO wird vom Berufsverband Bildender Künstler*innen Bremen, BBK und
dem Künstlerinnenverband Bremen, GEDOK organisiert und vom Senator für Kultur und von der Senatorin für Wirtschaft, Arbeit und Europa in Bremen gefördert. 

Die Veranstaltung gehört auch zum Programm des Forschungsfeldes wohnen+/–ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Kathrin Heinz). 

Veranstaltet wird die Kuvert-Reihe von der Forschungsgruppe wohnen +/– ausstellen
und dem Forschungskolloquium für Kunstwissenschaft und Visuelle Kultur Bild – Raum – Subjekt.

www.mariann-steegmann-institut.de,

www.uni-bremen.de/kunst,

www.raumpro-bremen.de

Buchpräsentation und Gespräch
19. November 2023/18 Uhr
Weserburg Museum für moderne Kunst, Bibliothek Teerhof 20, 28199 Bremen 

Buchpräsentation mit einer Einführung von Drehli Robnik 
Gewohnte Gewalt. Häusliche Brutalität und heimliche Bedrohung im Spannungskino, hg. von Drehli Robnik, Joachim Schätz Wien: Sonderzahl 2022 

Gespräch
Gabu Heindl, Kassel / Wien
Kathrin Heinz, Bremen
Irene Nierhaus, Wien / Bremen
Drehli Robnik, Wien-Erdberg

Gerade die gewohnte Gewalt dringt nicht „von außen“ ein, sondern wohnt in der Nähe, oft im gemeinsamen Haushalt. Die Filmgeschichte weiß davon: Film-Thriller zeigen vielfach das Heim als Schauplatz einer Gewalt, die von täglichen Nächsten ausgeht. Und die sind meist männlich. Raum-Symptome von Herrschaftsverhältnissen mit Gender-Struktur: Von Hollywoods woman ́s pictures der 1940er bis zum südkoreanischen Welterfolgsfilm Parasite vermitteln domestic thrillers Szenarien der Bedrohung durch männliche Gewalt. Es geht um physische „Ausbrüche“, um Machtansprüche und Verteilungskampf in Sachen Wohnraum – und um manipulatives Gaslighting, wie dies auch in Politik und Gesellschaft wirksam ist. Der Band Gewohnte Gewalt – mit Beiträgen von 50 Autor:innen aus Medien- und Kulturwissenschaft, Aktivismus und Soziologie – untersucht, kritisiert, denkt weiter, wie Spielfilme häusliche Verhältnisse in Spannung versetzen.

 
Vortrag
13. Dezember 2023/18 Uhr 
Olbers-Saal, Haus der Wissenschaft Sandstraße 4/5, 28195 Bremen
und via Zoom

Friederike Sigler, Bochum 
Kochen, Putzen, Sorgen. Care-Arbeit in der Kunst seit 1960 

Seit den 1960er Jahren beschäftigen sich Künstlerinnen aus vielen Teilen der Welt kritisch mit Care-Arbeit. Neben zahlreichen Parallelen zeigen sich auch Unterschiede, zu denen sowohl die künstlerischen Medien und Praktiken als auch die politischen Konzepte von Arbeit und Geschlecht zählen, auf die sich die Künstlerinnen beziehen und innerhalb derer ihre Positionen zu verorten sind. Anhand einer Auswahl von Werken, die Gegenstand der Ausstellung ‚Kochen Putzen Sorgen. Care- Arbeit in der Kunst seit 1960‘ (Josef Albers Museum Quadrat Bottrop, 22.10.2023–3.03.2024) sind, wird der Vortrag diese Parallelen und Unterschiede vorstellen und dabei die Frage nach einer geopolitisch differenzierten kunsthistorischen Methode diskutieren. 

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle AnOrdnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. (Leitung: Kathrin Heinz)

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Informationen:
http://www.mariann-steegmann-institut.de

Die Zoom-Links werden zeitnah bekannt gegeben unter:
http://​www.mariann-steegmann-institut.de
http://www.uni-bremen.de/kunst

Der Eintritt ist frei. 

7. Dezember 2023, 18.00 Uhr, Online Vortrag
Anne Hölck (Szenografin, Berlin)
Multispecies Sceno- graphies – L’Hippopotame 

1. Februar 2024, 18.00 Uhr, Online Vortrag
Bettina Henzler (Filmwissenschaftlerin, Berlin/Bremen) 
Anverwandlungen an das Tier. Zum mimetischen Verhältnis von Natur und Mensch im Kindheitsfilm 

Der Zoom-Link zu den Veranstaltungen wird zeitnah auf der Homepage 

http://www.mariann-steegmann-institut.de bekannt gegeben. 

SALON TIER

Eine Online-Veranstaltungsreihe kuratiert von Silke Förschler, Christiane Keim und Astrid Silvia Schönhagen im Rahmen des Projekts c/o HABITAT TIER
Tiere sind auf sehr unterschiedliche Art und Weise Teil unserer häuslichen Umgebung. So werden ihnen in menschlichen Domizilen eigene Wohnstätten eingerichtet, als sog. Ungeziefer hingegen gelten sie als ungebetene Gäste in den menscheneigenen vier Wänden. Tierliche Materialien wie Felle und Häute wiederum dienen der wohnlichen Ausgestaltung von Innenräumen. Tiere entwickeln aber auch selbst Strategien des Sich- Einrichtens in unterschiedlichen Territorien und Habitaten – ob in unmittelbarer Nähe des Menschen oder in Distanz zu diesem. Im gemeinsam oder getrennt bewohnten Lebensraum zeigt sich somit eine Vielfalt an Mensch-Tier-Relationen, die teilweise im Widerspruch zueinander stehen, teilweise erstaunen und erheitern.

In der Tradition der Salons des 18. und 19. Jahrhunderts laden wir im Rahmen unserer Lecture Series SALON TIER dazu ein, mit unseren Gästen über verschiedene Ausprägungen menschlichen und tierlichen Zusammenlebens und -wohnens zu diskutieren. Anliegen ist es, das Konzept der Kohabitation von Mensch und Tier neu zu denken.

SALON TIER ist eine Veranstaltungsreihe
des Forschungsfeldes wohnen+/–ausstellen in der Kooperation des Instituts für
Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender.

Eine Veranstaltung des Berufsverbands Bildender Künstler*innen Bremen (BBK) anlässlich der Ausstellung Resonanz. Interventionen in die Sammlung in der Kunsthalle Bremen. 
Mit Unterstützung der Sparkasse Bremen.

Mi. 27.09.2023, 20:00 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

  | Kay Walkowiak | Minimal Vandalism | A 2013 | 4:00
  | Mona Keil | Saft | D 2022 | 4:50 
  | Johan Grimonprez | Raymond Tallis | on tickling | BE 2017 | 7:53
  | Hollis Frampton & Joyce Wieland | A & B in Ontario | USA 1984 | 16:05
  | Kevin B. Lee: Once Upon a Screen | Explosive Paradox | D/USA 2020 | 9:31
  | Arno Coenen & Rodger Werkhoven | Let’s be friends | NL 2022 | 5:26

Das von Studierenden des Instituts für Kunstwissenschaft-Filmwissenschaft-Kunstpädagogik organisierte „Reisende Freiluftkino“ findet vom 18. August bis 2. September 2023 statt.

Das dritte Jahr in Folge zeigen die Aktiven der studentischen Forschungsgruppe „Filmvermittlung in öffentlichen Räumen“ ein kuratiertes Programm aus Dokumentar- und Spielfilmen.

An sechs Abenden immer freitags und samstags finden die Screenings umsonst und draußen jeweils auf einem anderen öffentlichen Platz in Bremen-Gröpelingen statt.

Eva Knopf (Dozentin für Film und Fotografie am IKFK) bildet zusammen mit drei weiteren Filmschaffenden aus Bremen die Jury für die erstmals zu vergebenden Festivalpreise i.H.v. 3.000 Euro.

Alle Trailer sowie das komplette Kurzfilmprogramm sind online veröffentlicht unter:

https://reisendesfreiluftkino.de

Freitag, 18. August, 20 Uhr, vor dem Quartierstreff Rostocker Straße

ASTEROID

IR 2022, 87 Minuten, R: Mehdi Hoseinivand Aalipour, farsi, deutsche Synchronfassung

Was macht ein 12-jähriger Junge in Iran? Dieser Spielfilm zeigt Ausschnitte aus Ebrahims Leben, seine täglichen Herausforderungen und Abenteuer. Er lebt mit seiner Mutter und fünf Geschwistern in einer Zweizimmerhütte mitten in der Wüste, weit weg vom Dorf.

Vor Ort bieten das Mobile Atelier und MoKIMedia kostenlose, kunstpädagogische Angebote für Kinder. Die Bücherhelden und der WaBeQ Quartierstreff präsentieren ihre Videotrailer, die im Sommerferienprogramm gedreht wurden.

https://reisendesfreiluftkino.de/quartierstreff-rostocker-strasse-2023

Samstag, 19. August, 20 Uhr, Bürgermeister-Ehlers-Platz, am Pastorenweg

VON WURZELN, GÄRTNERN UND ANDEREN FRÜCHTEN

DE 2022, 70 Minuten, R: Sebastian Eschenbach, deutsch/englisch, deutsche UT

Welche Traditionen bewahrt ein Garten? Und auf welche verschiedenen Weisen kann er kulturell bewirtschaftet werden? Dieser Dokumentarfilm begleitet zugezogene Menschen in ihren Gärten, erzählt Geschichten und gibt Raum zuzuhören, hinzusehen und Fragen zu stellen.

Im Anschluss findet in Kooperation mit dem Biodiverse Cities Projekt und dem Institut für Ethnologie und Kulturwissenschaften der Uni Bremen ein Publikumsgespräch mit dem Filmemacher Sebastian Eschenbach statt.

reisendesfreiluftkino.de/buergermeister-ehlers-platz-2023

Freitag, 25. August, 20 Uhr, Regine-Hildebrandt-Platz, an der Oslebshauser Landstr.

MORGEN IRGENDWO AM MEER

DE 2023, 80 Minuten, R: Patrick Büchting, deutsch, englische UT

Welche offenen Fragen bleiben, wenn die Schule endet? Vier von Grund auf unterschiedliche junge Erwachsene wollen auf einem Roadtrip durch halb Europa nicht nur sich selbst und das eigene Leben, sondern auch die ganz große Freiheit finden.

Das Team der Schnackbar grillt, bietet eine bunte Getränkevielfalt & präsentiert ab  19 Uhr Live-Musik von Mike Meinert. Das Spielhaus Wohlers Eichen von Kita Bremen zeigt Fotos und einen Kurzfilm der „Wohlers Eichen Kids“.

reisendesfreiluftkino.de/regine-hildebrandt-platz-2023

Samstag, 26. August, 20 Uhr, Quartiersbildungszentrum, Morgenlandstr. 43

BILDUNGSGANG

DE 2023, 96 Minuten, R: Simon Marian Hoffmann, deutsch

Wie können wir „Bildung neu denken“? Dieser Dokumentarfilm gibt ganz persönliche Einblicke in die 2017 von Schüler:innen gegründete Gruppe „Bildungsgang“ und zeigt die Aktiven bei ihren Workshops, Performances und Großdemonstrationen für einen Systemwechsel und für selbstbestimmtes Lernen.

Die Aktiven des Jugendforum Gröpelingen feiern die Leinwand-Premiere ihres Kurzfilms BOND (DE 2023, 30 Min., R: Anna Witt, deutsch) und laden nach dem Filmprogramm zum Publikumsgespräch über Jugend, Widerstand und Bildung ein

reisendesfreiluftkino.de/quartiersbildungszentrum-morgenland-2023

Freitag, 1. September, 20 Uhr, Atelierhaus Roter Hahn, Gröpelinger Heerstr. 226

Kurzfilme für Kinder, Jugendliche & Erwachsene

9 Kurzfilme, DE/HU/AR/GB/BR/RO, insgesamt 60 Minuten, deutsch/deutsche Synchronisation

Wie können Filme ganz unabhängig von Sprache Geschichten erzählen? Ein buntes Programm aus internationalen Kurzfilmen ohne Dialoge nimmt passend zum Jahresthema „In Der Mitte“ die Welt aus Perspektive der Kinder in den Blick.

Der Animationsfilm BREMER STADTMUSIKANTEN (DE 2023, 2 Min., R: Júlia Balla, ohne Sprache) des Kinder- und Jugendateliers „Roter Hahn“ feiert seine Premiere. Im Anschluss findet ein Publikumsgespräch mit der Regisseurin Júlia Balla statt.

reisendesfreiluftkino.de/atelierhaus-roter-hahn

Samstag, 2. September, 20 Uhr, Gröpelinger Bibliotheksplatz, an der Lindenhofstr.

Der laute Frühling

DE 2022, 62 Minuten, R: Johanna Schellhagen, deutsch

Wie lässt sich der Kampf gegen die Zerstörung des Planeten noch gewinnen? In diesem aktivistischen Dokumentarfilm wird unter anderem mit Hilfe von animierten Sequenzen in die Zukunft geschaut und beschrieben, wie jene tiefgreifenden, gesellschaftlichen Transformation aussehen könnten.

Die Aktiven der Stadtteilgewerkschaft Solidarisch in Gröpelingen laden zur Publikumsdiskussion ein. Im Anschluss findet die feierliche Verleihung der beiden Festivalpreise für den besten Kurzfilm (1.000€) und Langfilm (2.000€) statt.

reisendesfreiluftkino.de/groepelinger-bibliotheksplatz-2023

Die Veranstaltung ist Teil der öffentlichen Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“, die sich mit den künstlerischen und queer-feministischen Strategien und medialen Produktions- und Rezeptionsprozessen  der Pornografie befasst.

Di. 18.07.2023, 18:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

   | Kenneth Anger | Fireworks | USA 1947 | 13:30
   | Michael Brynntrup | All you can eat | D 1993 | 35mm | 5:30
   | Barbara Hammer | Multiple Orgasm | USA 1976 | 16mm | 6:00
   | Carolee Schneeman | Fuses | USA 1964 | sil. | 16mm| 25:00
   | Ashley Hans Scheirl | 1/2 Frösche Ficken Flink| A 1992-96 | 16mm | 18:00

Mit Anna Brandewiede

Es ist eine bekannte Situation: Mit jedem Schritt im Entstehungsprozess einer Hausarbeit, wächst der Stapel an Literatur. Da kann sich schnell ein Berg an Büchern und Artikeln ansammeln, der den Blick auf den Horizont verdeckt.
Digitale Programme zur Literaturverwaltung, wie Citavi, können Abhilfe schaffen. Gemeinsam werden wir uns in diesem kleinen Workshop mit diesem Tool auseinandersetzen.

Einführungsworkshop (VAK: 09-schreiben-02):
01.09. 2023 14:00 bis 16:00 Uhr (Raum GW2 B1580)
Aufbauworkshop (VAK: 09-schreiben-3):
04.09. 2023 14:00 bis 16:00 Uhr (Raum GW2 B1580)

Benötigt werden:
• Ein internetfähiges Tablett oder einen internetfähigen Laptop
• Zugang zum Campusnetz
• Windows Betriebssystem

Mit Bitte um Anmeldung über Stud.IP:
elearning.uni-bremen.de/dispatch.php/search/courses

Kontaktiert gerne jederzeit die studentische Coach:coachfb9@uni-bremen.de
oder die Schreibberatung: FB 9: studienzentrumfb9-petersen@uni-bremen.de

Mit Anna Brandewiede und Jan Niklas Bohlen

(VAK: 09-schreiben-01)
25.07.2023 10:00 bis 14:00 Uhr Raum: GW2 B2900
09.08.2023 10:00 bis 12:00 Uhr per Zoom
29.08.2023 10:00 bis 14:00 Uhr Raum: GW2 B2900

„Wie entwickle ich eine passende Fragestellung?“, „Wie sammele ich meine ersten Gedanken und Ideen?“ und „Wie gliedere ich meine Hausarbeit?“.
Wir wollen gemeinsam die Grundlagen zum Schreiben wissenschaftlicher Texte angehen. Dabei widmen wir uns euren individuellen Anliegen.
In dem Peer-to-Peer Format steht neben formalen und inhaltlichen Aspekten der Austausch untereinander im Fokus. Zusammen beleuchten wir individuelle Schreibprozesse und werden Schreibstrategien austauschen.

Mit Bitte um Anmeldung über Stud.IP:
elearning.uni-bremen.de/dispatch.php/search/courses

Kontaktiert gerne jederzeit die studentischen Coaches:coachfb9@uni-bremen.de
oder die Schreibberatung: FB 9: studienzentrumfb9-petersen@uni-bremen.de
FB 10: seyferth@uni-bremen.de

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Pornographien, insbesondere heterosexuelle Mainstream-Pornographien prägen die kulturelle Ebene sexueller Skripte [1]. Ausgehend von der Analyse einer Live-Sex Chat Performance von Blonde und Rob Rider frage ich in meinem Vortrag: Wie sehen diese kulturellen Skripte aus? Was erzählen sie uns über Sexualität und was verschweigen sie? Worin besteht das subversive Potential der Performance von Blonde und Rob Rider und entfaltet es sich auch? Und zuletzt: Wie kann im Schlachtfeld der Porn Wars ein feministischer Umgang mit Pornographien praktiziert werden?

[1] Die Soziologen und Sexualwissenschaftler William Simon und John H. Gagnon vertraten 1986 in ihrem bahnbrechenden Aufsatz "Sexual Scripts: Permanence and Change" die These, dass Sexualität weniger als ein Ausleben bestimmter Triebe, sondern vielmehr als das Erfüllen beziehungsweise Verkörpern bestimmter nicht angeborener, sondern erlernter sexueller Skripte zu betrachten sei. Sexuelle Skripte finden demnach auf drei Ebenen statt: der kulturellen, der interpersonellen und der intrapsychischen. Sie prägen auf diesen drei Ebenen letztlich die Handlungen, die wir vollziehen, wenn wir Sex haben (vgl. Simon, William/John H. Gagnon, »Sexual Scripts: Permanence and Change«, in: Archives of Sexual Behavior, Jg. 15, H. 2 (1986), S. 97–119).

Der Vortrag beinhaltet explizites Bildmaterial.

Dr. Lea-Sophie Schiel ist Theaterwissenschaftlerin, Performancekünstlerin und Philosophin und lebt in Berlin. In ihrer Arbeit bewegt sie sich an der Schnittstelle von feministischer Theorie und Praxis. Ihre Forschungsschwerpunkte sind Gender-, Queer- und Sexuality Studies sowie kollektive Ästhetik.

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“ befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

Hybridveranstaltung, Online-Teilnahme möglich: Hinweise zur Anmeldung und weitere Informationen

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Online-Vortrag in englischer Sprache

Queercrip porn is my favourite kind of porn. This talk explores some of the reasons why. In Unbreaking Our Hearts: Cultures of Un/Desirability and the Transformative Potential of Queercrip Porn (2015) I set out to explicate cultures of undesirability as both a conceptual framework to understand economies of desirability and as a lived experience within queercrip communities. I wanted to learn with and from other queercrip identified people about their strategies for navigating systemic and structural violence, erasure and exclusion that constitutes marginalized communities as undesirable others. As queercrip porn was a key strategy of focus, this work also generated queercrip porn collaboration, interview based community articulations of queercrip porn and extensive engagement with the transformative work of queercrip porn. Flaunting, flourishing, and fucking play together in the pleasure and politics of queercrip porn. Queercrip porn luxuriates and flaunts transformative queercrip pleasures and politics that provide sparkling pathways and roadmaps towards collective liberation a radically “cripped sexual universe” (Kafai 129)

Der Vortrag kann explizites Bildmaterial beinhalten.

Loree Erickson is a white, queer, disabled, femme from a mixed class background growing up in rural northern Virginia. She did an undergraduate degree at Virginia Commonwealth University in Politics and Women’s Studies. She was part of the first group of students to complete the Critical Disability Studies masters at York University in 2005 and completed a PhD in Environmental Studies. She is the current Ethel Louise Armstrong postdoctoral fellow at Ryerson’s School of Disability Studies. Her research interests include disability justice, transformative justice, prison abolition, porn studies, cultures of un/desirability, queercrip porn, marginalized communities strategies for surviving and flourishing including but not limited to care collectives. She is the creator of want, an internationally award-winning queercrip porn film, and a community organizer.

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“ befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Vortrag in englischer Sprache

Mireille Miller-Young, Professorin für feministische Studien an der UC Santa Barbara, gilt als eine Wegbereiterin innerhalb der Porn Studies. Mit ihrer Publikation A Taste for Brown Sugar: Black Women in Pornography (2014) schafft sie einen grundlegenden Beitrag zum Bewusstsein über die Bedeutung Schwarzer Frauen in der US-Pornoindustrie. Ihre Untersuchungen operieren seitdem an Schnittstellen von Black Cultural Studies, Film and Media Studies, Sexuality Studies und Economy Studies und befragen aus dieser Multiperspektivität sowohl audiovisuelles Material, als auch die entsprechenden Produktionsverhältnisse in unterschiedlichen Bereichen von Sexarbeit. Im Fokus stehen dabei Diskriminierungs- und Ausbeutungsverhältnisse ebenso wie empowernde Momente und Möglichkeiten für marginalisierte Schwarze Sexarbeiter*innen.

Der Vortrag kann explizites Bildmaterial beinhalten.

Mireille Miller-Young, Ph.D. is Associate Professor of Feminist Studies at University of California, Santa Barbara. A winner of UCSB’s Distinguished Teaching Award, Miller-Young researches and teaches about race and sexuality in US history, popular and film cultures, and the sex industries. Her award-winning book, A Taste for Brown Sugar: Black Women in Pornography was the first academic monograph to uncover the history of Black women’s performances and labor in pornography. Dr. Miller-Young has published in numerous anthologies, academic journals, and news outlets including Porn Archives, Queer Sex Work, Sexualities, The New York Times, The Washington Post,Colorlines, Ms., Coming Out Like a Porn Star, and $pread, a sex worker magazine. Dr. Miller-Young is a frequent featured expert for news, radio, podcasts, and documentaries, including for NPR, Netflix’s Explained, Netflix’s History of Swear Words, Sex Out Loud, The Kitchen Table Podcast, HuffPost Live, For Harriet, and Ms. She is an editor of The Feminist Porn Book: The Politics of Producing Pleasure, which has been translated into German and Spanish and was a finalist for the Lambda Literary Award for Best LGBT Anthology, and she is an editor of Black Sexual Economies: Race and Sex in a Culture of Capital. Formerly the Advancing Equity Through Research Fellow at the Hutchins Center for African and African American Studies at Harvard University in 2019-2020, and a Visiting Fellow at the Institute for Cultural Inquiry Berlin, Dr. Miller-Young convenes think tanks like Black Hollywood and Black Sexual Economies, serves as an advocate for the Black Sex Worker Collective and the BIPOC Adult Industry Collective, and as curator and preservationist for The Black Erotic Archive Project.

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“ befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Pornographien, insbesondere heterosexuelle Mainstream-Pornographien prägen die kulturelle Ebene sexueller Skripte [1]. Ausgehend von der Analyse einer Live-Sex Chat Performance von Blonde und Rob Rider frage ich in meinem Vortrag: Wie sehen diese kulturellen Skripte aus? Was erzählen sie uns über Sexualität und was verschweigen sie? Worin besteht das subversive Potential der Performance von Blonde und Rob Rider und entfaltet es sich auch? Und zuletzt: Wie kann im Schlachtfeld der Porn Wars ein feministischer Umgang mit Pornographien praktiziert werden?

[1] Die Soziologen und Sexualwissenschaftler William Simon und John H. Gagnon vertraten 1986 in ihrem bahnbrechenden Aufsatz "Sexual Scripts: Permanence and Change" die These, dass Sexualität weniger als ein Ausleben bestimmter Triebe, sondern vielmehr als das Erfüllen beziehungsweise Verkörpern bestimmter nicht angeborener, sondern erlernter sexueller Skripte zu betrachten sei. Sexuelle Skripte finden demnach auf drei Ebenen statt: der kulturellen, der interpersonellen und der intrapsychischen. Sie prägen auf diesen drei Ebenen letztlich die Handlungen, die wir vollziehen, wenn wir Sex haben (vgl. Simon, William/John H. Gagnon, »Sexual Scripts: Permanence and Change«, in: Archives of Sexual Behavior, Jg. 15, H. 2 (1986), S. 97–119).

Der Vortrag beinhaltet explizites Bildmaterial.

Dr. Lea-Sophie Schiel ist Theaterwissenschaftlerin, Performancekünstlerin und Philosophin und lebt in Berlin. In ihrer Arbeit bewegt sie sich an der Schnittstelle von feministischer Theorie und Praxis. Ihre Forschungsschwerpunkte sind Gender-, Queer- und Sexuality Studies sowie kollektive Ästhetik.

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“ befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

Hybridveranstaltung, Online-Teilnahme möglich: Hinweise zur Anmeldung und weitere Informationen

Mi. 21.06.2023, 20:00 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

   | Maria Lassnig | Self-Portrait | A 1971 | 5:00   
   | Gernot Wieland | Bird in Italian is Uccello | A, D 2021 | 14:26
   | Michael Brynntrup | Tabu V | D 1988-1998 |13:30
   | Matthias Müller | Pensao Globo | D 1997 | 15:00
   | Benny Nemerofsky Ramsay | I am a boyband | CAN 2002 | 5:30

Im Vortrag analysiert Stefan Römer Arbeiten aus der aktuellen Weserburg-Ausstellung So wie wir sind 4.0 von Warhol bis Sturtevant und etwa Mel Chin oder Jonathan Monk hinsichtlich ihrer spezifischen Aneignungsweisen.

In Rahmen der Ausstellung So wie wir sind 4.0

In Kooperation mit dem Institut für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen und dem Mariann Steegmann Institut | Kunst & Gender

 Credit: Sturtevant, Warhol Flowers, 1964-1968, Leihgabe SÛ Collection

Dienstag, 13.06.2023
18:00 Uhr

Eintritt frei
Ort: Bibliothek

Tagungsorte:
CITY 46 / Kommunalkino Bremen e.V., Birkenstr. 1, 28195 Bremen
Universität Bremen, GW 2, Raum B2900, Bibliothekstr. 1, 28359 Bremen
 
+/-
 
Die Forschungswerkstatt ist eine Veranstaltung des internationalen Forscher_innennetzwerks [wohn]zeitschriften.
 
Konzeption und Organisation:
Amelie Ochs und Rosanna Umbach
amelie.ochs@uni-bremen.de, rosanna.umbach@uni-bremen.de
www.mariann-steegmann-institut.de

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Pornos sind Teil gegenwärtiger Medienwelten und audiovisueller Kultur und werden auch von jungen Menschen rezipiert. In Schule und Unterricht können Pornos als abwesend-anwesende Bilder verstanden werden: Sie werden aus guten Gründen nicht gezeigt, sind aber in den Vorstellungswelten vieler Jugendlicher präsent.
Wie wird die niederschwellige Zugänglichkeit von pornografischen Bildern und Videos für Kinder und Jugendliche pädagogisch eingeschätzt? Und wie kann Pornografie in pädagogischen Kontexten grenzachtend und differenzreflektiert zum Thema gemacht werden?

Der Vortrag gibt einen Einblick in theoretische Zugänge und Forschungsergebnisse und stellt didaktische Ansätze und Materialien aus den Projekten Imagining Desires und Reflecting Desires zur Diskussion (www.imaginingdesires.at).

Der Vortrag kann explizites Bildmaterial beinhalten.

Marion Thuswald, Sozialpädagogin und Bildungswissenschaftlerin, ist als Universitätsassistentin am Institut für das künstlerische Lehramt an der Akademie der bildenden Künste Wien tätig. Sie arbeitet unter anderem zu sexueller Bildung, Kunstpädagogik, Critical Diversity und pädagogischer Professionalisierung und hat in den Projekten Imagining Desires und Reflecting Desires mit Künstler*innen, Schüler*innen, Studierenden, Wissenschaftler*innen, Lehrer*innen und Sexualpädagog*innen gemeinsam zu Sexualität, visueller Kultur und Pädagogik geforscht. Publikationen finden sich unter: www.imaginingdesires.at.

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“ befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

Hybridveranstaltung, Online-Teilnahme möglich: Hinweise zur Anmeldung und weitere Informationen

Vortrag: Pornografie zwischen Authentizitätseffekten und dokumentarischen Zuschreibungen (Dr. Leonie Zilch, Mainz)

30.5.2023, 18:30 Uhr, Kukoon Bremen

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Gemäß dem Motto „I know it, when I see it“, wird zeitgenössischer audiovisueller Pornografie im Alltagsdiskurs mit allerlei Vorannahmen, Ansprüchen und Vorwürfen begegnet. Pornografische Bewegtbilder stellen uns vor die Herausforderung, dass sie einerseits eine Fantasie präsentieren, andererseits real stattfindenden Sex zeigen und damit vermeintlich falsche Vorstellungen menschlicher Sexualität vermitteln. Pornografie bewegt sich damit automatisch im Spannungsfeld von dokumentarischen Zuschreibungen, filmischem Realismus und (je nach pornografischem Genre) Amateurfilm, Sportfilm oder Romantischer Komödie. Daraus lässt sich schließen: Die Pornografie gibt es nicht, sie ist viele – zumindest, wenn wir über konkrete Filme, Videos und Clips sprechen – und dies ist das Anliegen des Vortrags. Dieser wirft eine dezidiert film- und kulturwissenschaftliche Perspektive auf das Medium Pornografie. Er fragt nach ihren Ästhetiken, ihren Formaten und ihren Orten und geht dabei der Frage nach, inwiefern die Herausforderungen, vor die uns Pornografie zu stellen scheint, tatsächlich Pornografie spezifisch sind, oder eher auf grundsätzliche Probleme von (mangelnder) Medienkompetenz und sexueller Bildung verweisen.

Der Vortrag kann explizites Bildmaterial beinhalten.

Leonie Zilch studierte Theater-, Film- und Medienwissenschaft, Philosophie und Germanistik an der Goethe-Universität Frankfurt. Von 2016 bis 2020 war sie Kollegiatin des DFG-Graduiertenkollegs „Das Dokumentarische. Exzess und Entzug“ an der Ruhr-Universität Bochum. Dort promovierte sie 2020 mit der Dissertation „Erregende Dokumente. Pornografie und dokumentarische Autorität“. Seit Oktober 2020 ist sie wissenschaftliche Mitarbeiterin der Filmwissenschaft am Institut für Film-, Theater-, Medien- und Kulturwissenschaft, Johannes Gutenberg-Universität Mainz.

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“ befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

Begrenzte Platzzahl, Voranmeldung nötig, Online-Teilnahme möglich: Hinweise zur Anmeldung und weitere Informationen

Trans Perspektiven
Ein performativer Talk mit Luce deLire und Christian Liclair
zu Hospitalität im Kunstfeld 

Trans hörte irgendwann im letzten Jahrzehnt auf, ein politischer Nebenschauplatz zu sein. In welchem Zusammenhang stehen die damit zusammenhängenden sozialen und politischen Entwicklungen zur Kunstwelt? Viele Galerien, Kunstvereine und Museen präsentieren heutzutage nicht-cis Künstler*innen. Doch handelt es sich hierbei lediglich um Lippenbekenntnisse? Ein Pinkwashing verschiedener Kunstinstitutionen, die nicht willens sind, strukturelle Diskriminierungen abzubauen und Räume zu schaffen, in denen sich trans Menschen sicher und willkommen fühlen können? Luce deLire und Christian Liclair laden zu einer performativen Diskussion des Themas mit anschließendem Q & A ein. 

Die Veranstaltung findet im Rahmen der aktuellen Ausgabe von TEXTE ZUR KUNST statt, die unter dem Titel Trans Perspectives anhaltende Vorurteile, Transmisogynie und Antisemitismus in der Kunstwelt und ihren Institutionen adressiert. Mit Trans Perspektive ist dabei ein besonderer trans Materialismus bezeichnet, der von gelebten Erfahrungen ausgehend beispielsweise eine Kritik an Sichtbarkeitspolitik artikuliert, um zu hinterfragen, wie sich trans auf dem Markt, in Museen und darüber hinaus materialisiert. Als Co-Redakteur*innen haben deLire und Liclair die Ausgabe konzipiert und mit der TZK-Redaktion realisiert. 

Das Gespräch wird in Kooperation mit der GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst durchgeführt.
Die Veranstaltung wird in Präsenz stattfinden. Da die Räumlichkeiten nicht barrierefrei sind, bitten wir um kurze Voranmeldung, wenn wir den Zugang ermöglichen oder unterstützen können. 

Die Veranstaltungsreihe gehört auch zum Programm des Forschungsfeldes wohnen+/–ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Kathrin Heinz, Elena Zanichelli). 

Veranstaltet wird die Kuvert-Reihe von der Forschungsgruppe wohnen +/– ausstellen
und dem Forschungskolloquium für Kunstwissenschaft und Visuelle Kultur Bild – Raum – Subjekt.

