Die Ringvorlesung findet als Selbststudiumseinheit mit drei integrierten ZOOM Sitzungen statt, in dem alle Teilnehmenden zusammen kommen.

Dieses Seminar wendet sich an die Studierenden, welche die Einführung in das Wissenschaftliche Arbeiten (1) bereits belegt haben.
Studierende werden an einem der vier Blocktermine (an einem Workshop) teilnehmen. Der erste Termin findet für alle gemeinsam statt.

Die Ringvorlesung findet als Selbststudiumseinheit mit drei integrierten ZOOM Sitzungen statt, in dem alle Teilnehmenden zusammen kommen.

Dieses Seminar wendet sich an die Studierenden, welche die Einführung in das Wissenschaftliche Arbeiten (1) bereits belegt haben.
Studierende werden an einem der vier Blocktermine (an einem Workshop) teilnehmen. Der erste