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Pornography is a highly expedient, effective as well as affecting, cultural practice to consider the phenomena of post-national identities in Europe today. Nowhere is this more evident than in what Cervulle and Roberts have termed gay ethnic pornography: “a term widely used in French gay sexual culture to designate the particular genre of porn involving non-white men.” As part of this phenomenon French, German, Czech, and Swedish pornographic film production companies contributed to this genre with numerous films that have been produced in Europe and S.W.A.N.A. regions. Pioneering examples of French gay ethnic pornography inspired other Western European and US-based filmmakers and porn film companies to focus on the sub-genre of gay ethnic pornography. Following France, two pornographic film production companies based in Germany produced the examples of gay ethnic pornography between Turkey and Germany. As to date, there has been no systematic study of the gay ethnic pornography produced in Turkey. My research will argue that this cross-cultural exchange in Germany has been a central element in shaping the representation of gay ‘other’ in the last 30 years. To this end, this paper will engage in both archival and critical analysis of these productions.

Der Vortrag kann explizites Bildmaterial beinhalten.

Emre Busse lives and works in Berlin, Germany. His film and research practices are based on the philosophy of contemporary sexualities and trans-cultural pornography studies. He completed his M.A. at the Fine Arts Faculty of Bauhaus University, Weimar, in 2015. In March 2017, he co-curated the exhibition called soft g – queer forms migrate at Schwules Museum* Berlin (LGBTQ+ History Museum of Berlin). His recent work, the Godasses Trilogy, has been presented at international film festivals, including San Francisco Porn Film Festival, Fringe! Queer Film and Arts Festival London, Post-Porn Film Festival Warsaw. He is a member of the Masculinity, Sex, and Popular Culture Network, a research network funded by the Arts and Humanities Research Council (AHRC) located in the United Kingdom. Currently, Emre Busse is finishing his Ph.D. on gay ethnic pornography in post-colonial Europe at the Freie University Berlin.

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“ befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

27. April 2023 18.00 Uhr
Anne Schönharting (Fotografin/Künstlerin, Berlin)
Das Afrikazimmer

1. Juni 2023 18.00 Uhr
Effrosyni Kontogeorgou (Künstlerin, Bremen) 
Nephelokokkygia/ Wolkenkuckucksheim. Von Vögeln kuratierte Zwischenräume

6. Juli 2023 18.00 Uhr
Julia Breittruck (Historikerin, FernUniversität Hagen) 
Salontier Vogel. Geselligkeit von Menschen und Vögeln in der Frühen Neuzeit

Der Zoom-Link zu den Veranstaltungen wird zeitnah auf der Homepage
http://www.mariann-steegmann-institut.de bekannt gegeben.

SALON TIER
Eine Online-Veranstaltungsreihe kuratiert von Silke Förschler, Christiane Keim und Astrid Silvia Schönhagen im Rahmen des Projekts c/o HABITAT TIER
Tiere sind auf sehr unterschiedliche Art und Weise Teil unserer häuslichen Umgebung. So werden ihnen in menschlichen Domizilen eigene Wohnstätten eingerichtet, als sog. Ungeziefer hingegen gelten sie als ungebetene Gäste in den menscheneigenen vier Wänden. Tierliche Materialien wie Felle und Häute wiederum dienen der wohnlichen Ausgestaltung von Innenräumen. Tiere entwickeln aber auch selbst Strategien des Sich- Einrichtens in unterschiedlichen Territorien und Habitaten – ob in unmittelbarer Nähe des Menschen oder in Distanz zu diesem. Im gemeinsam oder getrennt bewohnten Lebensraum zeigt sich somit eine Vielfalt an Mensch-Tier-Relationen, die teilweise im Widerspruch zueinander stehen, teilweise erstaunen und erheitern.

In der Tradition der Salons des 18. und 19. Jahrhunderts laden wir im Rahmen unserer Lecture Series SALON TIER dazu ein, mit unseren Gästen über verschiedene Ausprägungen menschlichen und tierlichen Zusammenlebens und -wohnens zu diskutieren. Anliegen ist es, das Konzept der Kohabitation von Mensch und Tier neu zu denken.

SALON TIER ist eine Veranstaltungsreihe des Forschungsfeldes wohnen+/–ausstellen
in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. 

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Maggessi & Morusiewicz arbeiten mit Methoden der Aneignung, Wiederverwertung und Re-Inszenierung, wie Collage, Montage, Sampling und Found Footage. Ausgangspunkte ihrer Arbeiten sind die Beschäftigung mit Film, Sexualität, Pornographie und die Auseinandersetzung mit Theorien queerer Zukünfte. Oder wie sie selbst schreiben: „We are invested in working towards a sustainable collaborative artistic-research practice that is situated ‚inthe-meantime‘ as a means of fabulating and working towards ‚pleasant queer futures‘.“

Durch die Kooperation mit der Ringvorlesung eröffnet sich ein Austausch zwischen künstlerischer Praxis und Wissenschaft und Theorie, zwischen den Arbeiten von Maggessi & Morusiewicz, den Künstlern* selbst und vor allem jungen Studierenden. Auch dies ein Zwischenraum, der durch verschiedene Blickwinkel und Perspektiven Diskurse und Kommunikation zu den Themen Pornographie, Sexualität, Queerness ermöglicht.

Guilherme Maggessi and Rafał Morusiewicz are a Vienna-based artistic duo, who research, curate, make films, perform, and art-work together. Maggessi/Morusiewicz explore forms of creating archives and fabulating futures in expanded and intimate ways. https://www.maggessi-morusiewicz.com/

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“ befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

Öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies - Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“

Wie werden und wurden Körper und Sexualitäten zu sehen gegeben? Wie werden Narrationen und Repräsentationen von Begehren reflektiert? Welche visuellen Strategien finden sich im filmischen Mainstream und in queer-aktivistischen Video-/Performance-Projekten? Kurz: Was haben Schaulust, Pornografie und Kunst seit jeher gemeinsam?

Der Vortrag widmet sich dem Zwischenraum von Kunst und Pornografie. Frühe feministische Arbeiten von Annie Sprinkle, Carolee Schneemann und weiteren Künstlerinnen der 1960er und 70er Jahre dienen uns als Ausgangspunkt, um die visuelle Verhandlung von Sexualitäten und den Zwischenraum von Kunst und Pornografie zu befragen. Durch die Analyse vielfältiger Video- und Filmausschnitte wollen wir die historisch variierenden Grenzziehungen von Kunst und Pornografie, Betrachter*in und Blick gemeinsam diskutieren.

Nastold führt daher Positionen aus der Kunst- und Pornografiegeschichte, Filmtheorie und Psychoanalyse punktuell zusammen, um neue Einblicke in die Wahrnehmungsgefüge queerer Schau- und Körperlust aufzuzeigen. Die Infragestellung der Schaulust, die seit der Renaissance als erkenntnistheoretisches Paradigma verhandelt und an eine männliche, souveräne, weiße Subjektposition gebunden wird, fungiert dabei als Knotenpunkt der Untersuchung. Im Fokus steht dabei weniger die singuläre Kritik an voyeuristischen Blickstrukturen als vielmehr die Analyse der (visuellen) Strategien und deren (subversive) Verschiebungen im Feld der Sexualitäten – im Mainstream und in que(e)rulierenden Projekten. Wo genau das kritische Potenzial mit Blick auf binäre, gesellschaftliche Machtstrukturen und/oder die emanzipatorischen Bewegungen auszumachen sind, werden wir im gemeinsamen Gespräch herausarbeiten.

Der Vortrag kann explizites Bildmaterial beinhalten.

Friederike Nastold ist ausgebildet als Künstlerin, Vermittlerin und Kunsttheoretikerin und ist Juniorprofessorin für Kunstgeschichte mit Schwerpunkt Gender Studies am Institut für Kunst und visuelle Kultur an der Carl von Ossietzky Universität Oldenburg. Nastold gründete das Kollektiv TOYTOYTOY, das an der Schnittstelle von Kunst, Vermittlung und Theorie aus feministischer Perspektive operiert. Sie war Vertretungsprofessorin am Institut für Kunst an der PH Karlsruhe sowie als Mitarbeiterin an der Kunsthochschule Mainz und an der Kunsthochschule Burg Giebichenstein Halle tätig. In Halle kuratierte und organisierte sie die Ausstellung juicy things. Eine Ausstellung mit internationalem Symposium in drei Akten (2022). Ihre Forschungsschwerpunkte sind: Kunst- und kulturwissenschaftliche Geschlechterforschung, psychoanalytische Kulturtheorie, Phänomenologie, Affekttheorie, Queer Theory, Visual Culture Studies. Zuletzt erschien ihre Monographie Zwischen I see you und Eye Sea You. Blick, Repräsentation, Affekt (2022) im VDG-Verlag.

Die öffentliche Ringvorlesung „Critical Porn Studies – Künstlerisch-mediale Positionen und neue Perspektiven“(18.4.-18.7.2023)  befasst sich mit künstlerischen und queer-feministischen Strategien und Produktions- und Rezeptionsprozessen von Pornografie. Internationale Expert*innen erarbeiten und reflektieren ästhetisch-mediale und bildkritische Fragestellungen zu Prozessen der Sexualitätsnormierung, diversen Lebensentwürfen, zur Bildgebung und -didaktik. Gefördert durch die Stiftung der Universität Bremen, das Autonome Feministische Referat der Universität Bremen und die FUN FACTORY GmbH.

Hybridveranstaltung, Online-Teilnahme möglich: Hinweise zur Anmeldung und weitere Informationen

Fr. 27.01.2023, 20:00 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Das Programm ist Begleitveranstaltung zur Ausstellung »What is the Proper Way to display a Flag?« im Museum Weserburg, Bremen

Die Filme:

   | Leighton Pierce | Red Shovel | USA 1992 | 8:00
   | Ben Russell | Let us persevere in what we have resolved before we forget | USA, FRA, Vanuatu 2013 | 20:00
   | John Smith | Flag Mountain | UK 2010 | 8:00
   | Hito Steyerl | November | AT/D 2004 | 25:00
   | Martin Creed | Border Control | UK 2015 | 0:49

Di. 13.12.2022, 20:00 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Das Programm ist der 3. Teil des film:art specials 30 years of curating film:art - Experimentalfilm zwischen Kunst und Kino

Die Filme:
| Guy Sherwin | Cycles #1 (aka Dot Cycle) | UK 1973-77 | 5:00
| Len Lye | Colour Box | UK 1935 | 4:00
| Mary Ellen Bute & Norman MacLaren & Ted Nemeth | Spook Sport | USA 1939 | 7:54
| Schmelzdahin | Schildmeyer Darlatan | BRD 1988 |10:00
| Peter Tscherkassky | Train Again | A 2021 | 20:00
| Nacli Dinçel | Solitary Acts #5 | USA 2015 | 5:50
| Cathy Joritz | Negative Man | USA 1985 | 2:30

Im ersten Teil des Abends (»The Pleasure Dome« ab 17:30) gibt es neben einem  Programm aus Filmen, Wortbeiträgen und Gesprächen mit Gästen auch die Vorstellung des soeben erschienenen Buches mit Texten von Christine Rüffert.*

Im zweiten Teil des Abends (»Me, Myself and Them« ab 20:00) geht es in den Filmen um die Darstellung sehr junger Mädchen, die entgegen dem Klischee von heranreifenden Sexobjekten als selbstbestimmte, wilde und widerständige Personen gezeigt werden.

Fr. 4.11.2022, 17:30 Uhr im CITY 46

Part 1: »The Pleasure Dome« – Kuratieren für das Kino

Moderation:
|  Angela Jouini | Freie Universität Berlin

Wortbeiträge:
|  Carmen Emigholz | Staatsrätin | Senator für Kultur Bremen
|  Winfried Pauleit | Institutsleiter IKFK | Universität Bremen
|  Christine Rüffert | Filmkuratorin | Universität Bremen
|  Jorun Jensen | Herausgeberin | Universität Bremen
|  Eva Heldmann | Filmemacherin Berlin

Die Filme:
|  Viktoria Schmid | A Proposal to project in 4:3 | A 2016 | 2:00
|  Johann Lurf | Twelve Tales Told | A 2014 | 35mm | 4:00
|  Morgan Fisher | Projection Instructions | USA 1976 | 16mm | 4:00
|  Emily Richardson | The Picture House | UK 2010 | 4:39
|  Eva Heldmann | Johnny oder das rohe Fleisch | BRD 1984 | 4:00
|  Athina Rachel Tsangari | 24 Frames per century | 2:32

Fr. 4.11.2022, 20:00 Uhr im CITY 46

Part 2: »Me, Myself and Them« – Girls

Moderation: Christine Rüffert  | Universität Bremen
zu Gast: Eva Heldmann | Filmemacherin Berlin

Die Filme:
|  Eva Heldmann | Riverred | D 2011 | 8:00
|  Pelagia Gadallah | Partially Detached | Ägypten 2019 | 11:00
|  Leslie Thornton | Jennifer, Where Are You? | USA 1981 | 11:00
|  Gunvor Nelson | My name is Oona | USA 1969 | 10:00

* Jorun Jensen (Hg): Experimentalfilm zwischen Kunst und Kino. Texte von Christine Rüffert. Büchner Verlag. Marburg 2022.

eine Begleitveranstaltung zum 26. Internationalen Bremer Symposium zum Film

Sa. 21.05.2022, 14:30 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

|  Emily Richardson | Aspect | GB 2004 | 9:00
|  Marieke van der Lippe | The Machine | NL 2020 | 16:09
|  Peter-Conrad Beyer | Le Rêve | D 2020 | 8:00
|  Lukas Marxt | Imperial Irrigation | D,AT 2020 | 21:00
|  Chloé Galibert-Laîné | Un très long temps d'exposition | F 2020 | 7:00

Ort: b.zb Bremer Zentrum für Baukultur Am Speicher XI 1, 28217 Bremen

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle AnOrdnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann
Steegmann Institut. Kunst & Gender. Leitung und Konzept: Kathrin Heinz, Elena Zanichelli

Informationen:
www.mariann-steegmann-institut.de
Die Veranstaltungen sind in Präsenz und online (Zoom) geplant. Es gilt die 3G-Regel. Änderungen je nach
Corona-Situation sind möglich.
Um Anmeldungen wird gebeten: Amelie Ochs
Die Zoom-Links werden zeitnah bekannt gegeben unter: www.mariann-steegmann-institut.de und www.uni-bremen.de/kunst

Der Eintritt ist frei.

Ort: b.zb Bremer Zentrum für Baukultur Am Speicher XI 1, 28217 Bremen

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle AnOrdnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann
Steegmann Institut. Kunst & Gender. Leitung und Konzept: Kathrin Heinz, Elena Zanichelli

Informationen:
www.mariann-steegmann-institut.de
Die Veranstaltungen sind in Präsenz und online (Zoom) geplant. Es gilt die 3G-Regel. Änderungen je nach
Corona-Situation sind möglich.
Um Anmeldungen wird gebeten: Amelie Ochs
Die Zoom-Links werden zeitnah bekannt gegeben unter: www.mariann-steegmann-institut.de und www.uni-bremen.de/kunst

Der Eintritt ist frei.

Eröffnung:  Simone Ewald,  Kunsthistorikerin, Bremen

Textliche Begleitung: Dr. Philipp Unterweger, Biodiversitätsberater

Zeigen werde ich aus meiner Fotoserie der „Hofportraits“ die „Milchkühe“ in einer neuen Auflage und, neu hinzugekommen, die Portraitfotoserie der „Martins- und Weihnachtsgänse“. Damals waren die Kühe noch auf der Weide und deswegen gibt es, begleitend zu der Ausstellung, Wandarbeiten von goldenen Kuhfladen und vielen Stubenfliegen. Eine Performance.

Ziel meiner Idee ist es, dass möglichst viele Stubenfliegen die Ausstellung verlassen, um in unseren Wohnzimmern Platz zu nehmen, damit wir sie nicht vergessen.

Sabine Emmerich

Einmal im Jahr findet an der Universität Bremen ein Tag der Lehre als Dies Academicus statt. An diesem Tag finden sowohl in den Fachbereichen als auch zentral Veranstaltungen und Diskussionen zum Themenspektrum von Lehre und Studium statt. Die regulären Veranstaltungen entfallen.

Vormittags bieten die  Fachbereiche Gelegenheit zur Diskussion über Qualität und Qualtiätsverbesserung von Studium und Lehre, am Nachmittag gibt es in der Regel einen fachbereichsübergreifenden, zentral organisierten Austauch zu Studium und Lehre unter einer aktuellen Fragestellung.

Im Anschluss erfolgt die Verleihung des Berninghausen-Preises für hervorragende Lehre.

Ort: Kleiner Saal, Haus der Wissenschaft Sandstr. 4/5, 28195 Bremen

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle AnOrdnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann
Steegmann Institut. Kunst & Gender. Leitung und Konzept: Kathrin Heinz, Elena Zanichelli

Informationen:
www.mariann-steegmann-institut.de
Die Veranstaltungen sind in Präsenz und online (Zoom) geplant. Es gilt die 3G-Regel. Änderungen je nach
Corona-Situation sind möglich.
Um Anmeldungen wird gebeten: Amelie Ochs
Die Zoom-Links werden zeitnah bekannt gegeben unter: www.mariann-steegmann-institut.de und www.uni-bremen.de/kunst

Der Eintritt ist frei.

Der Podcast wird dienstags um 18 Uhr auf Soundcloud veröffentlicht.

Alle Termine:
2.11. – Folge 1 – Intro, Mari Lena Rapprich
9.11. – Folge 2 – Im Gespräch mit Lars Henrik Gass
16.11. – Folge 3 – Im Gespräch mit Skadi Loist
23.11. – Folge 4 – Im Gespräch mit Cristina Nord
30.11. – Folge 5 – Outro, Mari Lena Rapprich

Link zum Podcast: https://soundcloud.com/user-987814468/sets/podcast-filmfestivals-als-sammlung
Link zu Instagram: https://www.instagram.com/filmfestivals_als_sammlung/

wir freuen uns, Sie bei uns am Institut begrüßen zu können und laden Sie herzlich ein, an der Begrüßungsveranstaltung am 20. Oktober um 16 Uhr über Zoom teilzunehmen:

https://uni-bremen.zoom.us/j/97632083352?pwd=K1Jlcnh0akYyZy9RVTlQZkVsNkZwUT09

Hier können wir uns kennenlernen und wir werden Ihre ersten Fragen zum Studium beantworten können.

Ihr IKFK-Team

folgende Veranstaltungen sind in der O-Woche in unserem Institut noch geplant:

• Hilfe zum Stundenplan (Bachelor)

  Katharina Gossen wird per Zoom eine Hilfestellung zum Thema "Welche Veranstaltungen soll ich auswählen" und "Wie geht es mit den Modulen?" anbieten:
  
  11 Uhr am 18.10. / 19.10.
  unter uni-bremen.zoom.us/j/98777266004
  Meeting-ID: 987 7726 6004
  Kenncode: 933148
  
  15 Uhr am 15.10. / 18.10. / 19.10. /  20.10.
  unter uni-bremen.zoom.us/j/99340371887
  Meeting-ID: 993 4037 1887
  Kenncode: 075185

begleitend zur Ausstellung »Berührend – Annäherung an ein wesentliches Bedürfnis« im Paula Modersohn-Becker Museum, Bremen

Mi. 29.09.2021, 20:00 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

|  Robert Hamilton | The Skin of Things  | CDN 1993 | 8:03 
|  Pipilotti Rist | Pickelporno | CH 1992 | 12:02
|  Nora Ananyan | What We Still Can Do | H/ARM 2019  |14:34
|  Lynne Sachs | A Month of Single Frames | USA 2019 | 14:12
|  Bjørn Melhus | SUGAR | D 2019 | 20:00

Hier ist der Download-Link zu der Publikation der Studierenden des IKFK, die im Rahmen eines Seminars von Sarah Lüdemann erstellt wurde.

Die Veranstaltung ist Teil des gemeinschaftlichen Ausstellungsprojektes »Smell it! Geruch in der Kunst« in acht Bremer Museen.

Mi. 21.07.2021, 20:00 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

|  Marie Menken | Glimpse of the Garden | USA 1957 | 5:00
|  Ian Bourn | Black, White and Green | GB 2003 | 8:00 
|  Friedl vom Gröller | LA CIGARETTE | AT 2011 | 3:00
|  Maher Abi Samra | Merely a smell | LBN 2007 | 10:00
|  Jayne Parker | Amaryllis - a Study | GB 2020 | 7:23 
|  Jay Rosenblatt |The Smell of Burning Ants | USA 1994 | 21:00

Abschluss
Master of Arts (M.A.)

Regelstudienzeit
4 Semester

Unterrichtssprache
Deutsch

Bewerbungsfrist Erstsemester
Wintersemester: 15.09.21

Zulassungsfrei

Wolfgang Hainke arbeitet als Grenzgänger zwischen den Genres der bildenden Kunst in den Bereichen Performance, Druckgraphik, Mail Art, Multiples – und als Künstlerkurator. Ein Teil seiner Werke entsteht in offenen Arbeitssituationen, z.B. zusammen mit befreundeten Künstlerinnen und Künstlern. Diese kommunikative und offene Vorgehensweise schlägt sich auch in der Verwendung unorthodoxer Materialien, aber auch in Sprache und Text nieder. Am Ende erweisen sich seine oft raumfüllenden Setzungen, bei denen mitunter der Zufall eine Rolle zu spielen vermag, als sehr präzise und wohlüberlegt. Hainke knüpft in seiner Haltung und gesamten Ideenlage an das an, was die Fluxusbewegung noch immer ausmacht. Aber auch an Allan Kaprows The Blurring of Art and Life. Ein Werk voller Bedeutungen, Anspielungen, philosophischem Tiefgang und Humor.

Mehr dazu auf der Seite des Kunstvereins Ruhr.

In der Tradition der Salons des 18. und 19. Jahrhunderts laden wir im Rahmen unserer Lecture Series „SALON TIER“ das Publikum dazu ein, mit unseren Gästen über verschiedene Ausprägungen menschlichen und tierlichen Zusammenlebens und -wohnens zu diskutieren. Anliegen ist es, das Konzept der Kohabitation von Mensch und Tier neu zu denken.

8. Juli 2021, 18.00 Uhr
Knisternde Kopffüßer, komponierende Bohrkäfer und grummelndes Moos.
Ein Gespräch mit der Künstlerin und Kuratorin Christina Ertl-Shirley (Berlin) über die künstlerische Erforschung der Lebenswelten von Argonauta, Bärtierchen und Holzwürmern via Zoom

Die Reihe findet statt in Kooperation mit dem Projektraum XPINKY Berlin (Berlin-Adlershof) sowie dem Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen, Institut für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik und Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender an der Universität Bremen.

Artikel im Weser Kurier vom 08.07.2021

eine Begleitveranstaltung zur Ausstellung »So wie wir sind 3.0 / Deutschlandbilder« im Museum Weserburg, Bremen

Mi. 07.07.2021, 20:00 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen
Mi. 09.03.2022, 20:00 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

|  Corinna Schnitt | Schönen, guten Tag | 1995 | 5:02
|  Hito Steyerl | Babenhausen  | 1997 | 4:00
|  Marieke van der Lippe | The Machine | 2020 | 16:09
|  Ted Gaier | Das war unsere BRD (Die Goldenen Zitronen) | 2019 | 10:00
|  Daniel Theiler | Top Down Memory | 2020 | 12:00
|  Stefan Panhans | Sieben bis zehn Millionen | 2005 | 5:18
 

Eröffnung am Mittwoch, 7. Juli 2021, 18h

https://wp.uni-oldenburg.de/showtime/

In ihrer Werkgruppe „Audienz bei Königin Christine“ zeigt die Künstlerin  Büsten von fünf Frauenportraits aus der Renaissancezeit bekannter Maler wie Cranach, Botticelli oder Dürer. Mit einer kleinen Veränderung der Handgeste führt sie die Damen von der Passivität in die Aktivität.

Sabine Emmerich , 1964 in Marburg/Lahn geboren,  studierte Freie Kunst an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg, bei Prof. Franz Erhard Walther. Seit 2001 hat Emmerich einen Lehrauftrag an der Hochschule für Künste Bremen und seit 2011 an der Universität Bremen inne.

Die Installation sowie die Werkgruppe können aktuell auf der NordArt bis zum 10.10. besucht werden.

Als Susan Sontag Mitte der 1960er Jahre eine neue Sensibilität der Kunst behauptet und Rosalind Krauss zehn Jahre später über Sense and Sensibility in der postminimalistischen Kunst nachdenkt, steht für beide Autorinnen fest, dass Sensibilität alles andere als eine unmittelbare, das Eigene oder Private betreffende Empfindsamkeit ist. Sie stellen deren gesellschaftliches Gemachtsein sowie ihre Künstlichkeit heraus und betonen
ihre unhintergehbar ästhetische Dimension. Was dagegen heute unter einer neuen Hypersensibilität firmiert, ist entweder ihre naturalisierte oder politisierte Form: Die Empfindsamkeit der Übersensiblen wird physiologisch erklärt, pathologisiert und therapiert, während die gesteigerte Sensibilität im Politischen oft das Ästhetische übergeht. Der Vortrag fragt angesichts der Aktualität von U¨berempfindlichkeit nach ihren künstlerischen Formen, ihren körper- und raumtheoretischen Implikationen.

Zoom
Meeting ID: 996 0848 7003
Passwort: 764636

Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft –
Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. Leitung und Konzept: Kathrin Heinz, Elena Zanichelli

studio ist die Vortragsreihe des Forschungsfeldes, Koordination und Durchfu¨hrung: Christiane Keim

weitere Informationen unter: www.mariann-steegmann-institut.de

In ihrem selbstorganisierten Seminar „Filmvermittlung in öffentlichen Räumen“ haben sich 15 Studierende mit den Themen Kunstvermittlung und Stadtentwicklung auseinandergesetzt und das Filmfestival für den ehemaligen Hafenstadtteil Gröpelingen entwickelt.

Weiter Infos gibt es hier: https://reisendesfreiluftkino.de/

im Rahmen des Schwerpunkts Bzw. NATUR der Schwankhalle, Bremen

Mi 23.06.2021, 21:30 Uhr im Kukoon im Park

Die Filme:

| The Institute of Queer Ecology | Metamorphosis: grub economy | CAN 14:28 commissioned by dis.art
| Angela Christlieb & Martin Siewert | t.r.3.o.p.s. | AT 2016 | 4:00
| Katrina Daschner | PERLENMEERE | AT 2016 | stumm | 9:00
| Tuomas A. Laitinen | Haemocyanin | FIN 2019 | 8:03
| Katrina Daschner | POWDER PLACENTA | AT 2015 | 9:00
| Ann Oren | Passage | D 2020 | 12:00

18.–20. Juni 2021
Zoom

www.aesthetische-ordnungen-des-wohnens.com

[Please find the English version below]

Künste und Visuelle Kultur produzieren Vorstellungswelten des Wohnens. Im Zeigen der Bilder machen verschiedene Bildsorten, Genres, Bildstrategien und visuelle Verfahren (An)Ordnungen, Prinzipien, Praxis und Poiesis vom Wohnen, Häuslichen und Domestischen augenscheinlich. Das Domestische ist ein Geflecht aus den unter-schiedlichsten Diskursen zur gesellschaftlichen Formation des Wohnens als normalisierender Aufenthalt innerhalb des Sozialen. Darin werden Beziehungen zwischen Bewohner*innenschaft, Räumlichkeit und Objekten/Dingen gestaltet. Mit der Moderne seit 1800 werden diese Beziehungen als identitätsproduzierende Verhältnisse in Subjektivierungs- und Gemeinschaftsbildungsprozessen konzipiert, gelebt und fortwährend ästhetisch entworfen und in Bildlichkeit transformiert.

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Aesthetic Orders of Dwelling
The visual politics of dwelling and domesticity in the art and visual culture of modernity
 

An international online conference held by the research unit wohnen+/-ausstellen (dwelling+/-exhibiting), a collaboration between the Institute for Art History – Film Studies – Art Education at the University of Bremen and the Mariann Steegmann Institute. Art & Gender.

The arts and visual culture produce imaginaries of dwelling. Specific image and media form(at)s, genres, render pictorial strategies and visual processes. Displaying these images makes evident the orders, principles, practices and poiesis of dwelling and the domestic. The domestic is a mesh made up of a diverse range of discourses on the social formation of dwelling and/or dwelling as a normalizing abidance within the social. Within this mesh, relationships are shaped between inhabitants, spatiality and objects/things. The development of modernity since 1800 has seen these relationships conceptualized, lived and continually cast in aesthetic terms within processes of subject and community formation and transformed into imagery.

German-English translation will be available in the zoom conference.

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PROGRAMM

FREITAG, 18. Juni 2021

14.30 Uhr
Ästhetische Ordnungen des Wohnens
Irene Nierhaus
Kathrin Heinz

15.30–15.45 Uhr Pause

15.45–16.30 Uhr
Philipp Zitzlsperger, Berlin
Interieurmalerei und das Interieur als Gesamtkunstwerk vor dem 20. Jahrhundert

16.30–17.15 Uhr
Susan Sidlauskas, New Brunswick/New Jersey
Cézanne’s Domestic Uncanny

Moderation: Elena Zanichelli

17.15–17.30 Uhr Pause

17.30–18.15 Uhr
Edith Futscher, Wien
„...aber das Haus, das war bereits ein Film“

18.15–19.00 Uhr
Amelie Ochs, Bremen
Domestische Ding-Bilder. Über das Stillleben als Einrichtungsgegenstand im 20. Jahrhundert

Moderation: Mona Schieren

19.00–20.00 Uhr Pause

20.00–20.45 Uhr
Temma S. Balducci, Fayetteville/Arkansas
Creativity, Domesticity, and the Female Body: Matisse’s Red Studio

Moderation: Christiane Keim

SAMSTAG, 19. Juni 2021

11.00–11.45 Uhr
Pierre-Emmanuel Perrier de la Bâthie, Paris
The Domestic Space as an Artistic Strategy: the Intimate Photographic Album of Pablo Picasso

11.45–12.30 Uhr
Mira Anneli Naß, Bremen
"Untitled ('My Bed')". Zum Domestischen als feministische Bildstrategie bei Lina Scheynius

Moderation: Astrid Silvia Schönhagen

12.30–12.45 Uhr Pause

12.45–13.30 Uhr
Burcu Dogramaci, München
Wohnen mit Stachel: Kaktusfenster, Kakteengefäße und Interieur(-Fotografie) der 1920er Jahre

13.30–14.30 Uhr Mittagspause

14.30–15.15 Uhr
Annette Tietenberg, Braunschweig
Wo das Domestizierte und das Domestische sich begegnen: der Monstera deliciosa und der Ficus elastica als Dekorelemente des Sachlichen Wohnens

15.15–16.00 Uhr
Christiane Keim, Bremen
CATviews. Eine Lektüre von David Hockneys Mr. and Mrs. Clark and Percy (1971) als interspecies- Begegnung im Wohnen

Moderation: Rosanna Umbach

16.00–16.30 Uhr Pause

16.30–17.15 Uhr

Piotr Korduba, Posen
Wie verwendet man die Volkstümlichkeit in Innenräumen? Die propagandistischen Bildstrategien vor und nach dem Zweiten Weltkrieg in Polen

17.15–18.00 Uhr

Philipp Oswalt, Kassel
Der Film „Wie wohnen wir gesund und wirtschaftlich“. Konstruktion und Fiktion der Marke Bauhaus

18.00–18.15 Uhr Pause

18.15–19.00 Uhr
Eliana Perotti, Zürich
Befreite Körper – befreiter Raum. Vom Unterwäschedesign zur Ausstellungs- und Wohnraumgestaltung von Lilly Reich

Moderation: Amelie Ochs

SONNTAG, 20. Juni 2021

10.00–10.45 Uhr
Rosanna Umbach, Bremen
Familien^an_umordnungen im Display der Zeitschrift Schöner Wohnen (1960–1979)

10.45–11.30 Uhr
Elena Zanichelli, Bremen
Zwischen Baby- und Beischlaf. Der dissonante Charme des Häuslichen in Deana Lawsons afro-amerikanischen Familienporträts (2009–2016)

11.30–11.45 Uhr Pause

11.45–12.30 Uhr
Bernadette Krejs, Wien
Insta(gram) Wohnen – How we fell for (or in love with) digital image worlds. Über die (Re)produktion neu-er Wohnideale

Moderation: Mira Anneli Naß

12.30 Uhr
Abschluss

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Konzept und Tagungsleitung
Prof. em. Dr. Irene Nierhaus
Dr. Kathrin Heinz

Koordination und Organisation
Amelie Ochs

Gestaltung
Christian Heinz

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Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender
c/o Universität Bremen, FVG M1060/ 1061
Celsiusstr. 2
28359 Bremen

http://www.mariann-steegmann-institut.de

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Die Tagung findet via Zoom statt. Um an der Tagung teilzunehmen, ist eine Anmeldung bis zum
15. Juni 2021 erforderlich, bitte per Mail an Hanna Haeusler: han_hae@msi.uni-bremen.de

The conference will be held via zoom. To participate in the conference, registration is required (deadline: June 15, 2021). Please send an email to Hanna Haeusler: han_hae@msi.uni-bremen.de

Der Eintritt ist frei.

In der Tradition der Salons des 18. und 19. Jahrhunderts laden wir im Rahmen unserer Lecture Series „SALON TIER“ das Publikum dazu ein, mit unseren Gästen über verschiedene Ausprägungen menschlichen und tierlichen Zusammenlebens und -wohnens zu diskutieren. Anliegen ist es, das Konzept der Kohabitation von Mensch und Tier neu zu denken.

10. Juni 2021, 18.00 Uhr
,Winged insects in all the daintiness of actual life’: Schmetterlingsschuppen auf Papier und Seide in Japan um 1900.
Vortrag von Kerstin Pannhorst (Wissenschaftshistorikerin, Berlin)
via Zoom

Die Reihe findet statt in Kooperation mit dem Projektraum XPINKY Berlin (Berlin-Adlershof) sowie dem Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen, Institut für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik und Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender an der Universität Bremen.

18. Mai 2021, 18.00 Uhr
Zoom-Link

Seit Mitte der neunziger Jahre bezieht sich Monica Bonvicini mit ihren Arbeiten auf sozio-politische Bedingungen und deren Auswirkungen auf die Gesellschaft. Ihre Themen entspringen aus einem Interesse für Raum als System – definiert durch materielle und immaterielle Grenzen – in dem gearbeitet, geschaffen, installiert und ausgestellt wird.

Die räumliche Installation I Believe the Skin of Things as in that of Women (ein Zitat von Le Corbusier) wurde vor einem größeren Publikum zum ersten Mal auf der 48. Biennale von Venedig 1999, kuratiert von Harald Szeemann, gezeigt. Die betretbare Installation hat die Größe eines Raumes und ist aus Rigipsplatten und Aluminiumrahmen gebaut. Die Wände sind kahl, kaputt, eingeschlagen und zerschnitten, die inneren Wände mit karikaturhaften Bleistiftzeichnungen verziert, begleitet von Zitaten von Architekt*innen und Architekturhistoriker*innen zu Themen wie Wohnen, Bauen und Gender. Architektur, Wände, Konstruktion, räumliche Aufteilungen und Beschränkungen erscheinen häufig in Monica Bonvicinis Arbeiten, dabei ist ihre Kunstpraxis mit Humor durchtränkt, direkt und unehrfürchtig.

Ihre architektonische Skulptur von 2019 As Walls Keep Shifting ist ein anderes Beispiel dafür, wie Literatur und Sprache aus dem Feld der Architektur eine Struktur für den sozialen, politischen und geschlechterspezifischen Raum schaffen können. Die Arbeiten zeigen, wie Architektur symbolische Ordnungen verkörpert und dabei immer neue Formen von Körperpolitik hervorbringen kann.

Weitere Informationen unter: www.mariann-steegmann-institut.de

131 Filme aus 43 Ländern auf Ihrem Bildschirm: Das Festival präsentiert großes Dokumentarfilmkino in seinen Wettbewerben und weitere Film-Highlights in den Programmsektionen. Das virtuelle Rahmenprogramm mit Eröffnung und Filmgesprächen garantiert ein digitales Festivalgefühl.

Das Festivalprogramm und den Ticketvorverkauf finden Sie ab sofort unter www.dokfest-muenchen.de.

und neuerdings auf Instagram; @filmsymposium.bremen

Wir freuen uns auf Euch und Sie!

Wenn Sie an einer oder mehreren Veranstaltungen teilnehmen möchten, so schicken Sie bitte eine Mail an Katharina Gossen und Sie bekommen die Zoom-Zugangsdaten.

Montag, der 19. April 2021

1. Bewerber/in

09:00 - 09:45 Uhr Wissenschaftlicher Vortrag  „Verbindende Stoffe: Zur textilen Rekonfiguration von öffentlichen Räumen“ mit anschließender Diskussion
09:45 - 10:30 Uhr Lehrprobe „Skin matters? Historische und gegenwärtige Bilddiskurse über Hautfarben“ mit anschließender Diskussion
10:30 - 10:45 Uhr Gespräch mit Studierenden

2. Bewerber/in

12:00 - 12:45 Uhr Wissenschaftlicher Vortrag „Queere Interieurs: Interventionen in ein Genre und Perspektiven nicht-normativer Habitate“ mit anschließender Diskussion
12:45 - 13:30 Uhr Lehrprobe  „Feministische Postmoderne - Ordnungen der Zeichen in Text und Bild“ mit anschließender Diskussion
13:30 - 13:45 Uhr Gespräch mit Studierenden

Montag, der 26. April 2021

3. Bewerber/in

09:00 - 09:45 Uhr Wissenschaftlicher Vortrag „Skulpturen außer sich. Anmerkungen zu den „Assemblagen“ von Isa Genzken“ mit anschließender Diskussion
09:45 - 10:30 Uhr Lehrprobe „Genre und Gender in Le Bonheur de Vivre (1905/06) von Henri Matisse“ mit anschließender Diskussion
10:30 - 10:45 Uhr Gespräch mit Studierenden

4. Bewerber/in

12:00 - 12:45 Uhr Wissenschaftlicher Vortrag „The Maternal Turn in Contemporary Art” mit anschließender Diskussion
12:45 - 13:30 Uhr Lehrprobe “Olympia’s Maid” Class session as part of the seminar course: “Feminist Histories of Modern Art” mit anschließender Diskussion
13:30 - 13:45 Uhr Gespräch mit Studierenden

Am 24. April um 18 Uhr veranstalten sie über Zoom ein Künstler*innengespräch auf Englisch. Alle Interessierten sind ganz herzlich dazu eingeladen!

" [...] In der Kommunikation der einzelnen Arbeiten untereinander und in ihrer räumlichen Überlagerung entstehen inter-korporale Symbiosen. Das ist ganz wörtlich zu verstehen, meint ein symbiotisches System doch die Verflechtung von Organismen, die auch die Vergesellschaftung von Individuen umfasst. Damit berührt die Ausstellung ganz basale Fragen einer Öffentlichkeit, in denen sich auch die radikale Zeitgenossenschaft beider Künstler*innen widerspiegelt – musste im vergangenen Jahr doch häufig noch einmal ganz Grundlegendes verhandelt werden: Wo endet mein Körper? Wo beginnt dein Körper? Wo können sich unsere Körper treffen? Also: Wie nah dürfen wir uns kommen, ohne einander zu gefährden, zu bedrängen oder einzuengen? Wann wirkt Interkorporalität – ganz wörtlich als physische Interaktion zwischen Körpern, aber auch als Erkenntnis jenseits individualistisch-teleologischer Positionen, wie sie Maurice Merleau-Ponty beschreibt – produktiv, wann destruktiv? [...] " (Auszug aus "Inter-Korporale Symbiosen" von Mira Anneli Naß). Den kompletten Text können Sie hier lesen.

Synopsis: Die Triangel war immer ein weitläufig unterschätztes Instrument. Sie spielte immer nur die zweite Geige oder besser, sie spielte bloß die Triangel. Doch dann kam ein Mann und beinahe eigenhändig revolutionierte er die gesamte Musikwelt. Ein Mann verhalf dem Metallstab mit drei Ecken zu dem, was er heute ist: Rock’n’Roll. Aber Rock’n’Roll verändert einen Menschen. Der Aufstieg und Fall eines Triangel-Solisten. Der Aufstieg und Fall des Richie Myles.

Der Preis ist gestiftet vom Senator für Kultur.

Weitere Informationen zum Film.
Zum Wettbewerbsprogramm.

Hg. Irene Nierhaus, Kathrin Heinz
transcript Verlag 2020, Schriftenreihe wohnen +/- ausstellen, Bd. 7

Mit einer Einleitung von Irene Nierhaus

Diskussion mit:

• Monika Ankele, Historikerin, Wien
• Gabu Heindl, Architektin, London/Wien
• Elke Krasny, Kulturtheoretikerin, Wien
• Henrike Naumann, Künstlerin, Berlin
• Irene Nierhaus, Kunstwissenschaftlerin, Bremen/Wien
• Brigitte Voykowitsch, Journalistin, Wien

Moderation: Kathrin Heinz, Kunstwissenschaftlerin, Bremen

Zoom-Link: https://uni-bremen.zoom.us/j/97430967526?pwd=cmdPRVRKYS96QVU3L3FrVGNQcWhnQT09

Meeting-ID: 974 3096 7526
Kenncode: 643920

Zum Buch

Unbehaust Wohnen ist ein zentraler Teil der Geschichte und Theorie des Wohnens und wird dennoch häufig vergessen, verborgen, zum Diskurs allein von Spezialist_innen gemacht oder als ein ,Anderes' zu einem sichernden und ,eigentlichen' Wohnen verhandelt. Dem positiv gedachten Wohnen als Existenz und Heim/at steht also immer auch ein unbehaustes Wohnen zur Seite: Zerstörtes Wohnen in kriegerischen Konflikten, verlorenes Wohnen in Migrationen, temporäres Wohnen in Obdach- und Wohnungslosigkeit, prekäres Wohnen in ökonomischer, emotionaler und körperlicher Unversorgtheit, beängstigendes Wohnen in Subjektkrisen. Der Band nähert sich verschiedenen Zugängen und Ebenen eines Unbehausten aus kunst- und kulturwissenschaftlicher, philosophischer, historischer, ethnografischer, architekturtheoretischer, psychiatrischer sowie künstlerischer Perspektive.

Mit Beiträgen von
Monika Ankele, Christian Berkes, Henning Bleyl, Klaas Dierks und Michaela Schäuble, Burcu Dogramaci, Mehmet Emir, Gabu Heindl, Birgit Johler, Elke Krasny, Irene Nierhaus, Salvatore Pisani, Franziska Rauh, Drehli Robnik, Michael Schödlbauer, Astrid Silvia Schönhagen, Anna Steigemann und Amer Darweesh, Annette Tietenberg, Michalis Valaouris, Ann Varley.

https://www.transcript-verlag.de/978-3-8376-5122-5/unbehaust-wohnen/

Eine Veranstaltung des Forschungsfelds wohnen+/-ausstellen, Institut für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik/ Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender an der Universität Bremen in Kooperation mit dem Institut für das künstlerische Lehramt der Akademie der bildenden Künste Wien.

www.mariann-steegmann-institut.de
www.akbild.ac.at/

Zu dem Plenum sind alle sehr herzliche eingeladen.

Zoom-Meeting: https://uni-bremen.zoom.us/j/94260089711?pwd=STdNc3E0cm5xR1dObFBLK0R5U3M2QT09

Meeting-ID: 942 6008 9711
Kenncode: 37=Ava

Die Veranstaltung beginnt pünktlich um 11 Uhr.

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Das Mariann Steegmann Institut Kunst & Gender ist als Kooperationspartnerin der Universität und dem Institut für Kunstwissenschaft - Filmwissenschaft - Kunstpädagogik (IKFK) an dem Master „Kunst- und Filmwissenschaft“ beteiligt. Es fördert entsprechend seiner Maximen der Nachwuchsförderung eine frühzeitige Einbindung der Studierenden in vielfältige Forschungszusammenhänge und in die Formate des Forschungsschwerpunktes wohnen+/-ausstellen (Vorträge, Workshops, Tagungen). Die Präsenzbibliothek dient als Studier- und Wissensraum u.a. mit den Schwerpunkten kunstwissenschaftliche Genderforschung, Wohngeschichte, Raumtheorie und Künstler*innenforschung.

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Kontakt: wohnen@uni-bremen.de
Website: www.mariann-steegmann-institut.de

Facebook: de-de.facebook.com/MariannSteegmannInstitut/
Instagram: www.instagram.com/mariann.steegmann.institut/

Datum: Donnerstag, 29.10.2020
Uhrzeit: 11:00 Uhr
Raum: Virtuelle Veranstaltung

gern machen wir euch auf diese Ausstellung während der O-Woche aufmerksam. Kommt gern vorbei und vernetzt euch.

Achtung! Verschoben. Der neue Termin wird mitgeteilt
Humboldstraße 94, Bremen

Euer StugA Kunst

Wir begrüßen die neuen Master-Studierenden am IKFK (Institut für Kunstwissenschaft - Filmwissenschaft - Kunstpädagogik) und wünschen einen guten Studienbeginn.

Die Begrüßungsveranstaltung am 28. Oktober beginnt um 15 Uhr. Da wir dieses Jahr die Begrüßung online durchführen müssen, bitten wir Sie um eine Anmeldung bei Frau Gossen Auf diesem Weg erfahren Sie alle weiteren Informationen und die Zugangsdaten.

Am 29. Oktober um 11 Uhr öffnet das Mariann Steegmann Institut Kunst und Gender (MSI) seine  Türen und seine Präsenzbibliothek für Sie,. Weitere Informationen bekommen Sie hier

Mi. 02.09.2020, 20:00 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen, begleitend zur Ausstellung »Birgit Jürgenssen. Ich bin.« im Museum Weserburg, Bremen,

wg der Corona-Verordnung kann die Sitzplatzzahl im CITY46 begrenzt sein. Es empfiehlt sich eine Ticket-Reservierung: https://www.city46.de/service/kartenreservierung

Die Filme:

| Mara Mattuschka | NabelFabel | A 1984 | 4:00 | 16mm
| Maria Lassnig | Selfportrait | A 1971 | 5:00 | 16mm
| Valie Export | Hyperbulie | A 1973 | 7:00
| Katrina Daschner | Pferdebusen | A 2017 | 9:00
| Nina Yuen| Evelyn | 2019 | 6:11
| Martha Rosler | Semiotics of the Kitchen | USA 1975 | 5:30
| Eva Heldmann| Johnny oder das rohe Fleisch | BRD 1984 | 4:00
| Lydia Schouten | Echoes of Death -Forever Young | NL 1986 | 14:30
| Friedl vom Gröller | Ich auch, auch, ich auch | A 2012 | 2:00 | 16mm

Zum Inhalt: Die aufstrebende Drehbuchautorin Miriam begleitet aus Recherchezwecken den jungen Deutschpolen Dawid und seine Freunde im Alltag und löst dabei einen Konflikt aus, der droht, die Gruppe zu spalten. Doch Dawid hat ein besonderes Interesse an Miriam und versucht die Situation zu retten.

Mehr auf der Förderseite http://www.filmbuero-bremen.de/hinter-deinen-augen/

Mehr zum KUNSTGRIFF https://kunstgriff.de/events/kunstgriff-042020-kunstgriff-rolle/

Dauer der Ausstellung: 12. Juli bis 13. September 2020

Eine Vernissage und weitere Veranstaltungen im Zusammenhang mit der Ausstellung werden unter den gegebenen Umständen voraussichtlich leider nicht stattfinden.

Allgemeine Hinweise zum Besuch von Ausstellungen und möglichen Veranstaltungen in der Städtischen Galerie entnehmen Sie bitte unserer Homepage unter www.staedtischegalerie-bremen.de

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Di. 07.07.2020, 20:00 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:

|  Kenneth Anger | Fireworks | 1948 | 14:00
|  Jack Smith | Hot Air Specialists | 1970 | 7:00
|  Michael Brynntrup | Liebe, Eifersucht und Rache | 1991 | 7:00
|  Marie Losier | The Touch | 2001 | 6:00
|  Marie Losier | Papal Broken Dreams | 2008 | 6:00
|  Celeste Chan | Absence: No Fats, No Fems, No Asians | 2014 | 7:17
|  Daniel Moshel | MeTube: August sings Carmen 'Habanera' | 2013 | 4:00

Das zentrale und in dieser Form einzigartige Kennzeichen des Studienangebots ist die Verbindung von universitärer wissenschaftlicher Qualifikation und anwendungsorientierter Forschungs- und Projektarbeit: Ein Schwerpunkt dieses Masters liegt auf der regionalen und überregionalen Kooperation mit renommierten Archiven und Sammlungen sowie mit herausragenden Kulturinstitutionen. Studieninhalt ist eine sowohl systematische als auch exemplarische Erarbeitung von theoretischen, ästhetischen, historischen und berufspraktischen Kenntnissen in den dialektischen Zusammenhängen von Kunst, Film und Gesellschaft. Grundlage ist die Analyse der spezifischen Gegenstände der bildenden Künste, des Films und der (audio-)visuellen Kultur, sowie die Untersuchung der historischen, sozialen und intellektuellen Produktionsprozesse und Rezeptionsbedingungen. Die Auseinandersetzung mit Geschichte, Ästhetik und Produktionskontexten von Film und Kunst umfasst die Formen und Dispositive ihrer (politischen) Teilhabe an gesellschaftlichen Diskursbildungen sowie an sozialen Handlungskulturen.

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Geplant war das nicht. „Ich hatte vorher nicht gedacht, ich mache was zum Thema Quarantäne“, sagt Lüdemann. Die Serie sei beim Improvisieren entstanden. Innerhalb weniger Stunden waren die Skulpturen fertig. „Wie aus einem Affekt heraus.“ Hauptbestandteil der meisten Skulpturen der Reihe ist Schaumstoff. Zusammengehalten wird er mit Zurrbändern. Doch zuerst waren die alten Matratzen da.

Den vollständigen Artikel von Olga Gala (Weser Kurier) weiterlesen.

Wir verlieren mit Jörg Holkenbrink einen immer interessierten und diskussionsfreudigen Gesprächspartner, Lehrenden und Bildungsforscher. Seine weite Belesenheit, sein neugieriges Fragen, seine tiefe Intellektualität erlaubten es ihm, sich zwischen den Disziplinen hin und her zu bewegen und hinter den Differenzen die Berührungspunkte auszuloten. Damit hat er in den Fachbereichen, die seit Jahren Mitglied im Zentrum für Performance Studies sind, neue Perspektiven und Handlungsdispositionen für die Studierenden wie die Lehrenden angeregt.

Seiner Offenheit nicht nur für alle wissenschaftlichen Fragen und das weite Feld der kulturwissenschaftlichen Theorien, sondern auch und insbesondere für Studierende und Kolleg*innen, die sich mit diesen Fragen auseinandersetzten, verdanken wir viele Impulse. Kunst, Theater und Kreativität, so lautete eines seiner Credos, sind spezifische Modi von Forschung und keinesfalls Gegensätze.

Im Methodischen streng, war es ihm zugleich ein großes Anliegen, dass Studierende ihren eigenen Weg suchten. Dabei hat er alle mit seinen weiten Kenntnissen und großer Sensibilität unterstützt.

Als Intellektueller und Hochschullehrer hat er die Gründungszeit der Universität Bremen und deren Reformansätze in Praxis umgesetzt und weitergedacht. Von dieser Erfahrung geprägt, hat er manche Erscheinung der Universität heute kritisch gesehen. Das erste Buch, der zahlreichen Publikationen, die im Rahmen der Arbeit des TDV in den letzten Jahren erschienen sind, trägt den Titel: Tragt Masken, schont das eigene Gesicht. Das Theater der Versammlung - Performance zwischen Bildung, Wissenschaft und Kunst (1996). Im April 2020, einer Zeit, in der die Theater auf unbestimmte Zeit geschlossen sind, hat der Titel angesichts des Wirkens von Jörg Holkenbrink eine große Bedeutungsvielfalt und ist aktueller den je, da die ganze Welt zur Bühne wird.

Er wird uns fehlen. Wir trauern mit seiner Familie, mit den Mitgliedern und Freunden des Theaters der Versammlung und des Zentrums für Performance Studies und allen, die ihm nahe standen.

Die Mitglieder des Zentrums für Performance Studies und des Theaters der Versammlung

Eine Information für Studierende der Studiengänge BA Kunst-Medien-Ästhetische Bildung, MA Kunst- und Filmwissenschaften, Med. Kunst-Medien-Ästhetische Bildung.

1. Stimmt es, dass das IKFK geschlossen ist?

• Das ist korrekt, das IKFK ist geschlossen.  
• Sie erreichen alle Lehrenden per E-Mail und die Sekretariate per E-Mail und Telefon. Haben Sie jedoch aufgrund des derzeit hohen Mailverkehrs Geduld mit den Antwortzeiten. 

2. Sind alle Lehrveranstaltungen nur noch online?

• Ja, wir planen derzeit das gesamte Sommersemester 2020 als Online-Lehre.  
• Für den Fall, dass im weiteren Verlauf des Semesters doch noch Präsenz-Lehre möglich wird, können wir dann noch (einige) Präsenzveranstaltungen realisieren. Derzeit halten wir dies aber für unwahrscheinlich.  

3. Wann beginnt die Online-Lehre?

• Die Online-Lehre beginnt am 20.4.2020.
• Bitte haben Sie Verständnis, dass aufgrund der Umstellung auf Online-Lehre die detaillierten Informationen zu den Lehrveranstaltungen auf StudIP erst am 18.4. frei geschaltet werden können.  
• Bis zum 18.4. ist es auch möglich, dass wir einzelne Veranstaltungen absagen oder Themen von Veranstaltungen im Rahmen des Modulkatalogs ändern müssen.  
• Es wurden in der letzten Zeit einige neue Veranstaltungen in der Praxis hinzugefügt. Diejenigen, die in einem Praxiskurs auf der Warteliste stehen, bitten wir, sich in die freien Kurse umzumelden. 

4. Wie muss ich mir Online-Lehre vorstellen?

• Online-Lehre ist anders aufgebaut als ein Seminar oder eine Vorlesung in Präsenz. Die Veranstaltungen sind in thematische Blöcke strukturiert, die Input von Dozenten, Eigenarbeit, Input von Studierenden und synchronen Austausch umfassen.
• Wir erstellen derzeit für alle Studiengänge des IKFK ein Rahmenkonzept, das unsere Standards festlegt und dann in den verschiedenen Modulen bzw. Seminaren auf die jeweiligen Bedürfnisse angepasst wird.

5. Wenn es nur Online-Seminare gibt, ist dann mein Stundenplan beliebig?

• Nein, das ist er nicht. Manche Teile der Seminarinhalte werden “asynchron” sein, können also in einem bestimmten Zeitrahmen (bspw. in 3 Tagen oder einer Woche) bearbeitet werden. Andere werden “synchron” sein (bspw. gemeinsame Online-Diskussionen). Für diese synchronen Teile benötigen wir nach wie vor bestimmte Zeitfenster.
• Entsprechend bleibt es wichtig, Überschneidungen zu vermeiden.

6. Gibt es Lehre in den Praxiskursen M3 und M7?

• Gerade für die Praxiskurse ist die Online-Lehre eine große Herausforderung. Wir prüfen derzeit , welche Seminare sich auch als Online-Lehre realisieren lassen.
• Seminare, für die dies nicht geht, werden wir leider im Sommersemester absagen müssen.

7. Wie gebe ich meine Hausarbeiten, Forschungsberichte und Praktikumsberichte ab?

• Bitte laden Sie diese als PDF mit allen notwendigen Anhängen in den dafür vorgesehenen geschützten STUD.IP-Hausaufgaben-Ordner der Veranstaltung hoch.
• Der Upload des Dokuments gilt als Abgabe.

8. Wie beantrage ich meine BA- und MA-Arbeiten?

Zur Zeit gilt folgendes Verfahren:

• Bitte Antrag auf Zulassung ausgefüllt und mit eingescannter Unterschrift an die Gutachter*innen mailen.
• Diese müssen ebenfalls ihre Unterschriften einscannen und den Antrag dann an das ZPA mailen.
• Die Zulassung erfolgt nach Eingang der Mail/Mails mit den eingescannten Unterschriften.
• Den Originalantrag mit den Originalunterschriften braucht das ZPA dennoch für die Akte; er kann später nachgereicht werden.

9. Wie ist es mit der Abgabefrist für BA- und MA-Arbeiten?

• Für Bachelor- und Masterarbeiten, deren Bearbeitungszeitraum bereits läuft, wird die Bearbeitungszeit pauschal zunächst um zwei Monate verlängert;
• im Fall der Fortdauer staatlich veranlasster Virenschutzmaßnahmen beschließt das Rektorat über entsprechende Verlängerungen dieser Frist.
• Ein gesonderter Bescheid über die Verlängerung wird nicht erstellt bzw. zugesandt. Beispiel: Das reguläre Abgabedatum im Bescheid ist der 27.3. Das neue Abgabedatum ist nun der 27.5.2020.
• Fällt das neue Abgabedatum auf einen Sonn- oder Feiertag, verschiebt sich die Frist auf den darauffolgenden Werktag.
• Die pauschale Fristverlängerung um zwei Monate gilt auch für Bachelor- oder Masterarbeiten, die bis zum 20. April 2020 zugelassen/ formal begonnen werden.

10. Wie gebe ich meine BA- und MA-Arbeiten ab?

• Bitte übersenden Sie Ihre Arbeit als PDF (inkl. aller Anhänge) ohne Passwortschutz an das ZPA (zpa-sekretariat@uni-bremen.de) sowie an beide Gutachter*innen (nicht in getrennten Mails!).
• Benennen Sie die Dateien wie folgt: BA_Fach_Nachname_Matrikelnummer (Beispiel: BA_KMÄB_Mustermann_123456.pdf) bzw. MA/MAed_Fach_Nachname_Matrikelnummer (Beispiel: MA_KFW_Muster- mann_123456.pdf).
• Sollte Ihre Arbeit mehrere Teile haben, ergänzen Sie bitte den Dateinamen um den Zusatz Teil 2, Teil 3, etc.
• Die Erklärungen (Urheber/ PlagScan / Archivierung) werden auch als eigene Datei sowie mit eingescannter Unterschrift akzeptiert. Diese Datei ist zusammen mit der Arbeit zu versenden.
• Das Vermailen des Dokuments gilt als Abgabe.  

11. Ich habe Probleme, meine Hausarbeit, BA-Arbeit, MA-Arbeit fristgerecht fertigzustellen, weil ich nicht an die notwendige Literatur komme oder die Datenerhebung nicht klappt wie geplant . Was kann ich tun?

• Bitte wenden Sie sich an den Erstbetreuer bzw. die Erstbetreuerin.
• Sie / er wird mit Ihnen eine angemessene Lösung finden.

12. Ich studiere Kunstpädagogik und habe alle Module, bis auf das Praxissemester. Das kann ich nun aber nicht absolvieren, weil die Schulen geschlossen sind. Was soll ich tun?

• Bitte wenden Sie sich mit dieser Frage direkt an Frau Prof. Dr. Maria Peters

13. Wie laufen Sprechstunden ab?

•  Sprechstunden finden wie gehabt zu den feststehenden Zeiten statt. Bitte nutzen Sie hier also die gewohnten Anmeldemöglichkeiten über Stud.IP oder bei dem/der Dozent/in direkt per Mail.
• Die Sprechstunde selbst wird dann telefonisch oder per Online-Video- Übertragung durchgeführt. Ihre Dozentin / Ihr Dozent teilt Ihnen individuell mit, wie.

14. Wie bekomme ich meine Scheine?

• Wir können Sie Ihnen per Post schicken, sofern sie uns vorliegen.  
• Dazu müssen Katharina Gossen Ihre Postadresse mitteilen 

15. An wen kann ich mich für Fragen und Probleme im Studienalltag wenden?

• Ab sofort stehen Tobias Dietrich (Fr, 16.00-18.00 Uhr, 0421 218 67728) und Amelie Ochs (Mi, 14.00-16.00 Uhr, 0421 218 67713) als Vertrauensdozent*innen telefonisch (oder per E-Mail) zur Verfügung für Fragen, die nicht (!) innerhalb der Lehrveranstaltungen und bei den zuständigen Stellen (Studienfachberatung, Praxisbüro, BAföG-Beratung, Psychologische Beratung etc.) geklärt werden können.

16. Ich habe keinen dauerhaften Zugriff auf ein Endgerät, keine Möglichkeit Ton-/Bildaufnahmen zu machen oder keine leistungsstarke/durchgehende Internetverbindung haben. Was kann ich machen?

• Bitte wenden Sie sich an Ihre/n Seminarleiter/in

Die Spring School wurde von Bettina Henzler (Universität Bremen) und Stefanie Schlüter in Kooperation mit dem Arsenal – Institut für Film und Videokunst (Berlin) und der Bundeszentrale für politische Bildung (bpb) konzipiert.

Weiter Informationen

Bitte kontaktieren Sie uns telefonisch oder per E-Mail und besuchen Sie uns bitte nicht im GW2.

Hinweise, Fragen und Antworten zum Coronavirus: https://www.uni-bremen.de/coronavirus/ 

Mit freundlichen Grüßen

Ihr IKFK

Künste und Visuelle Kultur produzieren Vorstellungswelten des Bewohnens, Wohnens und des Verhäuslichens in spezifischen Bild- und Medienform(at)en und Darstellungsweisen. Sie machen das abstrakte Geflecht des Domestischen anschaulich und greifbar.
 
Das Domestische ist ein Geflecht aus den unterschiedlichsten Diskursen zur gesellschaftlichen Formation des Wohnens bzw. des Wohnens als normalisierender Aufenthalt innerhalb des Sozialen. Darin werden Beziehungen zwischen Bewohner*innenschaft, Räumlichkeit und Objekten/Dingen gestaltet. Mit der Moderne seit 1800 werden diese Beziehungen als identitätsproduzierende Verhältnisse in Subjektivierungs- und Gemeinschaftsbildungsprozessen konzipiert, gelebt und fortwährend ästhetisch entworfen und in Bildlichkeit transformiert.
 
Wohnen, Bewohnen und Bewohner*innenschaft werden dabei in verschiedenen Bildsorten, Genres (u.a. Interieurbild, Stillleben, Familienszenen), in Bildstrategien und visuellen Verfahren zu sehen gegeben. Im Zeigen der Bilder werden (An)Ordnungen, Prinzipien, Praxis und Poiesis vom Wohnen, Häuslichen und Domestischen augenscheinlich.
 
Thema der Tagung ist, wie Wohnen, das Domestische und Häusliche als beziehungsräumliche, materielle und psychische Umwelt historisch und gegenwärtig ins Bildliche gesetzt wird. Wie formieren und konfigurieren ästhetische Strukturen Vorstellungen des Wohnens? Wie bringen Visualisierungen des Materiellen und Räumlichen diese hervor? Was tun, wie agieren Bildmedien, um Wohnen und Häuslichkeit zu erzeugen? Was wird ins Bild gesetzt, was angedeutet und was wird nicht zu sehen gegeben? Ob und wie haben sich Bilder des Wohnens historisch verändert? Wie werden Ordnungen, Normierungen und Idealisierungen des Domestischen bildlich angeordnet? Welche politischen und utopischen Vorstellungen verbinden sich damit? Wie produzieren Künstler*innen und visuelle Gestalter*innen Wohnen, wo bleiben sie in Konventionen, woran knüpfen sie an, welche Bildlichkeiten kritisieren sie, welche entwerfen sie?
Mit der Perspektivierung der Tagung steht nicht nur die grundsätzliche Bildlichkeit von Wohndiskursen im Fokus, sondern zugleich die Frage nach den Bedeutungsproduktionen und -verschiebungen, die die Bilder hervorbringen. 
 
Zur Debatte steht das Mannigfaltige wie das Reproduktive, das Innovative wie das Affirmative der Bilder - und damit die Potenzialität des Bildlichen im Wohnen.
 
Begrüßt werden Beiträge zu Bildlichkeiten des Wohnens, des Häuslichen und des Domestischen in Geschichte und Gegenwart der Künste wie der Visuellen Kultur und der Medien in konkreten Gegenstandsanalysen sowie in kultureller, gesellschaftlicher und gesellschaftspolitischer Kontextualisierung.
 
Mögliche Themenbereiche:  

• Auseinandersetzungen mit visuellen Praktiken und Strategien des Wohnens
• Auseinandersetzungen mit Bildkulturen des Materiellen des Wohnens
• Welche Bildverfahren und Darstellungsweisen werden zur Erzeugung von Wohnen und Häuslichkeit eingesetzt?
• Welche Kritik wird seitens der Künstler*innen und Gestalter*innen formuliert?
• Welche alternativen Bildstrategien und Verfahren wurden und werden entworfen?
• Geschlechterbeziehungen in den verschiedenen Genres der Bilder zum Wohnen
• Geschlecht und Materialität
• Feministische Kritik an der Bildkultur des Wohnens
• Gesellschaftskritische Beiträge in Bezug auf Bilder (z.B. Wohnen als Ort des Biopolitischen, von Normalisierungen und von Sexualitäten)
• Untersuchungen von Bildlichkeiten in postkolonialer Perspektive

 Vortragsvorschläge (Titel, Abstract max. 500 Wörter, biografische Angaben) reichen Sie bitte bis zum 15. Mai 2020 per E-Mail an: amelie.ochs@uni-bremen.de
 
Konzept und Tagungsleitung:
Prof. Dr. Irene Nierhaus
Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik / Universität Bremen und Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender
Dr. Kathrin Heinz
Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender
 
Koordination/Organisation:
Amelie Ochs
Wissenschaftliche Mitarbeiterin
 

Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender c/o Universität Bremen, FVG M1060/1061,
Celsiusstr. 2, 28359 Bremen
 

Diese Thematik sollten sich die Studierenden ein ganzes Jahr im Rahmen des Seminars "Erforschung des Alltäglichen" unter der Anleitung von PD Dr. Matthias Duderstadt beschäftigen. Dabei erforschten sie nicht nur unterschiedliche Methoden zur Gestaltung von Plastiken, Gemälden, Inszenierungen etc., sondern setzten sich auch mit aktuellen Kunstdidaktiken auseinander. In einem offenen Prozess näherten sie sich individuell dem Gegenstand an und ließen sich dabei von thematisch ausgewählten KünstlerInnen inspirieren. Unter dem Titel "HAUPTSACHE" stellten sie schließlich ihre entstandenen Werke vom 28.01.-31.01.2020 im Kunsttrakt der Universität Bremen aus. 

Einige Impressionen möchten sie gern an dieser Stelle mit euch teilen.

Zur Unterstützung des Schreibens wissenschaftlicher Projekte (Essays, Hausarbeiten, Abschlussarbeiten etc.) findet jeden Dienstag in den Semesterferien, 4.2.2020, 10:00 - 14:00 Uhr ein Jour Fixe im großen Atelier (GW2 B 3810) statt. Betreut wird das offene Schreibatelier von studentischen Schreibcoaches, die Impulse für den Schreibprozess geben und (auch außerhalb des Jour fixe) individuell beraten. Im peer-to-peer-Format können Fragen und Schwierigkeiten, Ideen und Möglichkeiten thematisiert und angegangen werden. Der Raum kann auch genutzt werden, um sich in Gegenwart von anderen auf die eigene Arbeit zu konzentrieren.

Studierende der Fachbereiche 9 und 10 sind herzlich eingeladen, in diesem Rahmen an eigenen Projekten zu arbeiten. Eine Anmeldung ist nicht notwendig. Um Änderungen und weitere Aktivitäten im Bereich des Schreibcoachings zu erfahren, können Sie sich jedoch gerne über Stud.IP anmelden.

Kontakt: Britta Petersen/Dr. Bettina Henzler

Vortrag:

Susanne von Falkenhausen, Berlin
Was tun mit der Macht der Bilder? Über Identität und Zensurbegehren
22. Januar 2020, 18.00 Uhr
Universität Bremen, SFG 1040

Die heute aktuelle Floskel von der Empörungsgesellschaft findet ihre Anlässe oft in Bildern quer durch die Medien, aber eben auch in der Kunst. Und so ist die Rede von der Macht der Bilder wieder präsent. Die Macht der Bilder ist jedoch eine geliehene, ihnen verliehene, von Individuen und Gesellschaften. Das Phänomen der Kunstskandale ist nicht neu, allerdings haben sich Art und Grad der identitätsorientierten Militanz, welche sich an Bildern entzündet, verändert. Der Vortrag analysiert das Phänomen und nimmt Stellung zu den meist hilflosen Versuchen, es zu erklären und sich ihm gegenüber zu verhalten.

Workshop zum Vortrag

mit Susanne von Falkenhausen
Rassismus, Diskriminierung, Zensur in der aktuellen Kunst
23. Januar 2020, 15.00–18.00 Uhr
Universität Bremen, GW2 3770

In den letzten Jahren häuften sich die Konflikte um Bilder, die als diskriminierend verstanden wurden. Es gibt also zahlreiche Anlässe, über Identität, Diskriminierung und Zensur in der Kunst nachzudenken. Diskussionsgrundlage sind zwei Arbeiten, die in den letzten Jahren Debatten ausgelöst haben, weil sie Identitäten und ihre Verletzungen radikalpräsentiert haben: Dana Schutz: Open Casket, 2016 und Kara Walker: A Subtlety - an Homage tothe unpaid and overworked Artisans who have refined our Sweet tastes from the cane fields to the Kitchens of the New World on the Occasion of the demolition of the Domino Sugar Refining Plant, 2014.

Vortrag und Workshop am 22./23. Januar gehören zum Schwerpunkt privat +/- öffentlich: neue bildmediale Perspektiven. Konzept: Elena Zanichelli

+/-

Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. Leitung und Konzept: Irene Nierhaus, Kathrin Heinz
studio ist die Vortragsreihe des Forschungsfeldes, Koordination und Durchführung: Christiane Keim
weitere Wnformationen
www.mariann-steegmann-institut.de
keim@uni-bremen.de

Analoge Filme werden nicht nur projiziert und angeschaut, sondern mit ihnen wird auch hantiert. Sie werden zusammengefügt und wieder auseinandergenommen, an verschiedenen Orten aufgeführt, gesammelt, restauriert und eingelagert – oder im Gegenteil: vergessen, entsammelt und zerstört. Filme sind also nicht nur ästhetische Gegenstände der Anschauung, sondern gleichermaßen prekäre materielle Objekte, die über eigene mikropolitische Geschichten verfügen und kulturelle Praktiken des Umgangs mit ihnen notwendig machen. Diese Praktiken werden wiederum von Filmemacher*innen wie Yervant Gianikian und Angela Ricci Lucchi aufgegriffen und reflektiert. Filme können daher als ‚verteilte Objekte’ in Alfred Gells Sinn verstanden werden. Der Vortrag zeigt, wie eine medienarchäologische Filmforschung vorgeht, um die spezifischen Materialien, Praktiken und Diskurse zu identifizieren, die in der Produktion und Rezeption von Filmen historisch virulent geworden sind.

Die Veranstaltungsreihe "Diskurse – Dispositive - Dislpays. Einführung in die Forschungspraxis" findet im Rahmen des ForstAintegriert-Projekts (Forschendstudieren von Anfang an) im BA Kunst-Medien-Ästhetische Bildung statt. Studierende und Lehrende sind herzlich eingeladen, sich an der Diskussion zu beteiligen.

Zwischen dem, was Lehrer*innen zu vermitteln wünschen und dem, was Schüler*innen sich aneignen, was sie trifft und interessiert, zieht sich ein unumgänglicher Riss. Dies ist der Ausgangspunkt meiner Forschungsarbeit, die sich mit der Frage beschäftigt, wie Lehramtsstudierende schon in der Hochschule dazu angeregt werden können, sich als angehende Lehrperson auf die Unwägbarkeit und Unbestimmtheit (kunst)pädagogischer Prozesse einzulassen. Auf der Grundlage eines bildungsphilosophischen Lehr- und Lernverständnisses wird ein hochschuldidaktisches Setting entwickelt, erprobt und grundlagentheoretisch reflektiert, in dem Lehramtsstudierende eigene pädagogische Praxiserfahrungen mithilfe fotografischer Bilder behutsam reflektieren können. Es wird an mehreren Fallbeispielen gezeigt, wie sich im Ausbreiten von Einzelbildern und Bildsequenzen eine wahrnehmungsbezogene und kritische Reflexionspraxis entwickeln kann und wie im präzisen Auslegen der Fotografien rückblickend neue Deutungen des Erlebten auftauchen können. Es können unerwartete Lesarten entstehen, die sich wortwörtlich Blatt für Blatt weiter entfalten.

Entgegen des aktuell dominierenden Verständnisses von „Reflexion als didaktische Problemlösung“ geht es in dieser Arbeit um Reflexion als eine responsive Praxis und Spurensuche.

Zitat aus: Wyss, C. (2013):Unterricht und Reflexion. Eine mehrperspektivische Untersuchung der Unterrichts- und Reflexionskompetenz von Lehrkräften. Waxmann, Münster/New York.

Die Veranstaltungsreihe "Diskurse – Dispositive - Dislpays. Einführung in die Forschungspraxis" findet im Rahmen des ForstAintegriert-Projekts (Forschendstudieren von Anfang an) im BA Kunst-Medien-Ästhetische Bildung statt. Studierende und Lehrende sind herzlich eingeladen, sich an der Diskussion zu beteiligen.

Mi. 11.12..2019, 20:00 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen, begleitend zur Ausstellung »Andrea Bowers.Light and Gravity«  im Museum Weserburg, Bremen,

Die Filme:

  | Nina Yuen | Mr. President | 2012 | 4:43
  | Alex Gerbauleit | Die Schläferin | 2018 | 16:30
  | Julika Rudelius | Dressage | 2009 | 8:39
  | Deborah Stratman | Vever (For Barbara)| 2018 | 12:00
  | Sabine Marte | No Beach. Just Sand | 2017 | 14:00
  | Emma Wolukau-Wanambwa | A Short Video about Tate Modern | 2005 | 5:00

C/O Berlin Talent Award

Seit 2006 fördert die C/O Berlin Foundation mit ihrem Nachwuchsprogramm angehende Künstler*innen und Kunstkritiker*innen, die sich mit dem Medium Fotografie auseinandersetzen. Mehr als 80 junge Talente wurden seither mit Ausstellungen und Publikationen unterstützt und einem breiten Publikum vorgestellt, darunter die Fotokünstler*innen Stefanie Moshammer (2018), Sebastian Stumpf (2008) und Tobias Zielony (2007) sowie die Kritiker*innen Andreas Prinzing (2018), Katja Müller-Helle (2012), Steffen Siegel (2009) und Florian Ebner (2006).

Sylvain Couzinet-Jacques ist Preisträger des C/O Berlin Talent Award 2019. Couzinet-Jacques war bereits im letzten Jahr nominiert und stand auf der Shortlist des C/O Berlin Talent Award 2018. Seine herausragende künstlerische Handschrift und kontinuierliche Weiterentwicklung zeigt sich erneut in seiner jüngsten Arbeit Sub Rosa (2017–2019), welche die Jury durch ihre zeitgenössische Sichtweise, dokumentarische Bildsprache und intelligente Verschränkung verschiedener Medien überzeugt hat. Couzinet-Jacques erhält ein Preisgeld von 7.000 Euro und wird mit der Einzelausstellung Sylvain Couzinet-Jacques . Sub Rosa bei C/O Berlin geehrt.
Zur Ausstellung erscheint eine begleitende Publikation bei Spector Books, Leipzig, herausgegeben von Kathrin Schönegg für die C/O Berlin Foundation, mit Texten der parallel ausgezeichneten Kritikerin Mira Anneli Naß.

Mira Anneli Naß (*1989 in Schwäbisch Hall) studierte Kunstgeschichte, Literatur und Theaterwissenschaft in München und Florenz sowie Theorie und Geschichte der Fotografie an der Folkwang Universität der Künste. Als wissenschaftliche Mitarbeiterin arbeitet sie seit 2019 an der Universität Bremen im Fachgebiet Kunstwissenschaft und Ästhetische Theorie. Dort forscht sie zu ihrem Dissertationsprojekt, das sich künstlerischen Narrativen von Überwachung und Macht widmet. Zu ihren jüngsten Publikationen gehören A Complete Negation of our Time. The Photo Book „Bäume“ by Albert Renger-Patzsch and Ernst Jünger in PhotoResearcher 31 (2019) und Krupp’sche Panoramen als Sichtbarkeitsdispositiv. Visuelle Strategien der Narration von (industrieller) Macht in kritische berichte 4 (2018). Mira Anneli Naß lebt und arbeitet in Bremen.

Komplette Pressemitteilung downloaden.

Die drei gesellschaftlichen Bedeutungsfelder Geschlecht, Raum und Künstlerschaft werden ausgehend von den Konzepten des Diskurses (hier des Geschlechts), des Displays (hier des Raumes) und des Dispositivs (hier der Künstlerschaft) in ihrer Überblendung an Beispielen aus der Malerei des frühen 19. Jahrhunderts untersucht. Dabei wird das Spannungsverhältnis von Wohnraum/bild und Kunstraum/bild (Atelier) in seinen Bezügen zu Geschlechtervorstellungen thematisiert. Ausgehend von einem geschlechter- und repräsentationskritischen Forschungsinteresse werden an diesen Beispielen konkrete Forschungs(irr)wege aufgezeigt.

Die Veranstaltungsreihe "Diskurse – Dispositive - Dislpays. Einführung in die Forschungspraxis" findet im Rahmen des ForstAintegriert-Projekts (Forschendstudieren von Anfang an) im BA Kunst-Medien-Ästhetische Bildung statt. Studierende und Lehrende sind herzlich eingeladen, sich an der Diskussion zu beteiligen.

Die Studierenden entwickelten, realisierten und evaluierten gemeinsam das anspruchsvolle Ausstellungsprojekt und nahmen auch wichtige persönliche Erfahrungen mit. Die Jury überzeugte, dass das Seminar einen hervorragenden Beitrag zur Förderung der Eigenständigkeit und der zukünftigen Berufspraxis der Studierenden geleistet hat. 

Über den Berninghausen-Preis

Seit 1991 verleihen die Universität Bremen und die „unifreunde - Freunde der Universität Bremen und der International University Bremen e.V." jährlich den von der Familie Berninghausen gestifteten Preis, um besondere Leistungen in der universitären Lehre auszuzeichnen. Der Preis ist mit 6.000 Euro dotiert und kann auf mehrere Kategorien verteilt werden. Alle Mitglieder der Universität können Lehrende dafür vorschlagen. Beim Studierendenpreis sind nur die Studierenden vorschlagsberechtigt. Eine Auswahlkommission, die durch den Akademischen Senat eingesetzt wird, wählt nach sorgfältiger Prüfung die Preisträgerinnen und Preisträger unter den eingegangenen Vorschlägen aus und schlägt sie dem Akademischen Senat zur Beschlussfassung vor.

Elianna Renner (Bremen)
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Die 1977 in der Schweiz geborene und in Deutschland lebende Künstlerin Elianna Renner arbeitet an der Schnittstelle von (Auto)Biografie und Geschichte. Sie hinterfragt auf ästhetisch-visuelle Weise historische Narrative und deren Auslassungen mit dem Ziel, die hinter dem Vergessenen und Verschwiegenen stehenden Machtverhältnisse sichtbar zu machen. Im Mittelpunkt ihres künstlerischen Schaffens stehen dabei immer wieder Geschichten von Frauen*, oft solche, die in den offiziellen Geschichtsschreibungen überhaupt nicht oder nur am Rande vorkommen. Elianna Renner geht es darum, Geschichte(n) als Konstruktion(en) wahrnehmbar werden zu lassen, die sich je nach Erzähler*in neu darstellen. Wissenschaftler*innen sehen sich permanent mit der Frage konfrontiert, wie sie mit dem nie zu erfüllenden Wahrheitsanspruch von Geschichte umgehen können. Diesen Wahrheitsanspruch versucht die Künstlerin als illusorisch zu entlarven. Sie imaginiert, setzt neu zusammen, verknüpft Fiktives mit „Realem“. Sie nutzt dazu eine Vielzahl künstlerischer Medien wie Skizzen, Film, Fotografie, Audio, Text und Installation. Mit ihren Werken zeigt sie auf, dass sich nicht nur persönliche Erinnerungsprozesse fragmentarisch vollziehen, sondern auch kulturelles Gedächtnis wie Geschichtsschreibung grundsätzlich (un)vermeidliche Lücken produzieren.
 
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Der Vortrag gehört zum Programm des Forschungsfeldes wohnen+/-ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Irene Nierhaus, Kathrin Heinz).
Veranstaltet wird die Kuvert-Reihe von der Forschungsgruppe wohnen+/-ausstellen und dem Kolloquium Bild-Raum-Subjekt.
 
Weitere Informationen: www.mariann-steegmann-institut.de
 

Silke Förschler, Christiane Keim, Astrid Silvia Schönhagen (Hg.)
Heim/Tier. Tier – Mensch – Beziehungen im Wohnen
transcript Verlag 2019, Schriftenreihe wohnen+/-ausstellen, Band 6

Tiere und Menschen teilen sich seit jeher ihre Lebensräume. Deutlich zeigt sich dies im Wohnen, wo Tier-Mensch-Beziehungen nicht nur die Gestaltung der Räume, sondern auch die Wohnpraxis wesentlich mitbestimmen. So können Menschen dem lebenden Tier ein Heim geben, umgekehrt kann aber auch das tote Tier als präparierter Tierkörper oder als textile Wohn- und Oberflächengestaltung Teil des Interieurs werden. Die Beiträge des Buches untersuchen mögliche Arten der Einbindung des Tierlichen in Haus und Wohnung und verknüpfen hierzu Ansätze aus dem Bereich der kunst- und kulturgeschichtlichen Wohnforschung mit zentralen Positionen der Human-Animal Studies. Auf diese Weise wird das behauste Wohnen als vermeintlich genuin menschliche Kulturpraxis hinterfragt und neu perspektiviert.

Vortrag

Eva Meijer, Amsterdam
Thinking with birds and dogs in the home: Toward a multispecies philosophy

In order to overcome human bias and challenge anthropocentrism, we need to foreground nonhuman animal agency and voices by, among other scientific approaches, studying more-than-human animals in their habitats. The talk focuses on research that takes place in multispecies households as in the work of a) Len Howard, who studied the behavior of songbirds in and around her cottage in the 1950’s, b) dog trainer and philosopher Vicki Hearne’s work, and c) Meijer’s own political philosophical work with dog companions Doris and Olli. She investigates the meaning of ‘home’ on two levels: the actual home, where humans and other animals build common lifeworlds, and being at home in the world, i.e. how this type of research can contribute to changing larger social and political relations, making the human dominated world more of a home for the other animals.

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. Leitung und Konzept: Irene Nierhaus, Kathrin Heinz
studio ist die Vortragsreihe des Forschungsfeldes, Koordination und Durchführung: Christiane Keim
weitere Wnformationen
www.mariann-steegmann-institut.de
keim@uni-bremen.de
 

Die Teilnahme ist kostenfrei. Um Anmeldung wird gebeten, telefonisch unter 0441 40570 444 oder per Mail an info@landesmuseum-ol.de.

Dem Anhang der Nachricht entnehmen Sie bitte das ausführliche Tagungsprogramm.

Tonfall, Tempo und Rhythmus sagen immer mehr als sich sprachlich fassen lässt. In der Beschreibung der Tonalität der Stimmen sowie in Mimik, Gestik, Haltung, Gangart, Kleidung und Körperschmuck kommt zum Ausdruck, was den/die Einzelne/n in (schulischen) Situationen anspricht, anregt, aufregt, bevor es in Worte gefasst oder in Taten umgesetzt wird. Es sind genau diese pathischen Aspekte der Lernerfahrung, der sich die Vignettenforschung widmet.

Vignetten überführen sensible Momente in schöpferische Ausdrucksformate und verschaffen damit dem Lernen als Erfahrung einen Artikulationsraum. Der „lernseitige“ Blick der Vignette greift ausgewählte, besondere Momente der Lernerfahrung in unterschiedlichen Klassenstufen und Fächern auf und transformiert diese in verdichtete Erzählungen. Dadurch wird die pathische Struktur der Erfahrung prägnant beschrieben. Vignetten verweisen damit auf eine Ausdruckssphäre, in der es Nischen und Winkel für mögliche Lern- und Lehranlässe gibt.

Der Workshop umfasst eine theoretische Hinführung an die phänomenologisch orientierte Forschungsmethode der Vignetten sowie die konkrete Beschreibung von Datenerhebung, -bearbeitung und -analyse im Prozess des Forschens. Anhand der Präsentation und Diskussion von ausgewählten Vignetten wird versucht diese pathischen Dimensionen für Prozesse des Lernens und Lehrens in die Sichtbarkeit zu rücken und fruchtbar werden zu lassen.

Zitat aus: Agostini, Evi, Schratz, Michael, Risse, Erika (2018): Lernseits denken – erfolgreich unterrichten. Personalisiertes Lehren und Lernen in der Schule. Hamburg: AOL.

Die Veranstaltungsreihe "Diskurse – Dispositive - Dislpays. Einführung in die Forschungspraxis" findet im Rahmen des ForstAintegriert-Projekts (Forschendstudieren von Anfang an) im BA Kunst-Medien-Ästhetische Bildung statt. Studierende und Lehrende sind herzlich eingeladen, sich an der Diskussion zu beteiligen.

 Wir möchten Sie /Euch sehr herzlich zu unser  "Von Werkstatt zu Werkstatt" Ausstellung einladen!

Termine

• Freitag ,15.11. 16-18 Uhr ab 18 Uhr "Eröffnungsdrink" im Atelier5
• Samstag, 16.11. 11-18 Uhr,  Sonntag 17.11. 11-18 Uhr

Die Künstlerin Renate Ruck (Oldenburg) zeigt Bilder, Skulptur und Fotografie

Wir freuen uns auf Sie /Euch !

Susann Gähde und Maria-Anna Nordiek

Adressen:

Sandhatten
Atelier 5 Schmuck / Objekt
Maria-Anna Nordiek & Susann Gähde
Huntloser Str.5, 04482 - 81 32

Gastausstellerin:
Renate Ruck – Fotografie/Metal
Martin McWilliam, Wolfgang Jacob & Kristin Meyer - Keramik
Auf dem Kötjen 1, 044 82 – 8372
 

Munderloh/Hatten
Ute Dutzmann - Schmuck
0441 - 59 36 43, u.dutzmann@web.de

Christel Heimbucher - Weberei
Alte Ziegelei, Schoolpat 7
044 82 - 15 71
 

Im Vergleich zur Rezeptionsforschung und zur Inhaltsanalyse ist das Feld der Produktionsforschung zu Film und Fernsehen, aber auch zu anderen ästhetischen Artefakten, randständig. In jüngerer Zeit befassen sich v.a. im anglo-amerikanischen Raum die Production Studies damit, „the cultures of production“ (John Caldwell) zu erforschen. Beschrieben und untersucht werden dabei mikrosoziale Praktiken in der Herstellung etwa von Film- und Fernsehproduktionen.

Während hierbei soziologische und kulturanthropologische Methoden zum Einsatz kommen – z. B. teilnehmende Beobachtung oder Interviews –, weil der Schwerpunkt der Production Studies auf zeitgenössischen Produktionsabläufen liegt, stellt sich die Frage, welche Quellen der Produktionsforschung zu historischen Aretfakten zur Verfügung stehen.

Im Workshop wird exemplarisch der Unternehmens- bzw. der Making-of-Film als ästhetischer Gegenstand und Quelle der Filmproduktionsgeschichtsschreibung vorgestellt und diskutiert. Welche Möglichkeiten bergen diese selbst audio-visuellen Artefakte für die historische Forschung und welches Spannungsfeld zwischen filmindustriell lanciertem Diskurs zur Produktion und einem kulturwissenschaftlichen Erkenntnisinteresse entsteht dabei?

Die Veranstaltungsreihe "Diskurse – Dispositive - Dislpays. Einführung in die Forschungspraxis" findet im Rahmen des ForstAintegriert-Projekts (Forschendstudieren von Anfang an) im BA Kunst-Medien-Ästhetische Bildung statt. Studierende und Lehrende sind herzlich eingeladen, sich an der Diskussion zu beteiligen.

Weitere Infos

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Wohnen – jener vermeintliche Ort des Privaten – ist in der Moderne als gesellschaftlicher Schauplatz figuriert, an dem sich die innenorientiert moderne Subjektivität fortwährend veräußert, ausstellt und ausstellen muss. Wohnen richtet als politische, soziale und kulturelle An-Ordnung Zuschreibungen an Geschlechter, Ethnien, Körper und Nation ein. Das Forschungsfeld ist eine Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender. Leitung und Konzept: Irene Nierhaus, Kathrin Heinz
studio ist die Vortragsreihe des Forschungsfeldes, Koordination und Durchführung: Christiane Keim
weitere Wnformationen
www.mariann-steegmann-institut.de
keim@uni-bremen.de

Zur Eröffnung amDienstag, 29. Oktober um 17 Uhr spricht der Kunstkritiker Jürgen Weichardt (AG Kunst der Oldenburgischen Landschaft).

„In den Diskurs, den ich heute zu halten habe, hätte ich mich gerne verstohlen eingeschlichen“ – mit diesem Satz leitete der französische Philosoph Michel Foucault seine Tätigkeit am Lehrstuhl für die Geschichte der Denksysteme am 2. Dezember 1970 in Paris ein. Die Frage „Wer spricht?“ stellte er nicht ausgehend vom Subjekt (das spricht), sondern von dem Geflecht, dem Dispositiv kombinierbarer Diskurs- und Machtstrukturen, die subjektkonstituierend wirken. Aufgefasst wird das Dispositiv also als Netz, bestehend aus Institutionen, Personen, Praktiken und Diskursen. Die Sitzung stellt die für die kunst- und medienwissenschaftliche Forschung grundlegende Begrifflichkeit aus historischer und gegenwärtiger Perspektive vor.

Mit dem Dispositivbegriff werden heute verschiedene Diskurse und Praktiken des Ästhetischen erfasst. Dabei wird auf das Wechselspiel zwischen apparativen Gefügen und den damit einhergehenden Rezeptions- und Wahrnehmungsmodi einerseits sowie die Relationen von Bildern, Materialitäten und Räumen andererseits gezielt – etwa im kinematographischen Dispositiv in der Installationskunst. Eine weitere wichtige Anwendung kommt im Kontext der jeweils zugrunde liegenden Gesellschaftsordnung zu, etwa dem sogenannten Geschlechterdispositiv in der feministischen Theoriebildung.

Als Möglichkeit der Anwendung soll zudem erläutert werden, wie mit Gilles Deleuze der Fokus auf die Auflösungen und Abweichungen von scheinbar starren Strukturen verschoben werden kann. Denn die von Deleuze so benannten „Fluchtlinien“ ermöglichen es, aus bestehenden Ordnungen des Wissens und der Macht (wie etwa hierarchischen Gesellschaftsordnungen) herauszuführen. Dieses subversive Potenzial der Diskurs- und Dispositivanalyse soll beispielhaft anschaulich gemacht werden.

Die Veranstaltungsreihe "Diskurse – Dispositive - Dislpays. Einführung in die Forschungspraxis" findet im Rahmen des ForstAintegriert-Projekts (Forschendstudieren von Anfang an) im BA Kunst-Medien-Ästhetische Bildung statt. Studierende und Lehrende sind herzlich eingeladen, sich an der Diskussion zu beteiligen.

Wir begrüßen die neuen Bachelor- und Master-Studierenden am IKFK (Institut für Kunstwissenschaft - Filmwissenschaft - Kunstpädagogik).

zum Programm:

BA Kunst-Medien-Asthetische Bildung

MA Kunstwissenschaft und Filmwissenschaft

Sind die ersten Versuche noch von der akademischen Malweise und dem Studieren des eigenen Gesichts geprägt, setzt um die Jahrhundertwende eine neue, experimentelle Entwicklung bei den Selbstbildnissen von Paula Modersohn-Becker ein. Auf dem Weg zu Einfachheit und Größe reduziert sie ihr Gesicht zunehmend bis zu den maskenhaften späten Selbstdarstellungen. 1906 schafft sie schließlich mit dem »Selbstbildnis am 6. Hochzeitstag« den ersten weiblichen Selbstakt der Kunstgeschichte. Die Entwicklung bis zu diesem revolutionären Bild wird in der Ausstellung anhand von Fotografien, Studien und Bildern nachgezeichnet. Ein Wechselblick zwischen der Biografie und den Kunstwerken offenbart, dass sich Paula Modersohn-Beckers Selbstbild(nis) vor allem in Zeiten verändert, die eine Zäsur in ihrem Leben darstellen.

Weiter Informationen

Veranstaltungsort:
Kino Arsenal, Potsdamer Straße 2, 10785 Berlin
Eintritt & Materialkosten: 15 EUR
Kontakt & Anmeldung: autumnschool@arsenal-­berlin.de
Telefon: 030 269 55-­100
Anmeldungen bis zum 15. August 2019

Weitere Informationen unter https://www.arsenal-berlin.de/transfer/news/einzelansicht/article/7931/2840.html

 „Wie entwickle ich eine Fragestellung?“, „Wie strukturiere ich meine Gedanken und Ideen?“ und „Wie gliedere ich meine Hausarbeit?“.  In dem Peer-to-Peer Format „Von Studierenden für Studierende“ steht neben formalen und inhaltlichen Aspekten des wissenschaftlichen Schreibens der Austausch im Fokus.

In Absprache mit den Teilnehmenden werden die Inhalte bedarfsgerecht angepasst. Grundsätzlich gliedert sich die Veranstaltung wie folgt:

(1) Blockeinführung in die Grundlagen des wissenschaftlichen Arbeitens (Fragestellung finden, Gliederung erstellen etc.)

(2) Bearbeitung und Lösung konkreter Fragen, die während der Schreibprozesse auftreten

Anmeldung: Stud.IP Sommer Semester 2019 GS/ Studier- und Schreibcoaching des FB 9

Weitere Informationen unter:

nGbK / neue Gesellschaft für bildende Kunst

https://www.museumsportal-berlin.de/de/veranstaltungen/symposium-lernort-begehren-50-jahre-neue-gesellschaft/

 •         Jeden Freitag, 10:00 bis 14:00 h bis Ende September „Offenes Schreibatelier“ im kleinen Atelier (GW2 B 3800)

Zur Erleichterung des Schreibens wissenschaftlicher Projekte (Essays, Hausarbeiten, Abschlussarbeiten etc.) bieten wir wöchentlich einen Jour Fixe im kleinen Atelier (GW2 B 3800) an. Begleitet wird das „Schreibatelier“ von studentischen Coaches. Der Raum kann genutzt werden, um sich auf eigene Arbeiten zu konzentrieren.

Jeder Jour Fixe beginnt mit einer kurzen Übung, die den Einstieg in das Schreiben erleichtert.  Individuelle Beratung der Coaches kann die ganze Zeit in Anspruch genommen werden. Sie können das offene Atelier  – ohne Anmeldung – jederzeit nutzen.  Um  Änderungen und weitere Aktivitäten zu erfahren, können Sie sich gerne anmelden.

Anmeldung: Stud.IP Sommer Semester 2019 Kunst-Medien-Ästhetische Bildung/ Studier- und Schreibcoaching des FB 9

 „Wie entwickle ich eine Fragestellung?“, „Wie strukturiere ich meine Gedanken und Ideen?“ und „Wie gliedere ich meine Hausarbeit?“.  In dem Peer-to-Peer Format „Von Studierenden für Studierende“ steht neben formalen und inhaltlichen Aspekten des wissenschaftlichen Schreibens der Austausch im Fokus.

In Absprache mit den Teilnehmenden werden die Inhalte bedarfsgerecht angepasst. Grundsätzlich gliedert sich die Veranstaltung wie folgt:

(1) Blockeinführung in die Grundlagen des wissenschaftlichen Arbeitens (Fragestellung finden, Gliederung erstellen etc.)

(2) Bearbeitung und Lösung konkreter Fragen, die während der Schreibprozesse auftreten

Anmeldung: Stud.IP Sommer Semester 2019 GS/ Studier- und Schreibcoaching des FB 9

Um 13:00 Uhr Treffen im Raum B3009. Begrüßung durch den Institutsleiter Winfried Pauleit und mündliche Hinweise zur Ausstellung. Anschließend Begehung der Ausstellungsorte in kleinen Gruppen.

Ausstellungsorte sind:   

• das Bildhaueratelier(A0140/45),
• der Fototageslichtraum(B3790),
• das kleine und große Atelier(B3800/10)
• sowie der Foyerbereich und Teile der Flure
• hinter B3009 und vor B3850.                                                                                                                                                         

Um 17 Uhr Abschlusstreffen der einzelnen Grundkurse.

https://marcks.de/de/ausstellungen/aktuelle-ausstellungen/

Die studentische Vertretung wird in dem Institutsrat eine Stimme haben und somit aktiv die Meinung aller Studierenden verteidigen: eure Beteiligung an der Wahl ist wichtig!
Kommt vorbei und wählt.
Sowohl bitten wir alle Lehrende ihre Student*innen darauf hinzuweisen und vorallem die Montags stattfindenden Praxiskurse vorbeizuschicken.

Liebe Grüße und bis bald,
der Kunst StugA

Betreut wird das offene Schreibatelier von studentischen Schreibcoaches, die Impulse für den Schreibprozess geben und (auch außerhalb des Jour fixe) individuell beraten. Im peer-to-peer-Format können Fragen und Schwierigkeiten, Ideen und Möglichkeiten thematisiert und angegangen werden. Der Raum kann auch genutzt werden, um sich in Gegenwart von anderen auf die eigene Arbeit zu konzentrieren.

Jeder Jour fixe beginnt mit einer Übung, die den Einstieg in das Schreiben ermöglicht und bietet danach die Möglichkeit an eigenen Texten zu arbeiten und dafür die individuelle Beratung die Coaches in Anspruch zu nehmen. Studierende des Institut für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik sind herzlich eingeladen, jederzeit dazuzukommen. Sie können selbst entscheiden, wie lange Sie an Ihrem Projekt arbeiten. Eine Anmeldung ist nicht notwendig. Um Änderungen und weitere Aktivitäten im Bereich des Schreibcoachings zu erfahren, können Sie sich jedoch gerne über Stud.IP anmelden.

Kontakt:

Britta Petersen/Dr. Bettina Henzler
forstafb@uni-bremen.de

Der Workshop findet im Rahmen des ForstA-Projekts statt (Seminar Forschungsmethoden).

Zum Gesamtprogramm

Der Workshop findet im Rahmen des ForstA-Projekts statt (Seminar Forschungsmethoden).

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KUNST SCHLÄFT NICHT - und wir auch nicht. 

Was passiert nachts in der Uni? Diese Frage verfügt ohne Zweifel über einen besonderen Reiz; Also lasst es uns gemeinsam herausfinden. Am 07. Juni 2019 wollen wir die obere Etage des GW2 in einen künstlerischen Freiraum verwandeln!  Seid dabei, es wird wieder ein spannendes Programm geben, voller Kreativität, Musik, Materialien und Möglichkeiten mitzumachen, dazu ein paar leckere Getränke und gute Gesellschaft. 

Alle weiteren Informationen zur Veranstaltungen kommen in den laufenden Wochen über Facebook (KunstStuga.UniBremen), Instagram (kunst_stuga_2), unserem Blog (blogs.uni-bremen.de/kunst) oder per Mail! 

Seid eingeladen an unserem wöchentlichen Planumsplenum teilzunehmen und mitzugestalten: Donnerstags, 12:00 im GW2 B 3955 (Raum des Kunst Stugas)

Rosa Barba 2018

Seit 15 Jahren formuliert Rosa Barba ihre antiillusionistische Kritik an Modi und Konventionen des Kinodispositivs nicht nur durch multiperspektivische, installative Strategien der Involvierung und Dynamisierung des betrachtenden Publikums, sondern auch durch das Festhalten an Einzelbildprojektionen. Neben dem Einsatz anscheinend ‚narrationsexterner‘ Elemente wie Paratexte des Films oder die Behandlung des Filmstreifens als ästhetischem und skulpturalem Material steht also auch ihre konzentrierte wie auch Affekte erzeugende Kameraführung im Zentrum ihrer experimentellen kinematografischen Konzepte. Dabei spielt der Raum eine entscheidende Rolle: Entgegen der Erfahrungen des populären und kommerziellen Kinos schlägt Rosa Barba eine anarchische Erkundung und Gestaltung neuer filmischer Räume vor. Dabei geht es um eine Abwendung von konsumierbaren Räumen und abgeschlossenen imaginären Geschichtswelten hin zu Orten, an denen eine spielerische, unvorhersehbare Öffnung dieser Räume möglich wird. Rosa Barba versteht Kino in ihrer Arbeit im architektonischen Sinne und setzt es als ein Instrument ein, mithilfe dessen die raumzeitlichen Dimensionen des Innen- und Außenraums zusammenfallen und über diese hinausweisen.

In Subconscious Society (2014, 40’) montiert die Künstlerin Filmsequenzen verlassener Industriestandorte, etwa die als Science- Fiction anmutende Maunsell-Seefestung in Kent, mit Interieurszenen feierlicher Aktivitäten in der monumentalen und prächtig ausgestatteten Albert Hall in Manchester. Lange Zeit verlassen, ist der imposante Saal erst vor kurzem zum Veranstaltungsort umgebaut worden, der Innenraum überreichlich angefüllt mit einem Sammelsurium an Objekten, Möbeln, Gliederpuppen, Holzstößen. In Voice-Overs kommentieren gewählte Protagonist*innen, Bewohner*innen unterschiedlichen Alters aus der urbanen Umgebung den historischen Wandel der Hall. Die fragmentierten, beinahe abstrakten Dialoge implizieren eine Assoziationskette des Unbewussten, die wie gefangen scheint in der ewigen Gegenwart ihrer Umgebung. Erst die im Film gezeigten imaginären wie medialen Projektionen der Industrielandschaften eröffnen neue (Möglichkeits-)Räume.

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Die Veranstaltung gehört zum Programm des Forschungsfeldes wohnen +/- ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Irene Nierhaus, Kathrin Heinz). Ausgerichtet wird die Kuvert-Reihe von der Forschungsgruppe wohnen +/- ausstellen und dem Kolloquium Bild-Raum-Subjekt.

Diese Veranstaltung ist Teil des Semesterschwerpunktes privat +/- öffentlich: neue bildmediale Perspektive,
Konzept: Elena Zanichelli.
Sie findet statt in Zusammenarbeit mit Christine Rüffert und dem City 46
Kommunalkino City 46
Birkenstraße 1, 28195 Bremen

Weitere Informationen: www.mariann-steegmann-institut.de

Flyer Download

In Subconscious Society (2014, 40’) montiert sie Filmsequenzen verlassener Industriestandorte in Kent und Manchester und verquickt sie mit fragmentierten voice-overs von Bewohnern aus der urbanen Umgebung, wodurch sich neue Denkräume eröffnen, die gleichzeitig historische Dimensionen beinhalten. Die Künstlerin, die Anfang des Jahres in einer Ausstellung in der Kunsthalle präsentiert wurde und an der HfK Bremen lehrt, wird zum Gespräch mit der Kunsthistorikerin Elena Zanichelli (Uni Bremen) anwesend sein.

Mo 3.6.2019, 20:30 Uhr im CITY 46.In Kooperation mit dem Mariann Steegmann Institut | Kunst und Gender

In der Musikwissenschaft und den Sound Studies bildet die Hörerfahrung die Basis für die ästhetisch-wissenschaftliche Analyse. In der Kunstgeschichte und Bildwissenschaft ist die Seherfahrung die Grundlage für eine ästhetisch-wissenschaftliche Auseinandersetzung. In der Literaturwissenschaft und Textforschung steht die Leseerfahrung im Zentrum der ästhetisch-wissenschaftlichen Untersuchung. In der Filmwissenschaft und Medienästhetik hat man mit allen diesen Gebieten zu tun – insbesondere aber mit ihren Verbindungen und Wechselspielen. Jede Analyse eines 90-minuten langen Films – oder eines anderen audio-logo-visuellen Kunstwerks – wird daher zu einer Überforderung, auf die die Wissenschaft im Grunde mit zwei Möglichkeiten reagiert: mit einem disziplinären Ordnungswahn, der das Werk in seine Schranken weist, oder indem sie sich treiben lässt, hinein in ein audio-logo-visuelles Abenteuer. Wie man sich auch entscheidet, jede Analyse wird vor diesem Hintergrund zu einem „Großprojekt“, dass sich nur im Format einer Doktorarbeit ausgiebig bearbeiten lässt, also z.B. in einem Buch von mindestens 200 Seiten – und meistens reicht nicht einmal das. – Einen Ausweg bietet eine „theoriegeleitete Analyse“, die nicht den ganzen Film zum Gegenstand macht, sondern die mit Hilfe von Theoriewissen Fragen oder Hypothesen formuliert. Analysiert werden dann spezifisch ausgewählte Fragmente des Werks, um diese Fragen zu beantworten bzw. die Hypothesen zu überprüfen. Ergänzt wird diese Analysemethode z.B. durch eine archäologische Kontextanalyse, die sich der Produktions- oder Rezeptionsgeschichte des Werks widmet.

Der Workshop findet im Rahmen des ForstA-Projekts statt (Seminar Forschungsmethoden).

Zum Gesamtprogramm

Was passiert nachts im Museum? Diese Frage verfügt ohne Zweifel über einen besonderen Reiz. Bereits seit über 10 Jahren öffnen die Bremer Museen einmal im Jahr ihre Türen und Tore, um den BesucherInnen eine kulturelle Nacht der besonderen Art zu bescheren. Dabei bieten sie spannende Einblicke in die Vielfalt der Museumslandschaft. Begebt euch von 18 bis 1 Uhr des Folgetages auf eine nächtliche Entdeckungsreise und erlebt dabei allerlei kulturelle Highlights.

Mehr als 20 Museen, Ausstellungshäuser und Galerien in Bremen und Bremen Nord öffnen zur Langen Nacht der Bremer Museen unter dem Thema "ÜberLeben" ihre Türen bis in den frühen Morgen. Lesungen, Inszenierungen, Installationen, Konzerte und  Führungen in den Dauer- und Sonderausstellungen der Häuser lenken den Blick auf die Risiken des Lebens und die Motive und Strategien, möglichst nicht nur davon zu kommen. Die Bremer Stadtmusikanten, die in diesem Jahr 200 Jahre alt werden, lassen grüßen. Ihren Abschluss findet die Lange Nacht mit einer Party im TAU.

Zwischen den beteiligten Häusern sind Kulturflaneure mit Schiffsshuttles auf der Weser, historischen Straßenbahnen, den regulären Verbindungen des VBN, mit dem Rad oder zu Fuß unterwegs. Informationen zur Barrierefreiheit der Veranstaltungsorte finden sich  in der Programmbroschüre und online.

Weitere Infos unter: https://www.uni-bremen.de/typo3/index.php?route=%2Fmain&token=4599c7096957d0dd9fdf7c783756b63963bb7905

Die Ausstellungen der Meisterschüler*innen, die seit 2011 jährlich in der Weserburg stattfinden, geben einen facettenreichen Einblick in die Qualität und Vielfalt der aktuellen Kunstproduktion in Bremen. Ein besonderer Höhepunkt ist die an die Präsentation gekoppelte Verleihung des Karin Hollweg Preises. Mit insgesamt 15.000 Euro dotiert gehört er zu den wichtigsten Kunstförderpreisen an deutschen Kunsthochschulen. Die Hälfte des Preisgeldes ist für eine institutionelle Einzelausstellung in Bremen reserviert.

2019 sind 16 Künstler*innen an der Präsentation beteiligt, die ausnahmslos neue, zum Teil ortsbezogene Werke zeigt. Vertreten ist die gesamte mediale Breite von Malerei und Skulptur, über mehrteilige Installationen und Medienarbeiten bis hin zu überraschenden, in einem Museum für Gegenwartskunst nicht unbedingt zu erwartenden Werken, wie ein leise dahinplätschernder Wandbrunnen von Irene Strese. Stellvertretend sollen hier vier Positionen hervorgehoben werden:

Lukas Zerbst erprobt immer wieder die Grenzen und Möglichkeiten künstlerischer Praxis. So greift er für seine neueste Arbeit unmittelbar in die bestehende Museumsarchitektur ein. Eine massive Wendeltreppe im Ausstellungsbereich wird von ihm demontiert und in eine sich dynamisch in den Raum hineinragende Skulptur verwandelt.

Rima Radhakrishnan schlägt dagegen leise Töne an, wenn sie der phonetischen Textur deutscher Sprache nachspürt. Mit spielerischer Leichtigkeit befreit sie die Wörter von der Last des Alltags. Ihre poetischen Preziosen zeugen von einem Erfindungsreichtum, der kulturelle Eigenarten auf augen- und ohrenöffnende Weise freilegt und dabei zu eigenen Wortschöpfungen animiert.

Mattia Bonafini und Luisa Eugeni präsentieren eine multimediale Oper – ein eindrückliches und alle Sinne ansprechendes Raumerlebnis, das Videoprojektionen, Musik und performative Elemente verbindet.

Vertreten sind auch mehrere malerische Positionen. Vincent Haynes nimmt beispielsweise für seine Gemälde und Druckarbeiten mediale Bilder als Vorlage. Es sind Aufnahmen afrikanischer Politiker bei öffentlichen Auftritten und Inaugurationen, die Haynes in seinen Werken einer kritischen Untersuchung zugänglich macht. Die mediale Inszenierung von Macht im Zusammenspiel mit kulturellen Traditionen übt dabei eine besondere Faszination aus.

Eröffnung

Freitag, 24. Mai 2019, um 19 Uhr

• Begrüßung
  Janneke de Vries, Direktorin Weserburg
  Prof. Dr. Martin Schulz, HfK Bremen
• Einführung
  Ingo Clauß, Kurator
• Jurybegründung
  David Bartusch, Vorstand Freundeskreis der HfK Bremen
• Preisvergabe
  Karin Hollweg
• Im Anschluss feiern wir gemeinsam im TAU, dem benachbarten Restaurant, bei Getränken, Chili und Musik.

Ausstellung auf Etage 3, 4 1/2 und 5

https://weserburg.de/ausstellung/meisterschuelerinnen2019/

Preis: 5 Euro
Kontakt: Gerhard-Marcks-Haus

Bei der erweiterten Dokumentarischen Methode der Bildanalyse und Bildinterpretation nach Ralf Bohnsack geht es um ein gestuftes Analyse- und Interpretationsverfahren von Bildern im weitestens Sinne (Alltags- und Kunstfotos, Fotos von Kunstwerken, Fotos von Bildprodukten von Kindern und Jugendlichen, Filmstandbildern, Standbildsequenzen, u.a.). Die Methode will die Eigenlogik des Bildes, insbesondere auf der Grundlage seiner formalen Gestaltung und zunächst unter Ausklammerung des textlichen Vorwissens der Rezipienten, ergründen und verhandelbar machen. Die Dokumentarische Methode basiert auf der ikonologischen Methodologie des Kunsthistorikers Erwin Panofsky und ihrer Weiterentwicklung in der Ikonik von Max Imdahl. Zentral ist bei der dokumentarischen Methode die Unterscheidung zwischen „immanentem“ und „dokumentarischem“ Sinngehalt: Was wird in einem Artefakt oder Foto ausgesagt und welche Handlungen sind sichtbar? Wie wird ein Thema behandelt, in welchen Rahmen wird es gestellt, d.h. wie dokumentiert es sich, wie kommt etwas zum Ausdruck?

Der Workshop findet im Rahmen des ForstA-Projekts statt (Seminar Forschungsmethoden).

Zum Gesamtprogramm

Im Laufe eines einzigen Semesters stellten wir uns zusammen dieser großen, aber wunderbaren Herausforderung und erarbeiteten Kommunikations- und Organisationsstrategien, fanden Räumlichkeiten (Antiquariat Seitenblick, ehemaliges Schwesternwohnheim), Künstler*innen und Kollaborationen (u.a. mit der ZZZ, Hulsberg Crowd, dem irgendwo u.v.m), designten Flyer, Poster und Broschüren, setzten uns mit PR, Presseberichten, Radioauftritten (Interview Radio Bremen 2) und Marketingstrategien auseinander, suchten und fanden Sponsoren (Stako), bewarben uns für Förderung und erhielten diese (Studierendenwerk Bremen), forschten nach Möglichkeiten der Low-Budget Produktion einer Publikation (u.a. im Zentrum für Künstlerpublikationen/Weserburg), trafen uns mit Erlkönig-Gründer (Off-Space Bremen) Pio Rahner und Künstlerhaus Kuratorin Nadja Quante, um u.a. Fragen der Kuration zu beantworten, suchten und fanden sehr viel Equipment für Videoinstallationen und Belichtung, diskutierten Inhalte, entwarfen Konzepte, orientierten uns an der documenta 14, verteilten Verantwortungen, gestalteten open-calls, probten Vermittlungs- und Verknüpfungsmomente, schrieben Reden……….und vieles mehr.

Das Ergebnis war eine fantastische Doppelausstellung mit dem Titel other | wise, die an zwei sehr unterschiedlichen Orten (white cube / off-space), im Antiquariat Seitenblick und im ehemaligen Schwesternwohnheim stattfand und damit auch den „Ausstellungsort“ an sich beleuchtete. Gegenübergestellt haben wir außerdem junge Künstler*innen und Student*innen und etablierte Künstler*innen und den kuratorischen Moment des Open-Calls versus der gezielten Anfrage. Verknüpft wurden die Orte durch einen experimentellen WALK und ein Künstler*innengespräch.

Den Prozess, Organisation, Teil- und Endergebnisse, Fotos und Gedanken haben wir auf einem Blog und instagram festgehalten!

Weiter Informationen:

https://kunstvermittlung-uni-bremen.jimdofree.com/blog/

https://www.instagram.com/otherlwise/

https://www.facebook.com/events/212101713007732/

Fragen beantworten:

Sarah Lüdemann - Künstlerin/Lektorin

Institut für Kunstwissenschaft - Filmwissenschaft - Kunstpädagogik
Fachbereich 09
Universität Bremen
Telefon: +49 (0)421 218 67732
E-Mail: salu@uni-bremen.de

In Bremen steht #Meinwanderungsland am 11. und 13. Mai vor dem Rathaus. An der Multimediastation kann jeder eine persönliche Geschichte erzählen. Dabei spielt es keine Rolle, ob es
eine eigene Migrationsgeschichte in der Familie gibt oder nicht.

Über das Projekt:
Das von der Beauftragten der Bundesregierung für Migration, Flüchtlinge und Integration geförderte Projekt „Gemeinsam unterwegs? Geschichte(n) der Migrationsgesellschaft“ basiert auf drei Bausteinen: einer Tour durch ganz Deutschland, Workshops in Bildungseinrichtungen sowie einer Kampagne unter dem Hashtag #Meinwanderungsland. Das Ziel ist es, Stereotype, Mythen und Vorurteile über Migration abzubauen. Mit einem multiperspektivischen Ansatz soll an einem neuen pluralen gesellschaftlichen Narrativ und einer inklusiven Erinnerungskultur gearbeitet werden.

Über DOMiD:
DOMiD, das Dokumentationszentrum und Museum über die Migration in Deutschland e.V., sammelt, bewahrt und stellt Zeugnisse zur Geschichte der Migration in Deutschland aus. Mit mehr als 150.000 Objekten, Dokumenten und Interviews verfügt DOMiD über die bundesweit größte Sammlung von Objekten und Zeugnissen, die die vielfältige Geschichte der Migration nach Deutschland dokumentieren. Das Vereinsziel ist es, die Sammlung künftig in einem‚ Haus der Einwanderungsgesellschaft‘ auszustellen. DOMiD wird gefördert durch das Ministerium für Kinder, Familie, Flüchtlinge und Integration (MKFFI) des Landes Nordrhein-Westfalen und die Stadt Köln.

https://www.focke-museum.de/presse/news/meinwanderungsland/

Die Städtische Galerie Delmenhorst eröffnet ihre neue Ausstellung mit dem Titel „Dirk Meinzer. Das blaugrüne Dasein".

Die umfassende Solo-Show zeigt Malerei, Arbeiten auf Papier, originale Künstlerbücher, Skulptur, Installation und Video. Mit einem Fokus auf die aktuelle Produktion der letzten Jahre bietet „Das blaugrüne Dasein“ einen tiefen Einblick in das ausufernde Schaffen des in Hamburg und im niedersächsischen Deinste arbeitenden Künstlers Dirk Meinzer.

Dirk Meinzer, geboren 1972 in Karlsruhe, ist ein charismatischer Tausendsassa, ein Suchender und Besessener, für den Kunst und Leben als metabolischer Akt ineinander fließen. Er ist ein abenteuerlustiger Forscher im Alltag wie auch in der Fremde. Intellektuell wie auch faktisch reisend schweift er durch die Geschichte der europäischen und außereuropäischen Kunst. Als dilettierender Biologe, Anthropologe oder auch Zahlen-mystiker frisst sich der Künstler durch Bibliotheken. Er ist genauso in der Musik unterwegs wie in der Welt der Träume, aus der sich sein notorisch unruhiger Geist speist. Und wie der Titel der Ausstellung vermuten lässt, lauscht Dirk Meinzer bei all seinen Suchbewegungen auch liebend gerne zugleich dem Rauschen des Meeres wie dem Vorbewussten einige Inspiration für seine Arbeit ab.

Nach seinem Studium an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg und zahlreichen langen Reisen unter anderem nach Tansania, Indonesien oder Island verfolgte Dirk Meinzer einen stark performativen, materialintensiven Ansatz, der in halluzinative Werke und in ganze Ausstellungskosmen mündete. In den letzten Jahren hat der Künstler eine überraschend feinsinnige, hochkonzentrierte Farbfeldmalerei, neue Collage-Serien und beeindruckende Künstlerbuch-Unikate geschaffen. Diesen neuen Ansätzen ist die Ausstellung „Das blaugrüne Dasein“ gewidmet. Mit seiner delikaten Malerei, die teils phosphoreszierende Farben und minimale Naturelemente einbezieht, mit seinen grotesk-humorigen Sticker-Collagen der Serie „Hoopypoopy“ oder mit ornamentalen Print-Arbeiten gelingt es Dirk Meinzer das Rauschhafte, das Wilde und Sprunghafte – sein Konzept einer verschwenderischen Verausgabung im künstlerischen Schaffen – in teils zauberhaften, teils verstörenden Werken zu sublimieren. Bei genauerer Betrachtung erweist sich jede einzelne Arbeit als ein Vorschlag zur Besinnung inmitten einer Medienwelt, die eine zunehmend brisante politische Großwetterlage vermittelt.

Das so genannte Herrenzimmer der Städtischen Galerie Delmenhorst verwandelt Dirk Meinzer unter anderem mit seinen neuen Serien „Olea“ und „Trunkenheit“ sowie einem großformatigen „Punktebild“ zu einem Trabanten der legendären Hamburger Eckkneipe „Zum alten Ritter Sankt Georg“. Damit ist es auch der Ort, an dem das eigens für die Städtische Galerie Delmenhorst entstandene Künstlerbuch gleichen Titels seinen Auftritt er-hält. Dieses eigenwillige Buch, das im Museumshop erhältlich ist, zeigt Seite für Seite Stempel-Bilder der Ritter-Freunde des Künstlers: die unverwechselbaren Signaturen der Gesprächspartner, die der Künstler in seinem Kurort Kneipe getroffen hat. Begleitend zum Künstlerbuch ist eine ebenfalls im Shop erhältliche Poster-Edition entstanden.

In der Remise von Haus Coburg zelebriert Dirk Meinzer mit zahlreichen Beispielen seiner künstlerischen Kooperationen einen offenen Begriff von Autorschaft, damit auch seine Aversion gegen Zuschreibungen und Kategorisierungen, gegen frustrierende Mechanismen des Kunstsystems, das nach wie vor allzu gerne das marktgängige Label eines einzigen Künstlerstars protegiert. In der Remise wird Dirk Meinzer als betörender Rattenfänger erkennbar, als Kurator und Netzwerker, dessen Ruf u.a. Arvild Baud, Christoph Blawert, Claus Böhmler, Peter Boué, Fernando de Brito, Tilmann Haffke, Axel Heil, Katja Kobjolke, Michael McGlinn, Monika Michalko, Michael Pleißner, Alexander Raymond, Seo Reuss, Tosca Scharvogel, Peter Stoffel, Tillmann Terbuyken, Nicola Torke, Matthias Weber, Anke Wenzel folgen.

Die Ausstellung „Dirk Meinzer. Das blaugrüne Dasein“ wurde vom Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur und dem Freundeskreis Haus Coburg e. V. unterstützt.

Weitere Informationen unter https://www.staedtische-galerie-delmenhorst.de/

Internationale Tagung des Forschungsprojekts Wohnseiten. Deutschsprachige Zeitschriften zum Wohnen vom 19. Jahrhundert bis zur Gegenwart und ihre medialen Übertragungen im Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft - Filmwissenschaft - Kunstpädagogik an der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Konzept und Leitung: Prof. Dr. Irene Nierhaus, Dr. Kathrin Heinz).

Wohnen will gelernt sein... Eher veränderlich als un-verrückbarer Zustand, ist Wohnen auch Handeln. Dieses Handeln ist Teil gesellschaftlicher und politischer Prozesse und Zuschreibungen und wird sowohl beständig als auch immer wieder neu vermittelt. Im Angebot der illustrierten (Massen-) Presse findet sich eine schier unüberschaubare Menge an Bildern und Diskursformationen des Wohnens und Einrichtens: Wer wohnt wie und mit wem, mondän, prekär, minimalistisch, prunkvoll... Seite für Seite werden Einrichtungstipps, Homestories und Anleitungen zum „richtigen“ Wohnen vermittelt und gelehrt. Zeitschriften, Magazine, Journale und mediale Verbünde mit einem Schwerpunkt auf Wohnpraktiken stehen bei dieser Tagung mit ihrer seriellen, auf ein didaktisches Programm ausgerichteten Ästhetik im Fokus: Durch spezifische Zeigemechanismen werden Subjekte in ihren Wohnweisen adressiert und zum Tätigwerden aufgefordert. Es wird geclustert, gefaltet, seitenweise angeordnet, eingeschrieben, ausgelassen, vor allem aber auch: wiederholt und fortgesetzt.
Die ästhetische Struktur der Zeitschrift gibt Machtkonstellationen zu sehen, durch die Bewohner_innen und Leser_innen als sozial und politisch Agierende, vergeschlechtlichte und konsumierende Subjekte adressiert werden. Von frühen Mode- und Familienjournalen bis zu aktuellen Formaten sollen Darstellungen des Wohnens als sich selbst in Gang haltende Kategorisierungs- und Bewertungspraxen untersucht werden.
Die transdisziplinäre Tagung möchte Positionen aus Kunstwissenschaft, visueller Kultur, Architektur, Design und Medienwissenschaft zusammenbringen, um im Display der Zeitschrift über das Zu-Sehen-Geben von Wohn-Raum, seiner Architektur und Einrichtung sowie der in ihm und mit ihm agierenden Bewohner_innen zu diskutieren.

Weitere Informationen unter: https://www.facebook.com/events/2073675759596532/

Mehr Informationen in Kürze.

Dass dieser Eindruck jedoch täuscht, zeigt die neue Sonderausstellung »Bildhauerinnen«, die ab Mai 2019 in Bremen zu sehen sein wird und sich über zwei Ausstellungshäuser erstreckt: Vom 5. Mai bis zum 11. August präsentieren das Gerhard-Marcks-Hausund die Museen Böttcherstraßegemeinsam knapp 100 Werke aus 150 Jahren Bildhauerei von rund 50 Bildhauerinnen.
Erstmals wird das bildhauerische Schaffen von vier Künstlergenerationen im 19. und 20. Jahrhundert in den Fokus genommen, um Entwicklungen und Umbrüche der weiblichen Bildhauerei zu markieren. Dabei gilt es, von Werk zu Werk Gründe und Kriterien aufzuzeigen, die ihre Achtung oder Missachtung bestimmten, um somit auch sichtbar zu machen, wie sehr scheinbar objektive Qualitätskriterien in gesellschaftlichen Vorstellungen verankert waren und sind.

Die Ausstellung ist ein gemeinsames Projekt der Bremer Museen Böttcherstrasse, des Gerhard-Marcks-Hausesund der Städtischen Museen Heilbronn.

Kombiticket: 10,- €
Das Kombiticket berechtigt zum Besuch der Sonderausstellung »Bildhauerinnen« in beiden Häusern!
(Der Besuch beider Museen muss nicht am selben Tag erfolgen — Sie haben die gesamte Ausstellungslaufzeit über Zeit)

Zum Download: Ausstellungsflyer

Das Prinzip der Verknüpfung, des Vergleichs und der Fokussierung auf Details ist eine grundlegende Verfahrensweise kunst- und kulturwissenschaftlicher Forschung und Vermittlung, wie sie schon Aby Warburg betrieben hat. Sie erlaubt es, wiederkehrende Ausdrucksformen und Darstellungsweisen, deren Variation und Veränderung aufzuspüren und so Zusammenhänge innerhalb von Werken einzelner Künstler, innerhalb von kunst- und kulturgeschichtlichen Epochen, aber auch zeit- und kulturübergreifend aufzuzeigen. Dadurch können konkrete Einflussbeziehungen nachgezeichnet werden oder auch weitere kulturelle Horizonte erschlossen werden. Das Verständnis des Werks erschließt sich innerhalb der Kontexte der Produktion und der Rezeption: Denn – wie die Theorien der Intertextualität und Interpiktoralität dargelegen – jedes Werk, jedes Bild oder jede Ausdrucksform ist nur in ihren Verhältnis zu anderen Werken und Formen zu verstehen, Kultur ist ein Netz von vielfältigen Beziehungen. Darüber hinausgehend ist die Verknüpfung auch ein genuin filmisches Prinzip: als Montage, die die Einstellungen (Fragmente) miteinander verknüpft, was Alain Bergala dazu veranlasste, das Fragmente-in-Beziehung-setzen als Vermittlungsmethode vorgeschlagen, die sich die Möglichkeit der hyptertextuellen Verknüpfung in digitalen Medien nutzbar macht. Am Beispiel einer Reihe von Klassenzimmerszenen des französischen Kinos wird diese Methode der Forschung und Vermittlung vorgestellt.

Der Workshop findet im Rahmen des ForstA-Projekts statt (Seminar Forschungsmethoden).

Zum Gesamtprogramm

Podiumsdiskussion, Mittwoch, 17. April 2019| 17 Uhr

mit Petra Bauer, Stewart Cunningham & Sally Green (SCOT-PEP), Daniel Jacoby, Tadej Pogačar, Lilla Szász

Eröffnung, Mittwoch, 17. April 2019 | 19 Uhr

Grußwort: Dr. Nicole Deufel,  Leiterin des Amtes für Museen, Sammlungen und Kunsthäuser

 Einführung: Edit Molnár & Marcel Schwierin , Leitung Edith-Russ-Haus

 Red Umbrella Struggles ist eine internationale Gruppenausstellung, die sich mit dem umstrittenen und facettenreichen Thema Sexarbeit auseinandersetzt. Sie geht von zwei neuen Auftragsarbeiten von Petra Bauer und Daniel Jacoby aus, die 2018 Stipendien am Edith-Russ-Haus erhielten. Beide untersuchen das Thema durch Strategien der Kooperation und des Dialogs.

Red Umbrella Struggles zeigt in so verschiedenen Medien wie Fotografien, Archivmaterialien, Installationen und Dokumentarfilmen die künstlerischen Versuche, durch Dialoge mit Sexarbeitenden ein besseres Verständnis für das schwierige Thema zu entwickeln.

Die sechs beteiligten Künstlerinnen und Künstler verzichten auf Voyeurismus und die Schaffung von Opferbildern; stattdessen arbeiten sie in einer Atmosphäre des Austausches, der sich um Fragen der Würde und der Rechte von Sexarbeitenden dreht. Sie akzeptieren Sexarbeitende als Experten ihres eigenen Lebens und erforschen die Komplexität von Geschlechterfragen, Migration und Arbeitsbedingungen in diesem ideologisch aufgeladenen Thema.

Die verschiedenen politischen und moralischen Diskurse über Sexarbeit neigen dazu, Sexarbeitende zu bevormunden, und machen es ihnen damit schwer, ihre Identitäten differenziert und eigenständig zu bestimmen. Red Umbrella Struggles schafft ein Bild des gesellschaftlichen Kampfes dieser marginalisierten Berufsgruppe. Die gegenseitige Unterstützung der Betroffenen in diesen Auseinandersetzungen spiegelt sich in dem kollaborativen Ansatz der künstlerischen Arbeiten.

Der Titel der Ausstellung, der sich mit „Rote-Regenschirm-Kämpfe“ nur schlecht übersetzen lässt, verweist auf das internationale Symbol der Bewegung für die Rechte von Sexarbeitenden, den roten Regenschirm. Er wurde zum ersten Mal 2001 im Red Umbrella March eingesetzt, den der slowenische Künstler Tadej Pogačar während der 49. Biennale von Venedig organisierte. Die Demonstration war ein Teil seines langfristig und partizipativ  angelegten Projekts CODE:RED, das Sexarbeit als eine spezifische Form von Schattenwirtschaft erforscht und diskutiert. Das 1999 begonnene und bis heute andauernde Projekt wird im Rahmen der Ausstellung in seiner Gesamtheit vorgestellt.

Weitere Informationen unter https://www.edith-russ-haus.de/home.html

Im Zentrum der Kabinettschau stehen die in der frühen Nachkriegszeit entstandenen farbigen Lithographien und Aquatinta-Blätter von Ernst Wilhelm Nay (1902–1968). Die ersten dieser Arbeiten wurden bereits in den frühen Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg vom Landesmuseum Oldenburg erworben, um damit an das Vorkriegs-Engagement für die Moderne anzuknüpfen und die Gegenwartskunst zu fördern. Gleichwohl muss eine eindeutige stilistische Zuordnung Nays offen bleiben: So bilden seine Werke für manche Betrachter eine Fortführung des Expressionismus, für andere ist Nay einer der Hauptvertreter der lyrischen Abstraktion. Mit seinen „Hekate“-, den „fugalen“ und den rhythmischen Bildern sowie mit den berühmten Scheiben- oder den spät entstandenen Augenbildern eroberte sich Nay in der Nachkriegszeit einen festen Platz im Kanon der Kunstgeschichte.

Ausstellungsort: Prinzenpalais, Damm 1, 26135 Oldenburg
Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag: 10 – 18 Uhr
Öffnungszeiten an Feiertagen finden Sie hier.
Eintritt: 6 €, ermäßigt 4 €

Begleitprogramm zur Ausstellung

Öffentliche Führungen

Sa., 13. April, 16 – 17 Uhr
Sa., 11. Mai, 16 – 17 Uhr
So., 23. Juni, 12 – 13 Uhr

Treffpunkt: Kasse Prinzenpalais
Eintritt zzgl. 3 €

Weitere Informationen unter https://www.landesmuseum-ol.de/ausstellungen/vorschau/ausstellungen-aktuell/kabinettschau-ernst-wilhelm-nay.html

Der Workshop beschäftigt sich mit der kunstwissenschaftlichen Methode der Ikonographie und Ikonologie nach Erwin Panofsky. Panofskys mehrstufiges Modell der Interpretation von Kunstwerken zielt darauf ab, deren Bedeutungsgehalte zu entschlüsseln und sie in ihrem Ausdruckwert für die jeweilige Entstehungszeit zu verstehen. Im Workshop wird die Methode vorgestellt und historisch eingeordnet. An einem Beispiel wird das Verfahren der Ikonographie und Ikonologie als Prozess des Verstehens angewendet und überprüft. Am Ende des Workshops steht die Frage nach der Leistungsfähigkeit und den Grenzen der Methode.

Der Workshop findet im Rahmen des ForstA-Projekts statt (Seminar Forschungsmethoden).

Zum Gesamtprogramm

Die Bewerbungsphase für "Das Ruder 2019" läuft bis zum 15. Mai 2019. Wir freuen uns auf viele tolle Bewerbungen und spannende Projektideen!

Diese Voraussetzungen gelten für die Bewerbung

• Ihr Projekt richtet sich an Bürgerinnen und Bürgerin Bremen und / oder Bremerhaven.
• Mit der UmsetzungIhrer Projektideehaben Sie noch nicht begonnen.
• In Ihrem Projekt ist der Medieneinsatz didaktisch und methodischsinnvoll konzipiert.
• Ihr Projekt läuft höchstens 12 Monate und die Ergebnisse können 2020bei der nächsten Preisverleihung präsentiert werden.

Preisträgerinnen und Preisträger erhalten zur Umsetzung ihres Projekts einen Zuwendungsbescheid, die Förderung erfolgtauf Grundlage der Allgemeinen Nebenbestimmungen fürZuwendungen zur Projektförderung (ANBest-P).

Trailer "Das Ruder 2019"

Weitere Informationen und Anmeldeformulare

Vom 3. bis zum 7. April 2019 findet das Favourites Film Festival zum siebten Mal in Bremen statt. Im Cinema im Ostertor werden Filme aus aller Welt gezeigt, die bereits einen Publikumspreis gewonnen haben.
Im Zentrum des internationalen Programms steht in diesem Jahr das Thema Familie. Die Filme erzählen von Familiengeheimnissen und Familienbanden, von zerbrochenen Familien, vom Lossagen von der Familie und vom Ankommen in einer Ersatzfamilie, vom Kampf für und gegen die Macht der Familie, von der Einsamkeit innerhalb der Familie und von der lebensrettenden Kraft familiärer Liebe. Auch wenn die Figuren der einzelnen Filme mit sehr unterschiedlichen Herausforderungen konfrontiert sind, laden ihre Geschichten zur Reflexion über den Einfluss gesamtgesellschaftlicher Entwicklungen auf das Individuum und zugleich über die Verantwortung des Einzelnen für das große Ganze ein.

In Nos battailles/Our Struggles engagiert sich ein junger Vater, gespielt von Romain Duris (L’auberge Espagnol, Der wilde Schlag meines Herzens) im Betriebsrat des großen Online-Versandhändlers, für den er täglich Pakete sortiert. Als seine Frau, die Mutter seiner beiden Kinder, unerwartet verschwindet, muss er sein Leben neu sortieren. Der belgische Regisseur Guillaume Senez, der bereits 2016 mit seinem gefeiertem Debüt Keeper im Programm des Favourites Film Festival vertreten war, stellt einmal mehr die Rolle des Vaters in den Fokus seiner Erzählung. In Our Struggles verbindet er gekonnt die Qualitäten des belgischen und des französischen Kinos und schafft so einen zugleich einfühlsamen und sozialkritischen Film mit hoffnungsvollem Tenor.

Mit den Sorgen eines werdenden Vaters sieht sich auch der Pfarrer Ernst Toller in First Reformed, dem packenden Thriller von Taxi-Driver-Autor Paul Schrader, konfrontiert. Ethan Hawke (Before Sunrise, Boyhood) brilliert in der Rolle des zweifelnden Geistlichen - ein Wrack, zermartert von körperlichen Leiden, Alkohol und traumatischen Erinnerungen. Als die schwangere Mary (Amanda Seyfried, Mamma Mia!) in ihrer Garage eine Sprengstoffweste findet, wird dies für Toller zur  existentiellen Glaubensprüfung. Trotz Oscar-Nominierung und seiner soghaften erzählerischen Kraft ist dieses Meisterwerk bisher nicht im deutschen Kino zu sehen.

Como Nossos Pais/Just Like Our Parents erzählt von Rosa, Ende 30, Mutter von zwei Mädchen, Ehefrau, Geliebte und Tochter geschiedener Eltern. Bei einem Familienessen verkündet ihre Mutter unerwartet, dass Rosas Vater nicht ihr leiblicher Vater ist und so ihr Leben wird auf den Kopf gestellt. Aufgerieben zwischen verstrickten Familienstrukturen und vielseitigen Erwartungen, versucht sie den eigenen Ansprüchen als selbstbestimmte Frau gerecht zu werden. Laís Bodanzkys aus dem Leben  gegriffenes Porträt dreier Generationen in São Paulo ist eine lebhafte Reflexion von Rollenbildern ohne moralisierenden Zeigefinger.

Das komplette Programm finden Sie unten sowie auf der Festivalwebsite.

Tickets können ab sofort auf der Festivalwebsite reserviert und ab Mitte März auf cinema-ostertor.de gekauft werden.

Weitere Informationen unter https://www.focke-museum.de/was-ist-los/ostereier-2/
 

Mi 13.3.2019, 20:30 Uhr im CITY 46  kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert |Universität Bremen, begleitendzum Themenschwerpunkt ›Über die Dinge‹ in der Schwankhalle, Bremen.

Die Filme:

| Oskar Fischinger: Muratti greift ein | D 1934 | 2:36
| Peter Fischli & David Weiss: Der Lauf der Dinge | CH 1987 | 29:45
| Laure Prouvost: Wantee | UK 2013 | 15:00
| Susann Maria Hempel: 7 Mal am Tag beklagen wir unser Los und nachts stehn wir auf, um nicht zu träumen | D 2013 | 18:00

Bereits seit 1955 zeichnet die in Amsterdam ansässige World Press Photo Foundation alljährlich die besten Pressefotos der Welt aus. Der World Press Photo Award gilt als international wich­tigster Preis für Pressefotogra­fie und wurde in diesem Jahr zum 61. Mal vergeben. 2018 konnte die hochkarätig besetzte internationale Jury aus über 73.000 Einsendungen von rund 4.500 Fotografen auswählen.

Die Ausstellung der spektakulärsten Motive geht Jahr für Jahr auf Tournee durch rund 100 Städte in aller Welt. Im Februar 2016 organisierte die Medienagentur Mediavanti erstmals eine Schau der faszinierenden Bilder im Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte Oldenburg. Die Besucherzahlen gaben den Initiatoren recht. Zur Premiere 2016 kamen 14.300 Besucher, im zweiten Jahr waren es sogar mehr als 15.800.

Im Mittelpunkt wird erneut das gekürte Pressefoto des Jahres stehen, das eine Szene aus Venezuelas Hauptstadt Caracas zeigt. Am Rande der Proteste gegen Präsident Maduro fing José Víctor Salazar Balza bei der Explosion eines Motorrads Feuer. In hellen Flammen rannte er direkt am AFP-Fotografen Ronaldo Schemidt vorbei. Der spürte die Hitze hinter sich, drehte sich um und fotografierte. Die Jury attestierte dem Foto hohe Symbolkraft, Energie und Dynamik.

Mehr Informationen finden Sie unter www.worldpressphoto-oldenburg.de

Ausstellungsort: Schloss, Schlossplatz 1, 26122 Oldenburg
Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag: 10 – 18 Uhr
Sonderöffnung für Nachtschwärmer: Am Samstag, den 9. März, ist die Ausstellung bis 22 Uhr geöffnet!
Eintritt: 6 €, ermäßigt 4 €

Das Andere/The Other ist positiv und negativ besetzt zugleich und alles Mögliche dazwischen, schließt ein und schließt aus, wirft das Wahrnehmen des Anderen als "anders" immer auch auf das selbst zurück.
Gleich an zwei Orten, die verschiedener nicht sein könnten, wollen wir uns mit dem "Anderen" beschäftigen. Dabei wird 'das Andere/The other' in verschiedener Hinsicht aufgegriffen.
Von Künstler*innen, die zum Teil das erste Mal ausstellen, bis hin zu solchen, deren Werke bereits in größerem Rahmen gefeiert wurden und werden.

Im Antiquariat Seitenblick und dem Schwesterwohnheim erwarten dich Kunstwerke, Künstler*Innen Gespräche, Workshops, Musik, Performances und vieles mehr!
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Vorläufiges Programm

Hulsberg Crowd
ehemaliges Schwesternwohnheim,
Haltestelle am Hulsberg:

Freitag:
PERFORMANCES

Samstag:
WALK
"ein experimentelles Format"

KONZERT (ab 19 Uhr)
Primo
Nica
Malou

DJ (ab 21 Uhr)
Christoff Riedel https://soundcloud.com/riedelchristoff
Taradud. La6izi Communityhttps://soundcloud.com/la6izi
abd. La6izi Communityhttps://soundcloud.com/la6izi

VJ (ab 21 Uhr)
Juli
Sese https://vimeo.com/serainaherbst

BAR (ab 19 Uhr)

ausgestellte KÜNSTLER*INNEN:
Tanja Zafronskaia, Dörthe Jordan, Julian Elbers, Luca Diebold, Seraina Herbst, Juli

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Antiquariat Seitenblick:

KÜNSTLERINNEN:
Sabine Emmerich
www.sabine-emmerich.com
Elisabeth Wischeropp
https://elisabethwischeropp.jimdofree.com

Allgemeine Öffnungszeiten:
Fr. 16:00-20:00
Sa. 09:00-16:00
So. 13:00-15:00

Freitag:

ERÖFFNUNG (18 Uhr)

Samstag:

KÜNSTLER*INNEN GESPRÄCH (14 Uhr)
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Weitere Informationen findest du auf:
- Instagram: otherIwise
- Blog: www.kunstvermittlung-uni-bremen.jimdofree.com

Kontakt:
E-Mail: Forschung-Aktion-bremen@gmx.de


Konzipiert und umgesetzt im Rahmen des Seminars "Kunstvermittlung zwischen Forschung und Aktion"

Unterstützung durch die Kulturförderung des Studierendenwerks Bremen, STAKO Metallbau GmbH

Während der Führung erhalten die Gäste viele Informationen zur Entstehung der Sammlung und ebenso über ein zugehöriges Lyrikprojekt. In diesem Projekt in Kooperation mit dem Instituto Cervantes Bremen geht es um wechselseitige Inspirationen. Beispielsweise schreibt Ada Salas in seinem Gedicht mit dem Titel „Honig“ (Miel): „Wie Süßes das Herz / Durchtränkt“ (Cómo impregna lo dulce / el corazón). Dieses Gedicht ist assoziativ zu einer Duftessenz aus dem Labor des Parfumeurs und Kunstsammlers Ernesto Ventós Omedes verfasst. Diese Essenz wiederum hat der Sammler zu einem farbstarken Gemälde von Federico Herrero komponiert. Alle drei – Kunstwerk, Essenz und Gedicht – treffen sich erstmals in dieser Ausstellung.

An die Besucherinnen und Besucher werden die Fragen gestellt: Kann Sehen süß sein? Wie verändert der Klang poetischer Worte die Wahrnehmung? Welche Erinnerungen löst ein Duft aus? Kann der Geschmack von Honig Bilder erzeugen?

Die Gespräche in der Ausstellung können bei einer gemeinsamen Frühstücksrunde vertieft werden: ¡Que aproveche! – Guten Appetit!

Da die Plätze begrenzt sind, wird um Anmeldung unter Telefon (04221) 14132 oder per E-Mail an info@staedtische-galerie-delmenhorst.de gebeten.

Samstag, 9. Februar, 11 bis 16 Uhr
Eine Veranstaltung im Zentrum für Künstlerpublikationen

Die Zeitschrift ARTIC erscheint seit 25 Jahren in einer 1000er Auflage. Nach dem Druck beginnt jedoch erst die Hauptarbeit am Heft. In jeder Ausgabe gibt es ein bis zwei sogenannte „gestaltete Seiten“. Die Künstler*innen, deren Konzepte hierfür ausgewählt werden, realisieren ihre Arbeiten direkt im frisch gedruckten Heft, 1000-mal. Die Möglichkeiten sind unbegrenzt.

Der Workshop findet unter der Moderation von Andreas Drewer und Tina Dunkel, Künstler*in aus der ARTIC-Redaktion im Zentrum für Künstlerpublikationen in der Weserburg | Museum für Moderne Kunst statt. Wer zum Workshop eine alte Jeans mitbringt, kann mit dieser ein "eigenes" Faul-Heft gestalten.

Teilnehmerzahl: 8 - 15 Personen. Anmeldung bis 5. Februar unter brach@weserburg.de oder 0421-59839-44
Teilnahmegebühr: 20 Euro (inklusive Material und eines im Workshop produzierten Hefts, welches im Verkauf 20 Euro kostet)
Dauer: 11 bis 16 Uhr (1 Stunde Mittagspause) 

Im Rahmen der Ausstellung ausschweifend faul & zornig zaudernd. 25 Jahre ARTIC Magazin – Blick zurück nach vorn (noch bis zum 24. Februar): Weitere Informationen zur Ausstellung: www.weserburg.de/ARTIC

Freitag, 8. Februar, 18 Uhr
Eintritt 5 Euro / erm. 3 Euro

Eine Veranstaltung des Zentrums für Künstlerpublikationen, im Rahmen der Ausstellung "ausschweifend faul & zornig zaudernd. 25 Jahre ARTIC Magazin - Blick zurück nach vorn" (noch bis 24. Februar)

Das Bild als Material zu begreifen, ist Schwierigkeit und Chance zugleich. Unter diesem Gesichtspunkt hat der Bildforscher und Künstler Elmar Mauch mit seinem "Institut für künstlerische Bildforschung" einen innovativen künstlerischen Forschungsansatz in der Auseinandersetzung mit anonymen Alltagsfotografien entwickelt. In seinem Vortrag Denken in Bildern zeigt er inspirierende Beispiele zu den unterschiedlichen Methoden und Erzählweisen des Fotografischen. Dabei wird er auch über die Begriffe "erweiterte Fotografie", "Bildrhetorik" und "visuelle Poesie" sprechen und anhand eigener Arbeiten in das Feld des experimentellen Arbeitens mit fotografischen Bildern im Künstlerbuch einführen.

Donnerstag, 7. Februar 2019, 19 Uhr
Eintritt 5 Euro / erm. 3 Euro

Eine Veranstaltung im Rahmen der Ausstellung What Paradise? Sammlung Florian Peters-Messer (noch bis zum 10. Februar).

Nicht nur im so genannten Reality TV, auch in der Gegenwartskunst werden ‚echte Menschen‘ in künstlichen Situationen für die Kamerabeobachtung in Szene gesetzt. Die mit Partizipation traditionell verbundenen Ansprüche von politischem Engagement und sozialer Emanzipierung geraten dabei im 21. Jahrhundert zunehmend in die Krise. Der Vortrag untersucht, wie sich zeitgenössische Videoinstallationen mit den in diesem Zusammenhang aufkommenden Konfliktfeldern kritisch auseinandersetzen, ohne dabei jedoch das Spektakuläre sozialer Experimentalanordnungen aufzugeben.

Vorgestellt werden u.a. auch Werke von Yvon Chabrowski und Santiago Sierra, die aktuell in der Ausstellung What Paradise? Sammlung Florian Peters-Messer zu sehen sind. Weitere Informationen zur Ausstellung: www.weserburg.de/WhatParadise

In einer Teheraner Einrichtung, dem sogenannten Korrektur- und Rehabilitätszentrum, werden minderjährige Frauen aus der Gesellschaft ferngehalten, weil sie sich mit Gewaltdelikten, Drogenhandel oder Mord straffällig gemacht haben. Zum Teil schon Mutter oder verheiratet, erzählen sie sich von ihren Taten, welche Gründe dazu geführt hatten, und von der Angst davor, in ihre alten Leben zurückkehren müssen. Unter einander erfahren sie das erste Mal in ihrem Leben Gefühle der Gemeinschaft, Zugehörigkeit und Solidarität.
Der Film beleuchtet die ersten institutionellen Schritte einer repressiven Gesellschaft, die zu Verarmung, Entfremdung und Geschlechterdiskriminierung führen. Mehrdad Oskouei, einer der bedeutendsten unabhängigen Dokumentarfilmer des Iran, kämpfte sieben Jahre für die Erlaubnis, Aufnahmen in einem Gefängnis machen zu dürfen. Seiner sensiblen und zurückhaltenden Herangehensweise ist es zu verdanken, dass man so einen intimen Zugang zu den verletzlichen jungen Frauen erhält und dass sie so schonungslos offenherzig ihre Geschichten, ihre Träume und ihre Ängste darlegen. „At once inextricably rooted in specific cultural circumstances yet speaking to the universal experience of state institutionalization, Starless Dreams is a deeply revealing humane study of the limits of the permissible.” (Rendezvous with Madness Film Festival Toronto)

Royahaye dame sobh, IRN 2016, Regie: Mehrdad Oskouei, 76 Min., persisch OmengU

Das ungewöhnliche an der Ausstellung Bildersprachen ist zunächst, dass die Zusammenstellung der Künstler*innen nicht einem bestimmten inhaltlichen Thema oder Leitsatz untergeordnet ist, sondern sich die Auswahl an den Texten eines zuvor erschienenen Buches orientiert. Die Texte sind hauptsächlich verschriftliche Eröffnungsreden von Ausstellungen, die der Autor zwischen 2010 und 2017 im norddeutschen Raum gehalten hat.

Und genau das ist das Thema: Reden über Kunst. Die Interpretation eines Kunstwerks hebt es auf eine andere Stufe und verleiht ihm eine Bedeutungsebene, die zumeist nicht mehr in der Hand des Künstlers liegt. Gute Texte können das Kunstwerk adeln, schlechte ihm sogar schaden.
Die Ausstellung möchte dem Thema nachgehen wie über Kunst so gesprochen werden kann, dass der Text zum Allgemeingut werden kann und die ästhetische Erfahrung des Kunstbetrachtenden nicht zerredet, sondern unterstützt und vertieft wird. 

Teilnehmende Künstler*innen:
Thomas Behling, Achim Bertenburg, Blaumeier-Atelier (Colette Boberz, Christian Plep, Victor Puppe, Heike Räber, Peter Völker, Sascha Wegener), Susanne Bollenhagen, Peter Boué, Veronika Dobers, Burchhard Garlichs, Gunther Gerlach, Christian Haake, Werner Henkel, Regina Hennen, Christian Holtmann, Constantin Jaxy, Emese Kazár, Debora Kim, Heinrich Modersohn, Jub Mönster, Horst Müller, Louis Niebuhr, Agata Nowosielska (Polen), Edith Pundt, Elianna Renner, Dieter Rogge, Inger Seemann, Ute Seifert, Peter-Jörg Splettstößer, Sibylle Springer, Jürgen Strasser, Martin Voßwinkel, Charles Vreuls (Niederlande), Hans-Albert Walter, Michael Weisser.

Die Ausstellung wird gefördert durch die Karin und Uwe Hollweg-Stiftung und den Landschaftsverband Weser-Hunte e.V. mit Mitteln des Landes Niedersachsen.

Materialsponsoring: Konrad Hornschuch AG

*Rainer Beßling, 1954 in Recklinghausen geboren, lebt in Syke, studierte Sozialwissenschaften, Germanistik und Geschichte an den Universitäten Münster und Bochum. Danach begann er mit einer journalistischen Tätigkeit am Westfälischen Anzeiger in Hamm und wurde 1989 Redaktionsleiter Feuilleton und Kulturredakteur der Kreiszeitung Syke. 1995 wurde er an der Gottfried Wilhelm Leibniz Universität Hannover mit einer Arbeit über Johann Georg Sprengel und den Deutschen Germanistenverband zum Dr. phil. promoviert.

Weitere Informationen unter www.syker-vorwerk.de

Mittwoch, 30. Januar 2019| 18 Uhr

Eröffnung

Mittwoch, 30. Januar 2019 | 19 Uhr

Grußwort:

Dr. Nicole Deufel

Leiterin des Amtes für Museen, Sammlungen und Kunsthäuser

Einführung:

Edit Molnár & Marcel Schwierin

Leitung Edith-Russ-Haus

Die Einzelausstellung des Berliner Künstlerduos Nina Fischer & Maroan el Sani versammelt Arbeiten, die in den zurückliegenden fünfzehn Jahren ihrer Laufbahn entstanden sind. Fischer & el Sani arbeiten seit 1993 zusammen an ihrer interventionistischen und situationistischen künstlerischen Praxis. In filmischen und fotografischen Bildern untersuchen sie Gesellschaften im Wandel und verwenden dabei sowohl dokumentarische als auch fiktionale Elemente.

Zentrale Protagonisten ihrer Projekte sind oft urbane Räume und signifikante Bauwerke, die die Last des kollektiven Gedächtnisses tragen und in die sich die Kräfte historischer Veränderungen und Umbrüche eingeschrieben haben. Fischer & el Sanis poetisch-filmische und performative Untersuchungen basieren auf der künstlerischen Wiederbelebung solcher Orte um so deren verborgene Geschichte erfahrbar zu machen.

Die Künstler untersuchen unterschiedliche ikonische Schauplätze, darunter eine künstliche Insel in Japan, die nach dem Abbau unterseeischer Kohlevorkommen aufgegeben wurde, ein faschistisches Bauwerk, das Benito Mussolini in Rom errichten ließ, oder den Palast der Republik der ehemaligen DDR in Ostberlin. Dadurch eröffnen sich Möglichkeitsräume, um Geschichte als Machtfantasie zu betrachten, gescheiterte Utopien zu kommentieren oder über potenzielle Zukunftsszenarien zu spekulieren.

In einer Zeit, in der das Fremde immer misstrauischer betrachtet wird, legt der Ausstellungstitel eine mögliche Rolle der Künstler als „aktive Gäste“ nahe, die überall, wo sie als „residents“ leben, eine Vorstellung von universeller Solidarität herausfordern. Fischer & el Sani hatten die Möglichkeit, in verschiedenen kulturellen Umfeldern zu leben und zu arbeiten. Ihre emotionalen und professionellen Beziehungen zu den jeweiligen Gemeinschaften erlaubten es ihnen, ein anderes Verständnis dieser Kontexte zu entwickeln. Als „aktive Gäste“ entdecken sie an diesen Orten allgemeine Mechanismen des Scheiterns und werden dadurch zu ebenso sensiblen wie kritischen Erzählern des gesellschaftlichen Umbruchs, den sie in großformatigen Videoinstallationen und Fotoserien darstellen.

In der Führung wird die ganze Bandbreite der Cartoonkunst beleuchtet: Wer hat den ruppigsten Strich, wer die Figuren mit der minimalsten Mimik? Wer montiert ausschließlich gefundenes Material zu feinen Witzen?

WICHITGER HINWEIS
Die Karten kosten 10 Euro (8 Euro ermäßigt) und sind nur im Pressehaus erhältlich oder über Nordwest Ticket (0421-36 36 36¸ https://www.nordwest-ticket.de/thema/deutscher-karikaturenpreis/). Begrenzt auf 40 Personen!

Mi. 23.1.2019, 20:30 Uhr im CITY 46 kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen, begleitend zur Ausstellung »Cindy Sherman« im Museum Weserburg, Bremen,

Die Filme:
   | Tanz für eine Frau | Ulrike Rosenbach | BRD 1975 | 9 min.
   | Dress Rehearsal und Karola 2 | Noll Brinckmann | BRD 1980-81 | 14 min.
   | Comeback | Mara Mattuschka | A 2005 | 14 min.
   | Le Dernier Cri | Erwin Olaf | NL 2006 | 4 min.
   | Forever | Julika Rudelius | NL 2006 | 17 min.
   | Red Moon Rising | Vivienne Dick | IRL 2015 | 15 min.

Umfang: ca. 20 Stunden pro Monat (ca. 240h gesamt), Zeitraum: 1.2.-12.12.2019

Aufgaben:

– Recherche und organisatorische Mitwirkung

– Erstellung und redaktionelle Betreuung von Onlineplattformen auf Wordpressbasis

– Weiterbildung im ZMML zur Erstellung von universitätsinternen Blogs auf Wordpressbasis

Voraussetzungen:

– Bereitschaft, sich mit Untertützung des ZMML (und selbstständig) in die Webseitengestaltung einzuarbeiten

– Interesse, sich an der konzeptionellen Entwicklung der Website zu beteiligen

– Sicherheit im Verfassen und Korrigieren von Texten

– Erfahrung in der Recherche und im Umgang mit wissenschaftlicher Literatur

Siehe die Kurzdarstellung des Projekts „Entwicklung eines Methodencurriculums für den Studiengang Kunst- Medien-Ästhetische Bildung mit digitaler Lehr- und Lernumgebung“ unter www.uni-bremen.de/forsta/projekte/.

Bitte senden Sie zur Bewerbung bis zum 15.01.2019 ein kurzes Motivationsschreiben mit Lebenslauf an Dr. Bettina Henzler, henzler@uni-bremen.de.
 

Download Stellenausschreibung (PDF)

Städtische Galerie Delmenhorst
Fischstr. 30
27749 Delmenhorst
Telefon: 04221 14 13 2
Telefax: 04221 14 19 2
E-Mail: info@staedtische-galerie-delmenhorst.de
Internet: www.staedtische-galerie-delmenhorst.de

D 2015, R: Isabella Gresser, mit Byung-Chul Han, Park-Chan Wook, 61 Min., OmU

Städtische Galerie Delmenhorst
Fischstr. 30
27749 Delmenhorst
Telefon: 04221 14 13 2
Telefax: 04221 14 19 2
E-Mail: info@staedtische-galerie-delmenhorst.de
Internet: www.staedtische-galerie-delmenhorst.de

Wir laden herzlich dazu ein, anlässlich des Tages der Lehre, am 5. Dezember 2018, 9:30-12:30 im Großen Atelier (GW 2 B3810), gemeinsam über neue Formen der Lehre am Institut für Kunstwissenschaft – Filmwissenschaft – Kunstpädagogik zu diskutieren. Zum Start des Projekts ForstAintegriert (siehe Kurzdarstellung unten) steht das Verständnis und die Vermittlung von  Forschungsmethoden, die Entwicklung einerDigitale Lehr- und Lernumgebung und das Angebot von Schreibwerkstätten zur Diskussion.

Wir freuen uns über eine rege Teilnahme, um gemeinsam den Studiengang Kunst-Medien-Ätshetische Bildung weiter zu entwickeln.

***

Ablauf

Vorstellung des ForstAintegriert-Projekts zur Entwicklung der Lehre am Studiengang Kunst-Medien-Ästhetische Bildung (2018-2020)

In der Diskussion:

-       Forschungsmethoden, mit Prof. Dr. Winfried Pauleit, Prof. Dr. Elena Zanichelli, Prof. Dr. Maria Peters

-       Digitale Lehr- und Lernumgebung, mit Prof. Dr. Maria Peters

-       Schreibwerkstätten, mit Britta Petersen und Malea Frickmann

Einführung und Moderation: Dr. Bettina Henzler

***

Forschen lehren und lernen: Entwicklung eines Methodencurriculums für den BA-Studiengang Kunst-Medien-Ästhetische Bildung mit digitaler Lehr-und Lernumgebung  (ForstAintegriert am Institut für Kunstwissenschaft–Filmwissenschaft–Kunstpädagogik, 2018-2020)

Nach der Reform der Studieneingangsphase (ForstA 2012-2014) steht im Rahmen von ForstAintegriert die Auseinandersetzung mit Forschungsmethoden im Vordergrund.

Welche Forschungsmethoden sind für die drei Fächer des interdisziplinären Bachelor-Studiengangs Kunst-Medien-Ästhetische Bildung grundlegend? Welche Rolle spielen Methoden in der Forschung und was verstehen wir darunter? Wie können Methoden gegenstands- und theoriegeleitet entwickelt und kritisch befragt werden? Wie läßt sich die Vermittlung von Forschungsmethoden durch digitale Materialien und Lernformate unterstützen?

Im Rahmen des Projektmoduls 5 im zweiten Studienjahr stellen Kolleg*innen des Instituts und Gastreferent*innen der drei Fachgebiete Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik Forschungsmethoden vor und diskutieren sie gemeinsam mit den Studierenden. Auf dieser Basis entwickeln wir ein Methodencurriculum, das eine Integration der verschiedenen Fachdisziplinen ermöglicht und für den gesamten Studienverlauf Orientierung bietet. Eine digitale Lern- und Lehrumgebung sichert die Ergebisse, stellt neue Formate und Materialien für Lehrende und Studierende bereit und ermöglicht einen institutsübergreifenden Austausch. Flankierend zu diesen Maßnahmen werden Angebote von studentischen Schreibcoaches langfristig in den Studiengang eingebettet, die eine individuelle Unterstützung der Schreibpraxis ermöglichen– als grundlegende Voraussetzung kunst- und geistenswissenschaftlicher Forschung. Mit diesen Maßnahmen soll die fachliche Integration des interdisziplinären Studiengangs befördert und auf die Bedürfnisse einer heterogenen Studierendenschaft eingestellt werden.

Pat versucht, die zerbrochene Beziehung zu seiner Ex Veronica wiederherzustellen, nachdem er aus der Nervenklinik entlassen wurde. Die emotional instabile, unangepasste Tiffany hilft ihm dabei und verlangt von ihm im Gegenzug, ihr Partner bei einem Tanzwettbewerb zu sein. Pats gewaltvolle Vorgeschichte und sein abergläubischer Vater stellen sich ihm abermals in den Weg. Die Konflikte spitzen sich bis am Abend der Tanzaufführung zu, bei der auch Veronica zugegen sein wird.
Ein gelungenes Beispiel für einen humorvollen Umgang mit Depression und ein wichtiger Beitrag zum unterrepräsentierten Thema von affektiver Störung bei Männern.

Silver Linings Playbook, USA 2012, R: David O. Russell, mit Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, 122 Min., OmU

Di. 27.11.2018, 18:30 Uhr im CITY 46, kuratiert von Christine Rüffert | Universität Bremen.

Die Filme:
   | Facing a Family | Valie Export | A 1971 | 5 min.
   | Children | Paolo Gioli | I 2008 | 6:10 min. | 16mm.
   | 14. März 1938 - Ein Nachmittag | Christoph Weihrich | A 1938 - 2008 | 10 min. |16mm.
   | L'Échec Total | Christophe Guérin | F 2010 | 2:24 min.
   | Meine Familie und ich | Sylvie Boisseau & Frank Westermeyer | D 1997 | 16 min.
   | Award Presentation to Andy Warhol | Jonas Mekas | USA 1964 | 12 min. | 16mm.

Anders wird bald die Entzugsklinik verlassen. Ein Vorstellungsgespräch bei einer Zeitungsredaktion soll ihm eine neue Perspektive geben. Bei dem Freigang realisiert er jedoch die Folgen seines Lebensstils. Er findet sich auf einer Party wieder und verliert sich erneut in der oberflächlichen Leichtigkeit des Lebens. „‚Oslo, 31. August‘ balanciert hoch verdichtet und stilistisch klar zwischen Sprachlosigkeit und Sprache, Menschenporträt und Stadtlandschaft. Es ist ein stiller Film ohne Empörung, ohne Weinerlichkeit. Ein freundlicher Film ohne Hoffnung, ein heller Film über die Verzweiflung.“ (Frankfurter Rundschau)
Wie Malles Film Das Irrlicht basiert auch dieser Film auf dem Roman Le feu follet von Pierre Drieu la Rochelle, in dem er den Freitod seines Freundes, des Surrealisten Jacques Rigeaut, verarbeitet.

NOR 2011, R: Joachim Trier, mit Anders Danielsen Lie, Hans Olav Brenner, Ingrid Olava, 96 Min., OmU

Der rebellische Lebemann Alain Leroy lässt sein junges Leben Revue passieren: Alkohol, Frauen, Intellektualismus und das süße Nichtstun geben sich mit Haltlosigkeit und innerer Leere die Hand. Das alles zu einem Soundtrack von Erik Satie. Eine Odyssee, die ihn an die Grenzen des französischen Existenzialismus bringt, an die Grenzen der Freundschaft und seiner eigenen Haltung zum Leben.
In Bezug auf die französische Nouvelle Vague, der der Filmemacher Louis Malle häufig zugerechnet wird, gilt Malle selbst als Lone Wolf. Mit der Inszenierung von Leroys Geschichte verfestigte Malle seinen Stil, der bis heute Einfluss auf Filmemacher wie Wes Anderson ausübt.

Le feu follet, F 1963, R: Louis Malle, mit Maurice Ronet, Jeanne Moreau, Yvonne Clech, 108 Min., OmU

WohnSeiten: Ins Bild gesetzt und durchgeblättert. Zeigestrategien des Wohnens in Zeitschriften
10. - 12. Mai 2019, Bremen

Internationale Tagung des Forschungsprojekts Wohnseiten. Deutschsprachige Zeitschriften zum Wohnen vom 19. Jahrhundert bis zur Gegenwart und ihre medialen Übertragungen im Forschungsfeld wohnen+/-ausstellen in der Kooperation des Instituts für Kunstwissenschaft - Filmwissenschaft - Kunstpädagogik an der Universität Bremen mit dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender (Leitung: Prof. Dr. Irene Nierhaus, Dr. Kathrin Heinz).

Wohnen will gelernt sein... Eher veränderlich als un-verrückbarer Zustand, ist Wohnen auch Handeln. Dieses Handeln ist Teil gesellschaftlicher und politischer Prozesse und Zuschreibungen und wird sowohl beständig als auch immer wieder neu vermittelt. Medien spielen dabei eine tragende Rolle: Durch spezifische Zeigemechanismen werden Subjekte in ihren Wohnweisen adressiert und zum Tätigwerden aufgefordert. Es wird geclustert, gefaltet, seitenweise angeordnet, eingeschrieben, ausgelassen, vor allem aber auch: wiederholt und fortgesetzt.

Im Angebot der illustrierten (Massen-) Presse findet sich eine schier unüberschaubare Menge an Bildern und Diskursformationen des Wohnens und Einrichtens: Wer wohnt wie und mit wem, mondän, prekär, minimalistisch, prunkvoll... Seite für Seite werden Einrichtungstipps, Homestories und Anleitungen zum „richtigen“ Wohnen vermittelt und gelehrt. Zeitschriften, Magazine, Journale und mediale Verbünde mit einem Fokus auf Wohnpraktiken stehen in dieser Tagung mir ihrer seriellen, auf ein didaktisches Programm ausgerichteten Ästhetik im Fokus. Wie wird Wohnen zu sehen gegeben, welche Bilder von Wohnen werden entworfen und inszeniert? An welcher Stelle wird gewohnt oder erfahren wir Ungewohntes? Wie konfiguriert die (Wohn-) Zeitschrift das Tun mit ihr und welche didaktischen Strategien werden (un-) sichtbar gemacht? Wer wird von der Zeitschrift wohin platziert, wie wird das Subjekt als ein Tätiges (tätiges) entworfen? Wie setzt die Zeitschrift gewohnte Beziehungsweisen und Geschlechterpositionen ins Bild, welche Subjektpolitiken begegnen uns beim Schauen, Blättern und Querlesen?

Von frühen Mode- und Familienjournalen bis zu aktuellen Formaten sollen Darstellungen des Wohnens als sich selbst in Gang haltende Kategorisierungs- und Bewertungspraxen untersucht werden. Die ästhetische Struktur der Zeitschrift gibt Machtkonstellationen zu sehen, durch die Bewohner_innen und Leser_innen als sozial und politisch Agierende, vergeschlechtlichte und konsumierende Subjekte adressiert werden. Im Display der Zeitschrift wollen wir uns den verschiedenen Prozessen des Zu-Sehen-Gebens von Wohn-Raum, seiner Architektur und Einrichtung sowie der in ihm und mit ihm agierenden Bewohner_innen annähern.

Die Tagung möchte Positionen und aktuelle Forschungsschwerpunkte an der Schnittstelle von Wohnen und Zeitschriftenforschung aus unterschiedlichen Disziplinen und Fachkulturen zusammenbringen, wie z.B. der Kunstwissenschaft und Visual Culture Studies, Architekturwissenschaft, Literaturwissenschaft oder Medienwissenschaft.

Mögliche Themenfelder für Tagungsbeiträge mit Bezug auf mediale Konzepte, (Re)-Präsentationen und Politiken des Wohnens können sein:Wohnen, Wohngeschichte

• Gender / Geschlechtergeschichte
• Körper im Wohnen / Gesundheit / Hygiene
• Gestaltung / Typografie / Grafik / Bildgebungsverfahren / Fotografie
• Performativität in und durch Zeitschriften
• Hygiene & Gesundheit
• Architektur / Design / Textil im Wohnraum
• Soziale Gefüge im Wohnen

Vortragsvorschläge (Titel, Abstract max. 500 Wörter, biographische Angaben) senden Sie bitte bis zum 15.10.2018 per E-Mail an diese beiden Adressen:
anna.riedel@msi.uni-bremen.de
rosanna.umbach@msi.uni-bremen.de

+/-

Konzeption und Organisation:
Dr. Katharina Eck
Anna-Katharina Riedel
Rosanna Umbach

+/-

Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender
c/o Universität Bremen
SFG 1410/1420
Enrique-Schmidt-Str. 7
28359 Bremen

www.mariann-steegmann-institut.de

Es werden Abstracts erbeten, die sich auf ein Thema des skizzierten Spektrums beziehen und ein Interesse an interdisziplinärem bzw. filmtheoretischem Austausch erkennen lassen. Wenn Sie am 24. Internationalen Bremer Symposium zum Film teilnehmen möchten, dann senden Sie uns bitte bis zum 20.10.2018 ein Abstract (2000 Zeichen) und eine Kurzbiografie in deutscher oder englischer Sprache zu. Im Rahmen der begrenzten Mittel kann ein Reisekostenzuschuss gewährt werden.

   | Call for Papers (deutsch)

Nach einem französischen Gesetz aus dem September 2013 hat jeder Mensch, der ohne Einverständnis in eine psychiatrische Einrichtung eingewiesen wird, das Recht auf eine richterliche Beurteilung nach zwölf Tagen. Bei der Anhörung werden die Menschen mit einer juristischen und klinischen Sprache konfrontiert, die sie nicht sprechen.
Die zurückhaltende Dokumentation des vielfach prämierten Fotojournalisten und Filmemachers Raymond Depardon beleuchtet die Praktiken heutiger Internierung an den Grenzen der juristischen, medizinischen und moralischen Rechtfertigbarkeit. „Nie zuvor hat man solche Bilder aus einer Psychiatrie gesehen, wie Depardon sie in einer Einrichtung in Lyon eingefangen hat.“

12 Jours, F 2018, R: Raymond Depardon, 86 Min., OmU

Künstlerinnen und Künstler
Kader Attia, Viktoria Binschtok, Peggy Buth, Yvon Chabrowski, Arash Hanaei, Jonathan Hernández, Thomas Hirschhorn, Pieter Hugo, Sven Johne, Jon Kessler, Douglas Kolk, Bjarne Melgaard, Thomas Rentmeister, Achim Riethmann, Julian Röder, Tom Sachs, Santiago Sierra, Kon Trubkovich, Susan Turcot.

Kuratiert von Peter Friese und Ingo Clauß

Mit großzügiger Unterstützung der Museumsfreunde Weserburg

Weserburg | Museum für moderne Kunst
Teerhof 20, 28199 Bremen, Germany
Tel 0049-(0)421-59839-0
Fax 0049-(0)421-505247
mail@weserburg.de
www.weserburg.de

Öffnungszeiten                                 
Di-So 11-18 Uhr
Do 11-20 Uhr

Mi. 19.9.2018, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert von Christine Rüffert | Universität Bremen. Zu Gast und Einführung von: Telemach Wiesinger.

Der Film:
   | Kaleidoscope | Telemach Wiesinger | M: Alexander Grebtschenko | D 2015 | 82:00 mins. | sw., im Vorprogramm:
   | Die Ankunft eines Zuges | Telemach Wiesinger | D 2011 | 3 mins. | s/w

Trailer:vimeo.com/127069018

In Kooperation mit dem Kunsthaus Hamburg

In Zeiten, in denen zeitgenössische Kunst verstärkt die Bedingungen und Ästhetiken virtueller Realitäten reflektiert, posthumane Theorien virulent sind und die Digitalisierung der Welt eine Faszination an Oberflächen und gefundenen Bildern geschaffen hat, wird parallel eine Kunstproduktion offensichtlich, die bewusst haptische Materialien und (kunst-)handwerkliche Herstellungsprozesse einsetzt.

Das zweiteilige Ausstellungsprojekt Further Thoughts on Earthy Materials in GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst Bremen und Kunsthaus Hamburg untersucht, welche Fragestellungen der Hinwendung zu den Techniken und dem Material der Keramik in der künstlerischen Produktion des 21. Jahrhunderts zugrunde liegen.
Further Thoughts on Earthy Materials versammelt Arbeiten einer jüngeren Künstler/innengeneration, die ungewöhnliche Wege im Umgang mit keramischem Material gehen - Arbeiten, die nicht für ein Revival von Traditionen oder eine künstlerische Rückwärtsbewegung stehen, sondern für neue Wege mit traditionellen Verfahren und Themenstellungen. Die Kapitel in Bremen und Hamburg widmen sich dabei unterschiedlich gelagerten Aspekten in zwei Gruppenausstellungen. Das Kunsthaus Hamburg setzt sich mit zeitgenössischen Technologien und Produktionsprozessen auseinander.

Das Ausstellungskapitel in der GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst Bremen nimmt eine Prämisse in den Blick, die den erdhaften Materialien bereits inhärent ist: den Körper.
So zeigt sich die Anwesenheit des Körpers im klassischen keramischen Herstellungsverfahren, indem das Material mit den Händen geformt und aufgebaut wird, die Produzent/innen unvermeidlich Spuren hinterlassen und sich so im Objekt abbilden – was im Ergebnis den Unikatcharakter des Entstandenen wesentlich ausmacht. Aufgrund der dem keramischen Prozess innewohnenden Körperverbundenheit scheint es daher nur folgerichtig, dass der Körper in vielen künstlerischen Auseinandersetzungen mit der gebrannten Erde auch zu einer inhaltlichen Bezugsgröße wird.
In der GAK-Ausstellung äußert sich diese im befragten Material selbst angelegte Perspektive im klassischen keramischen Objekt ebenso wie in der installativen Anordnung, in Film, Fotografie, Diaprojektion oder Performance. Ähnlich weit gefasst sind die Themenstellungen, mit denen körperliche Aspekte mithilfe von Lehm, Ton oder Erde untersucht werden. Körperabbilder, -zustände, -verfremdungen, –grenzen oder -wahrnehmungen werden von unterschiedlichen Perspektiven eingekreist. Fragen nach Körperoptimierungen in neoliberalen Zeiten, der Grenze zwischen Außen- und Innenwahrnehmung oder Geschlechterzuschreibungen werden ebenso verhandelt wie nach dem Verhältnis von Mensch und Tier oder politischen Zuständen.
 
Kuratiert von Janneke de Vries

Im Anschluss an die Ausstellungen erscheint eine Publikation im Verlag der Buchhandlung Walther König.

Informationen zum umfassenden Begleitprogramm zur Ausstellung finden Sie hier.

GAK GESELLSCHAFT FÜR AKTUELLE KUNST
Teerhof 21
D-28199 Bremen
fon +49 421 500 897
fax +49 421 593 337
office@gak-bremen.de
www.gak-bremen.de

ÖFFNUNGSZEITEN
Di-So 11-18 Uhr, Do bis 20 Uhr, Mo geschlossen

EINTRITT
Euro 3.- / Ermäßigt 2.- / Mitglieder GAK frei
Kombiticket mit der Weserburg I Museum für moderne Kunst Euro 10.- / Ermäßigt 6.-

Mehr zum Forschungsprojekt: www.uni-bremen.de/de/film/forschung/forschungsprojekte/

Mehr zum Forschungslab: zemki.uni-bremen.de/de/labs/lab-film-medienkunst-und-populaerkultur.html

In den 1960er Jahren zunächst als abstrakte Malerin ausgebildet, wendet Groover sich in den frühen 1970er Jahren der Fotografie zu, da ihr dieses Medium freier und künstlerisch offener scheint als die männlich dominierte Malerei. Eine malerische Herangehensweise bleibt jedoch auch in ihren fotografischen Arbeiten erkennbar und äußert sich von Beginn an in deren sorgfältiger Komposition und dem Schmelz der Farben und Oberflächen. Groovers Aufnahmen spiegeln ihre Vorliebe etwa für Fra Angelico und die Meister der europäischen Malerei des 14. und 15. Jahrhunderts, besonders aber für Cézanne oder Morandi – und verwandeln deren Ansätze in etwas sehr Zeitgenössisches. Sie fordern die Grenzen des fotografischen Mediums heraus, indem sie sich von der mit ihm allgemein assoziierten, vermeintlichen Authentizität und dem Dokumentarcharakter distanzieren und ein präzise komponiertes Bild präsentieren: Farbe und Form rücken in den Fokus, Perspektiven werden vermengt und aufgehoben und Licht wird zum Gegenstand an sich in reflektierenden Oberflächen.

Besonders deutlich zeigt sich dieser Ansatz in den Stillleben, die sie seit Ende der 1970er Jahre aus den Gerätschaften ihrer Küche zusammenstellt: Alltägliche Objekte wie Pfannenwender, Messerklingen, Schneebesen, Gabelzinken, Eierschneider oder Backformen werden gemeinsam mit Pflanzenblättern und Gemüse zu etwas außerhalb ihres Gegenstandes überhöht. Bei Groover sind es nicht mehr die üppig gedeckten Festtafeln der Wohlhabenden oder symbolisch aufgeladene Arrangements aus Früchten und Blumen, sondern die Küchenutensilien der Hausfrau, die sich im Abwaschbecken stapeln, die auf ihre formalen Wirkungen im Zusammenspiel von Struktur, Licht, Form und Farbe untersucht werden. Die Kitchen Still Lifes verknüpfen Groovers fotografischen Ansatz auf subtile Weise mit feministischen Fragestellungen, wie sie sich z.B. in Martha Roslers Semiotics of the Kitchen von 1975 oder rund ein Jahrzehnt später in den Strickbildern von Rosemarie Trockel finden. Darüber hinaus erinnert ihre Befragung der Konventionen ihres Mediums an die Ansätze von Zeitgenoss/innen wie Cindy Sherman oder Richard Prince. Auch bei Groover rückt das Banale des amerikanischen Alltags mit den Mitteln der Fotografie in den Vordergrund, jedoch auf eine Weise, die die ästhetischen Qualitäten durchschnittlicher Hausfrauenutensilien transformiert und die Poesie des Einfachen offenbart. Groovers Arbeiten wohnt damit eine Komplexität inne, die der langjährige Direktor der fotografischen Abteilung des MoMA Museum of Modern Art New York, John Szarkowski, in der Äußerung zusammenfasste: „Her pictures were good to think about because they were first good to look at.“ In einem Text von 1994 setzte er die Künstlerin gar in eine Entwicklungslinie mit Fotografiegrößen wie Walker Evans, Edward Weston, Dorothea Lange oder Henri Cartier-Bresson.

Wie die Küchengerätschaften der Kitchen Still Lives entstammen auch Groovers weitere Themenstränge dem Alltag. Ihr Interesse an den Anfängen der Fotografie führt sie etwa zu den Bewegungsstudien von Eadweard Muybridge. Wenige Jahre vor den Kitchen Still Lifes entstehen so konzeptuell anmutende Bilderserien von amerikanischen Highways oder Wohnungssiedlungen, die vom immer gleichen fotografischen Standpunkt der Bewegung von Autos folgen, einen identischen LKW als Sequenz aus dem Bild verschwinden lassen oder Fahrzeuge bestimmter Farbgebung im Moment der Bilddurchquerung wiedergeben. Schon hier äußert sich Groovers Interesse an den bildgestaltenden Qualitäten von Farbe und Form sowie an der Fotografie als zeitbasiertem Medium.

Seit Anfang der 1980er Jahre entstehen darüber hinaus Aufnahmen, die den menschlichen Körper, Naturelemente oder Gebäude zu einem Über- und Nebeneinander unterschiedlich verlaufender Linien auf der Bildfläche fragmentieren: Trotz des reduzierten Schwarz-Weiß öffnen sich diese Bilder neben ihren formalen Aspekten immer auch einem stark atmosphärischen Moment. Parallel führt Groover die Stillleben-Thematik der Kitchen Still Lives fort, nun anhand von unterschiedlichen Alltagsgegenständen, die präzise zu surrealistischen, bühnenartigen Settings zusammengefügt werden und an den Bildaufbau bei Morandi oder De Chirico erinnern.

Die Ausstellung von Jan Groover in der GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst ist die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin in Europa außerhalb Frankreichs und wird Werkbeispiele seit den 1970er Jahren exemplarisch vorstellen.

Sie wird ergänzt von einem ausführlichen Begleitprogramm mit Führungen, Vorträgen, Gesprächen und einem Kinderworkshop.

Kuratorin: Janneke de Vries

GAK GESELLSCHAFT FÜR AKTUELLE KUNST
Teerhof 21
D-28199 Bremen
fon +49 421 500 897
fax +49 421 593 337

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ÖFFNUNGSZEITEN
Di-So 11-18 Uhr, Do bis 20 Uhr, Mo geschlossen

Eine Tanzszene, die von TITANIC (USA 1997) im Gedächtnis bleibt, ist die Party unter Deck. Die Kamera führt hier eine eigenwillige Drehung aus, einen 360° Schwenk, der abwechselnd Rose und Jack zeigt, die diegetisch umeinander, am Set aber um ein Mitglied des Kamerateams kreisen. In der Verdopplung von Figuren- und Kameradrehung wirkt die Operation statisch: Der Bildausschnitt bleibt an den Gesichtern haften – in der Eigenrotation gefriert die Bewegung. Wenn später das Steuerrad  bis zum Anschlag gedreht wird und der erste Offizier die Beschwörung „dreh doch, dreh!“ ausspricht, erinnert der Film diesen frostigen Moment: die Kollision zwischen Schiff und Eisberg ist nicht aufzuhalten, die Schiffsschraube folgt ihrerseits einem Rotationsprinzip. Dass Tanzszenen im Film solche Signalwirkung entfalten können, zeigen die versammelten Beiträge dieser Ausgabe.

Beiträge von und mit: Barbara Büscher  | Robin Curtis | Gerko Egert | Susanne Foellmer | Ulrike Hanstein | Sabine Nessel | Drehli Robnik | Claudia Rosiny | Martin Siegler

Zur Online-Ausgabe:nachdemfilm.de

Publikation bei Schüren:
Wenke Wegner: Kino Sprache Tanz. Ästhetik und Vermittlung in den Filmen der Berliner Schule. Bremer Schriften zur Filmvermittlung, Band 5. Schüren Verlag. Marburg, 2015.

Die sechsjährige Frida erlebt ihren ersten Sommer bei ihrer Adoptivfamilie auf dem katalanischen Land. Sie muss sich an einen Ort gewöhnen, der eigentlich ein endloses Ferienparadies sein könnte. Erst beim Spielen erhalten wir Einsicht in ihre belastende Vergangenheit.
Mit wunderschönen Einstellungen rückt Carla Simóns semi-autobiografisches Spielfilmdebut eine außergewöhnliche Kinderperformance ins Herz ihrer ausgefeilten und einnehmenden Erzählkunst. Sommer 1993 ist einer der jüngsten Publikumslieblinge des Europäischen Kinos, der sich der Themen Trauer, Stigmatisierung, Akzeptanz und Unabhängigkeit überzeugend und differenziert annimmt. Dafür wurde er u.a. mit dem Preis für den besten Debutfilm auf der Berlinale 2017 ausgezeichnet.

Estiu 1993, E 2017, R: Carla Simón, mit Laia Artigas, Bruna Cusí, 97 Min., OmU

Vorfilm: Lima
Lima hält die Erinnerungen an seinen verlorenen Vater aufrechthält, bis er selbst ein alter Mann geworden ist. Inspiriert durch ein Gedicht, das sein eigener Vater nach seiner Geburt schrieb, entwickelte der Iraner Afshin Roshanbakht Limas Geschichte. Seit dem Tod des Vaters im Alter von 4 Jahren wurde der Wunsch, ihn wiederzusehen, fester Bestandteil Roshanbakhts Lebens. Der Animationsfilm vereint eine atemberaubende visuelle Form und einen ergreifenden Soundtrack mit der nicht-sprachlichen Thematisierung von Trauer, Vermissen und Einsamkeit.

IRN 2015, R: Afshin Roshanbakht und Vahid Jafari, 14 Min., OF

Sandras Mitarbeiter*innen wurden vor die Wahl gestellt: Entweder darf Sandra ihren Job behalten oder jeder erhält einen einmaligen Bonus. Sandra hat nun ein Wochenende, um ihre Kolleginnen davon zu überzeugen, für sie zu stimmen. Die Throwbacks ihrer Depression machen dies zusätzlich einer fast nicht zu bewältigenden Aufgabe. Bei ihren Besuchen erfährt sie ein volles Spektrum des Menschseins, das von Verleugnung zu Verbundheit, von Gewalt zu Dankbarkeit reicht. „Nach dem neuen Film der Dardenne-Brüder sieht man klarer, wie der Kapitalismus das Verhalten formt.“ (Peter Körte, FAZ).
Ohne Star-Allüren verkörpert Marion Cotillard authentisch und ergreifend einen Charakter, der in einem Arbeitsumfeld, in dem es keine Gewinner gibt, mit Zweifeln, Ängsten, Arbeitsfeinden und sich selbst zu kämpfen hat. Der Film setzt die Depression im Kontext der Wirtschaftskrise seit 2008 an und stellt sie ihr als Form der Solidarität entgegen.

Deux jours, une nuit, B/F/I 2014, R: Jean-Pierre und Luc Dardenne, mit Marion Cotillard, Olivier Gourmet, 90 Min., OmU

Vorfilm: Between Sand and Tides
Regenwolken und schwarze Vögel sind gängige Bilder für Depression, mit denen sich aber nicht jeder Erkrankte unbedingt identifizieren kann und möchte. Mit den sinnlich-taktilen und flexiblen Möglichkeiten des Animationsfilms, der sowohl eine phantasievolle als auch realistische Atmosphäre nebeneinander zulässt, ist Between Sand and Tides auf der Suche nach neuen Metaphern für die intimen Gefühle und Erfahrungen mit Depression.

Between Sand and Tides, SING 2015, R: Rui Fan Wang, 4 Min., OF

16 Jahre vergingen, bis die Filmemacherin Kathy Leichter den Mut gefasst hat, das Audiotagebuch ihrer Mutter anzuhören, das sie kurz nach deren Suizid im Elternhaus gefunden hatte. Die Familienarchäologie nimmt die Tochter auf Film auf. Der Fund offenbart nicht geahnte Details über die Herausforderungen von Ehe und Mutterschaft, über die Entfremdung mit dem Sohn und über ihre bipolare Störung, die der Dokumentarfilm bedächtig und mit ergreifender Bildsprache offenlegt.
Durch die ehrliche und bewegende Geschichte einer starken Ehefrau und Mutter, die mit bipolarer Störung kämpft, versteht Here One Day es, Isolation und Stigmatisierung zu reduzieren und Menschen und Familien miteinander zu verbinden. Der Film tourt seit Jahren mit einem Aufklärungsprogramm durch Nordamerika (www.hereoneday.com) und ist nun erstmals in Deutschland zu sehen.

USA 2013, R: Kathy Leichter, 76 Min., OV

Vorfilm: Kalt
Der aus Delmenhorst stammende Choreograf Sven Niemeyer erarbeitet für die Gefühle einer Mutter mit postnataler Depression einen ergreifenden Ausdruck, für den er auf dem Mental-Health Filmfestival London und zahlreichen internationalen Festivals geehrt wurde. Ein Tanz über  Isolation, Schuld, Stärke und den Wunsch, zu lieben.

D 2017, Regie: Sven Niemeyer, 4 Min., ohne Dialog

Die Ausstellung widmet sich dem Œuvre des niederländischen Künstlers herman de vries. Gezeigt wird nicht nur eine Retrospektive seines umfangreichen edierten Werkes, sondern dieses wird zugleich in seinem faszinierenden künstlerischen Kosmos verortet. Zu den typischen und bekanntesten Editionen von herman de vries zählen die Erdausreibungen, wie die "library of earth colours 1993-2005" (2005), und die getrockneten und gepressten Pflanzenteile auf weißem Karton in Schachteln. Er nimmt Erde und reibt sie mit dem Finger auf Papier. Über 8.000 Erden aus aller Welt hat er inzwischen gesammelt.

"seit 1970 arbeite ich mit der natur zusammen" formuliert herman de vries. Die Verbindung von Kunst und Natur ist zu seinem künstlerischen Markenzeichen geworden. Seit Jahrzehnten arbeitet er ausschließlich mit Fundstücken aus der Natur, die er wie ein Naturwissenschaftler sortiert und in visuelle Ordnungen bringt. Seine Kunst ist sowohl im Mikro- als auch im Makro-Kosmos der Natur angesiedelt. Er nutzt einfache künstlerisch-wissenschaftliche Techniken und Verfahren, wie das Sammeln, Trocknen, Pressen, Verreiben, Isolieren oder Zusammenstellen von Materialien aus der Natur. So ordnet er Pflanzen, Blätter, Äste, Erden, Naturrelikte zu Bildstrukturen, die die Vielfalt und die Unterschiedlichkeiten aufzeigen, unter denen Natur entsteht.

Die in der Ausstellung gezeigten Werke von herman de vries kommen aus der Brokken Zijp Foundation of modern and contemporary Art (BFA) in Liempde, Niederlande, und werden durch Werke aus den verschiedenen Archiv- und Sammlungsbeständen des Zentrums für Künstlerpublikationen ergänzt.

Weitere Informationen zur Ausstellung

Mit freundlicher Unterstützung des Königreichs der Niederlande

Weserburg | Museum für moderne Kunst
Teerhof 20, 28199 Bremen, Germany
Tel 0049-(0)421-59839-0
Fax 0049-(0)421-505247

www.weserburg.de

Öffnungszeiten
Di-So 11-18 Uhr
Do 11-20 Uhr
Mo geschlossen

So. 29.4.2018, 11:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen. Anlässlich des 23. Internationalen Symposiums zum Film. Zu Gast: Moslem Salmani.

Die Filme:
   | Best of Luck with the Wall | Josh Begley | USA 2016 | 7:00 min.
   | Koropa | Kaura Henno | F 2016 | 19:00 min.
   | Dirty Pictures (Hotel Diaries #6) | John Smith | Palästina 2007 | 14:00 min.
   | Women in Sink | Iris Zaki | ISR/GB 2015 | 36:00 min.
   | Exposure | Treasa O'Brien/Moslem Salmani | GR 2016 | 1:30 min.

Justine heiratet. Zum glücklichsten Tag ihres Lebens trägt ihr ihre Schwester Claire eine prachtvolle Feier aus. Aber die Familie hat wenig Verständnis für die depressive Episode, die Justine ereilt und sie von den Gästen fernhält. Nach der misslungenen Feier bleibt sie bei Claire, bei der ihr nur die Gewissheit eines anstehenden Weltuntergangs durch eine Kollision mit dem Planeten Melancholia neue Stärke zu geben scheint.
Melancholias Schwerpunkt auf den kleinen Details aus dem Leben mit Depression macht dies in ihrer Vertrautheit umso wirkungsvoller. Aus eigenen Erfahrungen gelingt Lars von Trier im zweiten Teil seiner Depressions-Trilogie der Spagat zwischen der Stärkung der Betroffenenperspektive und einer ebenso handwerklich ausgereiften wie erbarmungslosen Erzählkunst. Sein Slow-Cinema-Stück erhielt u.a. den dänischen und europäischen Filmpreis und Kirsten Dunst in Cannes den Preis für die beste weibliche Performance.

DK/S/F/D 2011, R: Lars von Trier, mit Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Udo Kier, 135 Min., OmU

Die Mitte der Nacht ist der Anfang vom Tag
Depression lässt schweigen und wird verschwiegen. Regisseurin Michaela Kirst zeigt einen anderen Weg, sie stellt eine Reihe von Menschen in Deutschland vor, die von ihren Erfahrungen mit der Erkrankung erzählen. Hinter jeder Person, die davon betroffen ist – ob Musikerin oder eine ganze Kleinfamilie –, steckt eine Geschichte, in die die Protagonisten tiefen Einblick gewähren und für die sie eine erstaunlich anschauliche Sprache finden, um ihre Lage zu beschreiben. Dem einfühlsamen Dokumentarfilm gelingt es so, sowohl ein Verständnis als auch ein Vokabular bereitzustellen, mit dem man der Depression begegnen und sich selbst aktivieren kann.

D 2016, R: Michaela Kirst, 78 Min., OF

Mother Is God
Wie soll man öffentlich über ein so persönliches und intimes Thema wie Krankheit sprechen? Die Darstellung von Erkrankung im Dokumentarfilm sieht ihre Hauptproblematik stets in dem unlösbaren Spannungsverhältnis von Aufklärungsarbeit und Voyeurismus. Der autobiografische Experimentalfilm der jungen schwedischen Filmemacherin Maria Bäck erprobt frische Formen im Umgang mit der bipolaren Störung ihrer Mutter, für die sie selbst nicht vor der Kamera stehen muss. Die Mutter, die überzeugt ist, mit dem Wind verheiratet zu sein, und Gefallen am Spiel mit den Möglichkeiten des Sounds findet, ist nichtsdestotrotz allerorts präsent (Mother Is God). Der Film lebt von ihrer Vorstellungskraft – manche möchten meinen, von ihrer wahnhaften Phantasie –, die in ihrer charmanten Naivität den Novellen von Nicolai Gogol ähnelt und Gewissheit gibt, dass es auch in Ordnung ist, die Erkrankung leicht zu nehmen.

Mamma är Gud, DK 2014, R: Maria Bäck, 30 Min., OmengU

Mi. 7.3.2018, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen. Anlässlich der Ausstellung »Proof of Life / Lebenszeichen« im Museum Weserburg, Bremen.

Die Filme:

   | Once the Day will come | Karin Fisslthaler | A 2015 | 1:00 min.
   | Sem titulo #1(Untitled #1): Dance of the Leitfossil | Carlos Adriano | BR 2014 | 5:30 min.
   | Tatitude | Vivian Ostrovsky | 3:30 min.
   | Paraparapluies | Stefan Demming | D 2009 | 5:00 min.
   | Looking for Alfred | Johan Grimonprez | B 2005 | 10:00 min.
   | Das Badezimmer | Bjørn Melhus | D 2011 | 5:00 min.
   | Outer Space | Peter Tscherkassky | A 1999 | 10:00 min.
   | Fast Film | Virgil Widrich | A, LU 2003 | 14:00 min.
   | La Sortie | Siegfried Frühauf | A 1998 | 6:00 min.
   | Goodbye | Karin Fisslthaler | A 2013 | 2:30 min.

Weitere Informationen unter: www.ranke-heinemann.de/australien/foerderprogramm/

Künstlerstätte Stuhr-Heiligenrode 2012-2017

Mit der Ausstellung „residence II – Junge Kunst aus Niedersachsen“ kooperieren die beiden großen Institutionen, die sich im Landkreis Diepholz mit zeitgenössischer Kunst befassen, zum zweiten Mal miteinander: Bereits im Jahr 2012 wurden zehn ehemalige „artists in residence“ der Künstlerstätte Stuhr-Heiligenrode zu einer Gruppenausstellung ins Syker Vorwerk – Zentrum für zeitgenössische Kunst eingeladen.

Nun greifen wir dieses erfolgreiche Ausstellungskonzept wieder auf und präsentieren die Künstlerinnen und Künstler, die von 2012 bis 2017 ein Stipendium in Heiligenrode absolviert haben:

Anna Bart (Malerei, November 2015 bis August 2016), Esther Buttersack (Bildhauerei, August 2012 bis Mai 2013), Sebastian Dannenberg (November 2016 bis August 2017), Yeon-Ji Kim (Malerei, November 2014 bis August 2015), Jens Isensee (Bildhauerei, August 2015 bis Mai 2015), Sebastian Neubauer (Bildhauerei, August 2014 bis Mai 2015), Piotr Rambowski (Malerei, November 2012 bis August 2013), Lena Inken Schäfer (Malerei, November 2013 bis August 2014), David Schomberg (August 2016 bis Mai 2017) und Elisabeth Stumpf (Bildhauerei, Juli 2013 bis April 2014). Seit 2016 wird auf die gattungsspezifische Festlegung von Malerei oder Bildhauerei bei der Vergabe der Stipendien verzichtet.

Bei aller Diversität ihrer künstlerischen Ansätze sind die jungen Künstlerinnen und Künstler verbunden durch diesen Ort, an dem sie nacheinander oder parallel einige Monate gelebt und vor allem intensiv gearbeitet haben. An den ländlich gelegenen Standort mit mäßiger Anbindung an den ÖPNV müssen sich die Stipendiaten zumeist erst einmal gewöhnen, aber fast alle werden doch warm mit ihm und erschaffen an diesem kleinen Ort große Kunst. Heiligenrode prägt – den einen künstlerisch, den anderen sogar auch persönlich.

Die Ausstellung wird gefördert durch das Niedersächsische Ministerium für Wissenschaft und Kultur und die Gemeinde Stuhr.
 

Syker Vorwerk
Waldstraße 76 | 28857 Syke
Tel.: +49 (0)4242 5774 10
Fax: +49 (0)4242 5774 11
info[at]syker-vorwerk.de
www.syker-vorwerk.de
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Öffnungszeiten:
Mittwoch 15:00-19:00 Uhr
Samstag 14:00-18:00 Uhr
Sonntag 11:00-18:00 Uhr

Eine Verabredung von zwei jungen Menschen im Park. Er erzählt ihr von Sigmund Freud, sie spricht vom Körper, probiert gymnastische Übungen. Der Tag im Park vergeht unbeschwert und unbestimmt. Er führt zur Berührung und zur Liebesbegegnung unter Bäumen. Schluss gemacht wird nur kurze Zeit später – per SMS. Der digitale Datenverkehr überschreibt das Bild des Gartens der Liebe. Doch die Liebe lässt nicht locker, nimmt einen anderen Weg, driftet ab und begibt sich auf eine nächtliche Fahrt ins Fantastische.

F 2016, Regie: Damien Manivel, mit Maxime Bachellerie, Sobéré Sessouma, Naomie Vogt-Roby, 71 Min., OmengU.

Mi. 24.01.2018, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen.

Die Filme:

   | Nachsommer |  Klaus Telscher | BRD 1987 | s/w, Ton | 30:00 min.
   | Blues Transit | Barbara Thiel | BRD 1988 | 8:00 min.
   | Between | Claudia Schillinger | BRD 1989 | 10:00 min.
   | Her Mona | Klaus Telscher | BRD 1992 | s/w, Ton | 7:00 min.

Ein Feuerwehrmann liebt zwei Frauen. Weil er diese Herausforderung nicht anders zu lösen weiß, schießt er sich ins Herz. Eine Gruppe von Kindern aus der Umgebung erzählt die Geschichte noch einmal und überlegt, wie sie ausgeht: „Ja, das hat er überlebt – aber rate mal, mit welcher Frau er nun zusammen ist?“ Der Film basiert auf einer Recherche zum Begriff Sehnsucht. Zu den schönsten Szenen des Films zählt ein Tanz, der kurzzeitig die Sehnsucht und das Glück des Feuerwehrmanns greifbar werden lässt.

D 2006, Regie: Valeska Grisebach, mit Andreas Müller, Ilka Welz, Anett Dornbusch, 88 Min.

Borgmann entschied sich 2007, nach Bremen an die Hochschule für Künste in die Klasse von Prof. Karin Kneffel zu gehen, wechselte 2008 an die Akademie für Bildende Künste nach München, um sich 2011 in einem weiteren beachtlichen Schritt an der Leipziger Hochschule für Grafik und Buchkunst bei Prof. Heribert Ottersbach vorzustellen. 2013 erwarb er schließlich das Diplom. Seit 2015 ist Borgmann hier Meisterschüler von Prof. Ingo Meller.

Sein Thema seitdem: Die Erforschung der Bedingung der menschlichen Raumwahrnehmung als eine Art von Archäologie und Analyse der Wirklichkeit. Sein Werkzeug: alle technischen und kompositorischen Mittel, die der Malerei gegenwärtig zur Verfügung stehen. Verschiedene Formen des Farbauftrags, der Kontrast von gegenständlicher Bildstruktur und reiner Flächenabstraktion, die Wechselwirkung von statischen Gerüsten und dynamischen Elementen – als das beherrscht Borgmann nach Belieben und schickt uns so auf eine unerwartete Reise. Überwiegend großformatige Werke werden als ein Zwischenbericht dieser malerischen Erforschung in der Kunsthalle Wilhelmshaven präsentiert

Mit freundlicher Unterstützung:Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und KulturVerein der Kunstfreunde für Wilhelmshaven e. V.Wilhelmshaven Touristik & Freizeit GmbH

Kunsthalle Wilhelmshaven
Verein der KUNSTFREUNDE für Wilhelmshaven e.V.
Adalbertstraße 28
26382 Wilhelmshaven
Tel. +49 (0) 4421 / 41448
Fax +49 (0) 4421 / 43987

www.kunsthalle-wilhelmshaven.de

Öffnungszeiten:
Di: 14:00–20:00 Uhr
Mi–So: 11:00–17:00 Uhr
Montags geschlossen.

Der Dokumentarfilm von Ruth Mader fragt nach der Liebe und erzählt in fünf Beispielen davon. Mit seiner Fokussierung auf das Alltagsleben ist er der Ausnahmefilm dieser Reihe. D.h. er zeigt keine Liebesdramatik, sondern gelebten Alltag – Beruf, Arbeitsplatz, Familie, Haus und Garten – Lebensentwürfe quer durch unsere heutige Gesellschaft. Eine Darstellung von „Liebe in Zeiten der Weltgesellschaft“, so könnte man das filmische Unternehmen mit den Worten des Soziologen Karl Otto Hondrich umreißen. Auf immer wieder überraschende Weise verbindet Ruth Mader eine empfindsame Soziologie mit innovativen Ideen der Inszenierung, die dabei audiovisuelle Porträts gestalten, in denen Spuren aufscheinen, die möglicherweise mit Liebe zu tun haben.

A 2012, Regie: Ruth Mader, 80 Min.

Es gibt eine Börse der Erotik. Denn wir alle sind zu einer gewissen Verinnerlichung der kapitalistischen Marktgesetze gezwungen, so dass diese unsichtbare Börse ein starker gesellschaftlicher Machtfaktor ist. „Mein Haus, meine Frau, meine Kinder, mein Auto, meine Reisen“, d.h. mein Besitz sagt euch, wer ich bin. In Kieslowskis Film genügt ein Mann nicht mehr den Ansprüchen einer Frau. Wie ein Ding, das nicht mehr gebraucht wird, landet er buchstäblich auf dem Müll. Der Film erzählt, wie sich der Mann rächt. Da in der Wirklichkeit solcher Rache meist der Boden entzogen ist, sie hier aber als verfilmter Rachewunsch genau trifft, geschieht das auf hochkomische Weise.

Trzy kolory: Biały – PL/F 1994, Regie: Krzysztof Kieślowski, mit July Delpy, Zbigniew Zamachowski, 91 Min., OmU.

Liebende Paare, die sich umbringen und dadurch die Utopie der Liebe retten, sind gut bekannt: Romeo und Julia, Tristan und Isolde, oder, aggressiv gewendet, Bonnie und Clyde, Mickey und Mallory Knox aus „Natural Born Killers“. Familien die sich umbringen, hat es in Wirklichkeit auch gegeben. So brachten sich etwa 300 Menschen in Waren im April 1945 aus Angst vor der russischen Besatzung um. Hanekes Film spürt ebenfalls einer wahren Begebenheit nach, dem unerklärlichen Selbstmord einer österreichischen Familie in ruhigen Zeiten. Kann man das noch als „Liebestod“ begreifen? Oder ist es im Gegenteil der Gipfel stummer Verzweiflung vor der Leere des eigenen Lebens?

A 1989, Regie: Michael Haneke, mit Birgit Doll, Dieter Berner, Leni Tanzer, 104 Min.

„Badlands“ bezeichnet zunächst ein Ödland, das aus verwitterten Gesteinen und Schluchten besteht. Es ist häufig schwer zugänglich und wenig fruchtbar. In diese Landschaft gelangt ein Liebespaar auf der Flucht und verlebt eine glückliche Zeit – bis die Gesellschaft sie einholt. Vorausgeht ein tödlicher Konflikt: Ein junger Mann, der aussieht wie James Dean, verliebt sich in die Tochter eines Malers, der mit großen Werbetafeln für ein glückliches Landleben sein Geld verdient. Die Liebe bahnt sich ihren Weg mit Waffengewalt. Sie versichert sich ihrer selbst aber auch durch historische Fotografien und moderne Medien der Stimmaufzeichnung.

USA 1973, Regie: Terrence Malick, mit Martin Sheen, Sissy Spacek, 90 Min., OmU.

Der Schönheitsfetischismus der Tauschgesellschaft macht Liebe zweifelhaft. Ein perfekt schöner Mensch kann nie sicher sein, ob er wirklich geliebt wird oder dem anderen nur als Trophäe oder Dekoration dient. Adorno geht so weit zu sagen, dass für wahre Liebe heute ein Beleg in Form eines (körperlichen) Fehlers vorhanden sein muss. Nur wenn einer meine erkennbaren Fehler mitliebt, ist es gewiss Liebe. Der Halunke Dr. Popaul macht sich diese Zusammenhänge auf kuriose Weise zunutze, indem er hässliche Frauen verführt. Er heiratet die Tochter eines reichen Arztes und übernimmt dessen Klinik. Natürlich betrügt er seine Frau, landet aber nach einem Unfall selbst in der Klinik. Die überaus komische erotische Börsenspekulation a la baisse funktioniert auf der Beziehungsebene auch nicht auf Dauer.

Docteur Popaul – F/I 1972, Regie: Claude Chabrol, mit Jean-Paul Belmondo, Laura Antonelli, 97 Min., DF.

Die Familie ist nach Freud die Brutstätte der Beziehungsarbeit. Was Liebe sein soll, lernt jeder Mensch zuerst hier. Sie ist aber auch die „Keimzelle des Staates“ (Friedrich Engels), in der Ordnung, Unterordnung, Verinnerlichung der Macht, Aufgabe des eigenen Willens gelernt werden. In einer großbürgerlichen Familie noch mehr als in einer proletarischen. In Pasolinis Film sprengt ein Engel der Erotik nach und nach alle Familienbande. (Karl Kraus hätte gesagt: Er sprengt „die ganze Familienbande“.) Die Frage ist, ob hier gnadenlos das Grausame und Asoziale der Liebe oder das Lieblose der Familie oder beides zu Ende geführt wird.

I 1968, Regie: Pier Paolo Paolini, mit Silvana Mangano, Massimo Girotti, 98 Min., OmengU.

„Wenn man einen Film darüber machen würde, daß man nur ganz realistisch daherkommt und plötzlich eine Tür aufmacht, und man geht in seine Kindheit hinein, und dann öffnet man eine andere Tür und kommt in die Wirklichkeit, und dann geht man um die Ecke und kommt in einen anderen Lebensabschnitt, und alles geht so weiter, lebt. Das war nämlich die Grundidee zu ‚Wilde Erdbeeren‘“ (I. Bergman). Diese Lebensreise ist eingebunden in die Reise eines alten Professors von Stockkolm nach Lund zur Entgegennahme eines Preises. Jeder Mensch ist eine Babuschka-Puppe, der Sechsjährige, der Dreißigjährige stecken noch im Siebzigjährigen. Das sog. Ich ist ein Chor von mehreren Stimmen, je nach Situation. Wie reden diese Stimmen in einem Menschen, der den Tod vor sich hat?

Smultronstället – S 1957, Regie: Ingmar Bergmann, mit Victor Sjöstrorm, Marianne Borg, 92 Min., OmU.

Her ist ein Science-Fiction-Film, der die Entwicklung einer neuen Computer-Software mit der romantischen Praxis des Briefeschreibens kreuzt. Die Hauptfigur ist ein Text-Profi und verdient seinen Lebensunterhalt damit, persönliche Briefe (Liebesbriefe, Freundschaftsbekundungen etc.) für andere Leute zu verfassen. Produziert werden die Schriftstücke am Computer als Massenware wie in einer Fabrik. Das entfremdete Arbeitsleben erfährt eine dramatische Wende durch die neue Computer-Software „Samantha“, die sehr authentisch mit der einsamen Hauptfigur kommuniziert: der Beginn einer romantischen Liebesbeziehung. Die hat allerdings ein (altbekanntes) Problem, dass sie – ganz ähnlich wie die romantischen Briefeschreiber – ohne ein körperliches Gegenüber auskommen muss.

USA 2013, Regie: Spike Jonze, mit Joaquin Phoenix, Scarlett Johansson, Amy Adams, 126 Min., OmU.

Die Liebe zwischen Schüler und Lehrer ist ein Sonderfall. Sie konfrontiert die institutionalisierte Lehr- und Lernbeziehung mit einem Zuviel an persönlicher Nähe und körperlicher Zuwendung. Sie kann als Verletzung des Obhutsverhältnisses rechtlich geahndet werden. Mädchen in Uniform entwirft ein Verhältnis zwischen Schülerin und Lehrerin und stellt es gegen die strenge preußische Ordnung einer Erziehungsinstitution ohne Wärme und Verständnis. Der Film greift nicht nur die gleichgeschlechtliche Liebe unter Internatsverhältnissen auf, er gilt auch als einer der innovativsten Tonfilme seiner Zeit, der mit Atmosphäre, Dialog und insbesondere mit dem Klang und der „Rauheit der Stimme“ ein Liebesgefühl kinematografisch gestaltet.

D 1938, Regie: Leontine Sagan, mit Hertha Thiele, Dorothea Wieck, 98 Min.

Mi. 25.10.2017, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen. Anlässlich der Ausstellung »Schlaf. Eine produktive Zeitverschwendung« im Paula Modersohn-Becker-Museum Bremen.

Die Filme:

   | Fall in Frame | Sarah Pucill | UK 2009 | 18:00 min.
   | Fades and Close-Ups | Robert Huot | USA 1978 | 8:00 min.
   | Sommeil/Sleep | Lamia Joreige | LIBN 2004 | 7:00 min.
   | Half Sleep | Nan Hoover | NL 1984 | 11:30 min.
   | Adrift | Julika Rudelius | 5:30 min.
   | Sleep | Catherine Elwes | UK 1984 | 8:00 min.
   | Asleep | Stephen Dwoskin | USA 1961 | B&W, Opt. | 4:00 min.

Darf man sich als Tochter den eigenen Vater nackt vorstellen, um die Liebe zu erkunden? Und was kann man aus den Tierdokumentationen von Sir William Attenborough (Attenberg) über die Liebe lernen? Hilft es der Liebe, wenn man mit der besten Freundin Zungenküsse übt oder das Balzverhalten von Tieren nachstellt? Athina Rachel Tsangari befragt das Erwachen der Liebe und der Sexualität vor dem Hintergrund einer idealen Stadt der Moderne, die in der Zeit der griechischen Wirtschaftskrise alle Ideale verloren hat. Eigenwillige Gänge und Tanzeinlagen zeigen die Protagonisten immer wieder als groteske Figuren. Und die Musik der New Yorker Post-Punk-Band Suicide gibt die Stimmlage vor.

GR 2010, Regie: Athina Rachel Tsangari, mit Ariane Labed, Evangelina Randou, Vangelis Mourikis, 95 Min, OmU.

Ein junger Professor ist völlig in seine Arbeit verliebt. Jeder Zuschauer sieht, dass seine Verlobung in eine unglückliche Ehe führen wird. Da aber keine Gesellschaft der Welt auf Liebe, sondern noch jede auf Arbeit (bzw. Geld, Vernunft) sich gründet, ist es gefährlich, Liebe allzu sehr in sein Leben zu lassen. So kommt der surreale Leopard ins Spiel, den die wirkliche Geliebte mit sich führt. Ob die Dreiecksgeschichte gut ausgeht, bleibt in der Schwebe. Die letzte Sequenz ist eine große Metapher: Die zerbrechlichen Menschlein wie Korken auf dem gewaltigen Saurierstrom der Liebe. „Bringing up Baby“, die turbulenteste Liebeskomödie der Filmgeschichte, war Christoph Schlingensiefs Lieblingsfilm.

(Bringing up Baby) USA 1938, Regie: Howard Hawks, mit Cary Grant, Katharine Hepburn, 102 Min., DF.

So. 7.5.2017, 11:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen. Anlässlich des 22. Internationalen Bremer Symposiums zum Film zum Thema "Film als Forschungsmethode".

Die Filme:

   | The Illinois Parables | Deborah Stratman | USA 2016 | 60:00 min.
   | The Interior | Jonathan Rattner | USA 2015 | 24:00 min.

Di. 4.4.2017, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen. Anlässlich der Ausstellung „Dreamaholic - Kunst aus Finnland“ im Museum in der Weserburg | Bremen.

Die Filme:

   | Lesson | Elina Brotherus | FIN 1998 | 2:34 min.
   | Julio & Lupita | Aurora Reinhard | FIN 2004 | 4:51 min.
   | Me/We, Okay, Gray | Eija-Liisa Ahtila | FIN 1993 | 4:20 min.
   | Stakeout / Feet Washing Ceremony | Jaana Kokko | FIN 2008 | 10:52 min.
   | Bookville | Marjatte Oja / Dave Berg | FIN 2013 | 3:58 min.
   | Bridge over troubled waters | Jaakko Pallasvuo | FIN 2016 | 28:17 min.

D 2017, Regie: Alexander Kluge, mit Alexander Kluge, Anselm Kiefer, ca. 90 Min., DCP

USA/D 2009, Regie: Quentin Taran-tino, mit Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, 154 Min., OmU, DCP

D 1969, Regie: Rainer Werner Fass-binder, mit Hanna Schygulla, Lilith Ungerer, 88 Min., 35mm

(Caro Diario) I 1993, Regie: Nanni Moretti, mit Nanni Moretti, Jennif-er Beals, 100 Min., OmU, 35mm

GB 2004, Regie: Ken Loach, mit Atta Yaqub, Eva Birthistle, 100 Min., OmU

(Les plages d’ Agnès) F 2008, Regie: Agnès Varda, mit Agnès Varda, Blaise Fournier, 108 Min., OmU

D 1978, Regie: Helke Sander, mit Helke Sander, Joachim Baumann, 98 Min

(À bout de souffle) F 1960, Regie: Jean-Luc Godard, mit Jean Seberg, Jean-Paul Belmondo, 87 Min., O

(Les 400 coups) F 1959, Regie: François Truffaut, mit Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, 99 Min., Omu.

(Taxi) IRAN 2015, Regie: Jafar Panahi, mit Jafar Panahi, Hana Saeidi, 82 Min., Omu.

(L’enfant) B/F 2005, Regie: Jean-Pierre & Luc Dardenne, mit Jérémie Renier, Déborah François, 95 Min., Omu.

Mi. 2.11.2016, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen. Anlässlich der Ausstellung „Mir ist das Leben lieber. Sammlung Reydan Weiss“ im Museum in der Weserburg | Bremen.

Die Filme:


   | Rouge | Erwin Olaf | NL 2005 | 3:31 min.
   | Contemporary Case Studies | Janet Merewether | AUS 2001 | 14:00 min. 
   | David | Nina Yuen | USA 2010 | 4:04 min.
   | Living A Beautiful Life | Corinna Schnitt | D 2004 | 13:00 min.
   | wegzaubern | Bettina Kuntzsch | D 2015 | 6:15 min. 
   | Wormcharmer | Roz Mortimer | UK 1998 | 9:00 min. 
   | Sudden Destruction | Bjørn Melhus | D 2012 | 4:00 min.
   | Je suis une bombe | Elodie Pong | F 2006 | 6:28 min. 

(Kauas pilvet karkaavat) FIN 1996, Regie: Aki Kaurismäki, mit Kati Outinen, Kari Väänänen, 96 Min., Omu.

D 2001, Regie: Thomas Arslan, mit Serpil Turhan, Bilge Bingul, Florian Stetter, 74 Min.

(Conte d’été) F 1996, Regie: Éric Rohmer, mit Melvil Poupaud, Amanda Langlet, 113 Min., OmU, DVD.

Mi. 9.3.2016, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen. Begleitend zur Ausstellung "Per Kirkeby. Werke aus dem Louisiana Museum of Modern Art" in den Museen Böttcherstraße Bremen.

Die Filme:


   | Dark Blotches, Women and Beetles | Ulla Väätäinen | FIN 1997 | 6:10 min.
   | Buoy | Seoungho Cho | USA 2008 | 7:07 min.
   | Wind/Water/Wings | Barbara Klutinis | USA 1995 | 22:00 min.
   | Voyage d`Hiver | Robert Cahen | F 1993 | 18:00 min.
   | Hus | Inger Lise Hansen | USA 1998 | 7:30 min.

Mi. 20.1.2016, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und eingeführt von Christine Rüffert | Universität Bremen. Begleitend zur Ausstellung "Letztes Jahr in Marienbad. Ein Film als Kunstwerk" in der Kunsthalle Bremen vom 14.11.2015 – 13.3.2016.

Die Filme:

   | Back Track | Virgil Widrich | A 2015 | 3-D | 7:00 min.
   | The Decay of Fiction | Pat O’Neill | USA 2002 | 60 min.  

Mi. 16.12.2015, 20:30 Uhr im CITY 46, kuratiert und präsentiert von Ivo Wessel mit einer Einführung von Christine Rüffert anlässlich der Ausstellung „Junge Sammlungen 03“ im Museum Weserburg.

Die Filme:

   | Jutta Island | Sven Johne | D 2014 | 18 min.
   | Telephones | Christian Marclay | USA 1995 | 8 min.
   | America Sells | Bjørn Melhus | D 1990 | 7 min.
   | I'm not the Enemy | Bjørn Melhus | D 2011 | 14 min.
   | Doomed | Tracey Moffatt | AUS 2007 | 10 min.
   | Sieben bis zehn Millionen | Stefan Panhans | D 2005 | 6 min
.
Alle Sammlung Ivo Wessel.

Mi. 21.10.2015, 20:30 Uhr im CITY 46, präsentiert von Christine Rüffert

Die Filme:
   | Iris | AT  1971 | 10 Min.
   | Couples | AT 1972 | 10 Min.
   | Selfportrait | AT 1971 | 5 Min.
   | Palmistry | AT 1973 | 10 min.
   | Baroque statues | AT 1970-1974 | 16 Min.
   | Art Education | AT 1976 | 16 Min.
   | Maria Lassnig Kantate (mit Hubert Sielecki) | AT 1992 | 8 Min. 

Mi. 3.6.2015, 20:30 Uhrim CITY 46, kuratiert und präsentiert von Christine Rüffert anlässlich der Ausstellung "Land in Sicht" im Museum Weserburg.

Die Filme:
   | Moonwalk | Greg Pope | GB 2001 | 1:00 Min.
   | Seven Days | Chris Welsby | GB 1974 | 19:00 Min.
   | River Rites | Ben Russell | USA/ Surinam 2011 | 11:30 Min.
   | Jaunt | Andrew Kötting | GB 1995 | 5:35 Min
   | Surfacing on the Thames | David Rimmer | CDN 1970 | s/w | stumm | 9:00 Min.
   | The Waste Land | John Smith | GB 1999 | 5:00 Min. 

Mi. 21.1.2015, 20:30 Uhr im CITY 46, präsentiert von Christine Rüffert | Universität Bremen 

Die Filme:

   | The Advice Shape | Janet Thomas | GB 2013 |6:11 Min.
   | Hotzanak, For Your Own Safety | Izibene Oñederra | E 2013 | 5:11 Min.
   | Sieben Mal am Tag beklagen wir unser Los und nachts stehen wir auf, um nicht zu träumen | Susann Maria Hempel | D 2013 | 18:00 Min.
   | The Serpent & the Mouse | Nicole Rayburn | CDN 2013 | 3:31 Min.
   | The Revolution Will Not Be Televised | Jan Rehwinkel | D 2013 | 2:45 Min.
   | Model Village | Hayoun Kwon | F 2014 | 10:45 Min.
   | Hacked circuit | Deborah Stratman | USA 2014 | 15:10 Min.
   | Here Is Everything |  Emily Vey Duke & Cooper Battersby | USA 2013 |14:00 Min.  

Di 9.12.2014, 20:30 Uhrim CITY 46, mit einer Einführung von Tobias Dietrich | Universität Bremen 

Die Filme:
   | Les mystères du château du dé | Man Ray | F 1929 | 35mm | s/w | stumm | 27:00 Min.
   | La Reprise | Klaus Telscher | D 1995 | 16mm | s/w | 62:00 Min.

Inspiriert von Maya Derens Essay entstand dieses Kurzfilmprogramm mit Filmen von Experimentalfilmerinnen und Kindern. Das Programm beschäftigt sich mit der Grenze zwischen professionellem und amateurhaftem Filmemachen. Wo werden Grenzen überschritten, wo finden Überschneidungen statt? Und wo verorten sich die FilmemacherInnen selbst?

Mi 3.12. 2014, 18:00 im CITY 46, kuratiert und vorgestellt von Eva Heldmann | Berlin. In Anwesenheit der Filmemacherinnen Ulrike Pfeiffer und Bärbel Freund.

Die Filme:
   | Ritual in Transfigured Time | Maya Deren | USA 1946 | 16mm | 15:00 Min.
   | Am Meer (Teil der Anthologie "Kleine Blumen, kleine Blätter") | Ute Aurand | D 1994 | 16mm | 3:00 Min.
   | Sommerregen | Franz von Lucke | D 1991 | 16mm | 5:00 Min.
   | ROKOKO(chen) | Ulrike Pfeiffer | BRD 1984 | 35mm | 20:00 Min.
   | Interview mit einem 13jährigen | Bärbel Freund | D 1983/2008 | 16mm | 14:00 Min.
   | My Name Is Oona | Gunvor Nelson | USA 1969 | 16mm | 10:00 Min.
   | Zauberlehrling | Eva Heldmann | D 2010 | Video | 5:00 Min.

Die epische Dokumentation porträtiert ihn als Kulturtheoretiker und genialen Vermittler. Sein Sprechen über Film und die archäologischen Objekte seiner umfangreichen Sammlung erweitern unser Verständnis des Mediums ganz grundlegend. Ein Porträt, das weit über das Biografische hinausgeht und uns mit neuen Erkenntnissen über das Filmische entlässt.

Mi 05.11.2014, 18:00 Uhrim CITY 46, präsentiert von Christine Rüffert | Universität Bremen

Der Film:

   | Fragments of Kubelka | Martina Kudlácek | AT 2012 | 232 Min. (mit Pause)

Leitung: Dr. Bettina Henzler

„Sie war eine engagierte und leidenschaftliche Filmemacherin wie keine andere, aktiv im Dokumentarfilm ebenso wie im Spielfilm. Ihr Film Deutschland, bleiche Mutter ist ein Meilenstein der deutschen Filmgeschichte. Ihr Tod reißt eine schmerzliche Lücke in die Filmlandschaft.“
Ulrich Gregor würdigt Helma Sanders-Brahms.

Am Beispiel von Deutschland, bleiche Mutter widmet sich die Kino-Schule dem Verhältnis von Film und Geschichte: Wie kann durch die Inszenierung von persönlicher Erinnerung ein Zugang zur Geschichte vermittelt werden? Wie macht gerade die Heterogenität des Films Geschichte als Zusammenhang von individueller Erfahrung, Überlieferung von Fakten und kulturellen Mythen erfahrbar?

Die Rezeptionsgeschichte von Deutschland, bleiche Mutter – der bei seinem Erscheinen 1980 in Deutschland verrissen, im Ausland gefeiert wurde – ist dabei selbst ein Dokument des Umgangs mit Geschichte im Nachkriegsdeutschland.  In ihr spiegelt sich die Frage nach der Legitimität von Geschichtsschreibung aus einer subjektiven (weiblichen) Perspektive.

Deutschland, bleiche Mutter

Film zum Seminar
Di. 22.07.2014, 20:00 Uhr im CITY 46/ Kino 1

Deutschland, bleiche Mutter von Helma Sanders-Brahms gilt heute als ein Meilenstein des Neuen Deutschen Films. Die Regisseurin erzählt darin die Geschichte ihrer Mutter und damit einer "verlorenen" Generation Frauen, die im Krieg jung verheiratet waren und danach mit ihren kriegstraumatisierten Männern den "Wiederaufbau" leisten mussten. Diejenigen, die keine nationalsozialistischen Täterinnen waren, aber weggeschaut und geschwiegen haben. Der Film kombiniert symbolisch verdichtete Szenen mit dokumentarischem Material, um eine Mutter-Kindbeziehung vor dem Hintergrund von Krieges und Zerstörung zu zeigen.

Deutschland, bleiche Mutter kam nach der Erstaufführung auf der Berlinale 1980 nur in gekürzter Version in die Kinos. Nach der Restaurierung durch die Deutsche Kinemathek ist er erstmals in Bremen in seiner ursprünglichen Länge und Qualität zu sehen. Mit seiner Aufführung erinnern wir an die in diesem Jahr verstorbene Regisseurin Helma Sanders-Brahms.

Mi 25.06.2014, 20:30 Uhrim CITY 46, kuratiert und präsentiert von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:
   | Optical Sound | Mika Taanila | FIN 2005 | 6:00 Min.
   | Lost Sound | John Smith (in collaboration with Graeme Miller) | GB 1998-2001 | 28:00 Min.
   | end, end, end | Jonathan Rattner | USA 2013 | 8:46 Min.
   | Hacked Circuit | Deborah Stratman | USA 2014 | 15:10 Min.
   | Optical Sound | Elke Groen, Christian Neubacher | A 2014 | 12:00 Min.

Kuratiert und präsentiert von Christine Rüffert anlässlich der Ausstellung "Existenzielle Bildwelten" im Museum Weserburg:

Die Verwandlung der Dinge, ihre auratische Aufladung und bisweilen dramatische Transformation ist ein zentrales Thema der Kontinente und Kulturen übergreifenden Ausstellung. Präsentiert werden Werke von annähernd 50 zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern sowie Artefakten aus Afrika, Ozeanien.

Mi. 04.06.2014, 20:30 Uhr im CITY 46

Die Filme:
   | Red Nitro | Christoph Weihrich | A 2006 | 1:00 Min.
   | Rumpelstilzchen | Jürgen Reble | BRD 1989 | 15:00 Min.
   | Springtime | Jeroen Eisinga | NL 2012 | 19:00 Min.
   | Juanita | Nina Yuen | USA 2010 | 5:27 Min.
   | Light Body | Corpuscles Antonin de Bemels, Gordon Delop | B 2004 | 6:00 Min.
   | Close the Lid Gently | Ariana Gerstein | USA 2013 | 4:55 Min.
   | Elektrotechnique | Lernert & Sander | NL 2011 | 2:50 Min.

Dokumentarische Filmaufnahmen aus Archiven bezeugen für gewöhnlich Geschichte. Christine Rüffert zeigt anhand ausgewählter Experimentalfilme, wie Filmkünstler mit Archivmaterial Geschichte reflektieren und andere, neue Geschichten erzählen.

Sa. 10.05.2014, 15:30 Uhr, im CITY 46, präsentiert von Christine Rüffert | Universität Bremen

Die Filme:
   | Nicolae & Elena | Richard Vetterli | CH 1991 | 7 Min.
   | The Future is Behind You | Abigail Child | USA 2004 | 20 Min.
   | Displaced Persons | Daniel Eisenberg | USA 1981 | 12 Min.
   | Human Remains | Jay Rosenblatt | DK 1998 | 30 Min.

Mi. 15.1. 2014, 20:30 Uhr im CITY 46

Die französische Künstlerin Claude Cahun (1894-1954) steht im Mittelpunkt des letzten Filmprogramms anlässlich der Ausstellung "Sie. Selbst. Nackt." Die britische Filmkünstlerin Sarah Pucill, deren eigene Arbeiten ähnlichen Themen und Ikonografien wie Cahun verpflichtet sind, hat ihre Welt in einem filmischen Essay zum Leben erweckt.

Magic Mirror wurde am 22.04.2013 im Tate Modern (London) uraufgeführt. Hier können Sie sich den Trailer ansehen.

Der Film re-inszeniert die surrealistischen Schwarz/Weiss-Fotografien in einer Reihe von Tableaux Vivants und verbindet sie mit ausgewählten Auszügen aus Cahuns Buch »Aveux Non Avenus«. Mit drei verschiedenen Darstellerinnen der Cahun verdichtet der Film Person und Werk in einem poetischen Kaleidoskop.

   | Magic Mirror | Sarah Pucill | GB 2013 | 75 Min.

Mit einer Einführung von Christine Rüffert (Universität Bremen)

Experimentalfilme von Frauen aus den 80er Jahren: eine Zeit ohne Mobiltelefon, Privatfernsehen, Heimcomputer, aber eine Zeit intensiver filmischer Experimente. Filmemacherinnen erkundeten Filmsprache und weibliche Sexualität ebenso wie Männlichkeiten und Machträume. Aus diesem Umfeld versammelt das Archiv für den Bundesdeutschen Experimentalfilm von Frauen (Universität Paderborn) weibliche Interventionen die - freche, rebellische, subtile - Untersuchungen des männlichen Blick- und Handlungsraums darstellen. Diese Filme warten auf eine Neuwertung. Welche ästhetischen Möglichkeiten entwickelten sie vor jeder digitalen Technik. Welche Rolle spielt das filmische Material? Es werden selten zu sehende Filme von Helke Sander, Ingrid Pape, Karola Schlegelmilch, Anja Telscher u.a. vorgeführt, eingeführt und diskutiert.

Filmprogramm I: Räume

    | Karola Schlegelmilch | Vom Sterneschneutzen | 16mm | 12 Min.
    | Christine Noll Brinckmann | Postermöbel im Grünen | 16mm | 7 Min.
    | Laura Padgett | Fragment | 16mm | 3 Min.
    | Rosi S.M. | Requiem für Requisiten | 16mm | 22 Min.

Filmprogramm II: Männlichkeiten

    | Helke Sander | Subjektitüde | 16mm | 6 Min.
    | Anja Telscher | Wenn der Haarwuchs lästig wird | 16mm | 6 Min.
    | Ingrid Pape-Sheldon | Kissenschlacht | 16mm | 6 Min.
    | Pola Reuth | Kool Killer | 16mm | 6 Min.

Programmlänge 100 Min.

Lebenszeichen – Filme von Barbara Hammer

Das Lebenswerk der 1939 in Hollywood geborenen Experimentalfilmerin, Dokumentaristin und bildenden Künstlerin Barbara Hammer hat die Geschichte des Queer Cinema mitgeschrieben. Seit 1968 hat sie über 80 Produktionen mit dezidiert feministischer Perspektive vorgelegt, in denen sie sich immer auch wieder mit Fragen von Krankheit, Alter und Tod auseinandersetzt. Das Programm zeigt aus diesem Werkkontext drei Arbeiten, die den weiblichen Körper zum Ausgangspunkt der Darstellung wählen: die ästhetische Aufbereitung alter Röntgenaufnahmen, einen Danse Macabre weiblicher Skelette und die schonungslose Chronik ihres eigenen Überlebens einer Krebserkrankung.
Barbara Hammers Filme sind u.a. in den Sammlungen des MOMA (NY), des Centre Pompidou (Paris) und des Nederlands Film Archive (Amsterdam) enthalten, Retrospektiven widmete ihr kürzlich neben dem MOMA auch das Tate Modern (London 2012) und das Jeu de Paume (Paris 2012).

Mehr zu Barbara Hammer

Die Filme:
    | Sanctus | USA 1990 | 19 Min.
    | Vital Signs | USA 1991 | 10 Min.
    | A Horse Is Not a Metaphor | USA 2008 | 30 Min.

Mit einer Einführung von Christine Rüffert (Universität Bremen)

Programmlänge 90 Min. (Filmlänge 59 Min.)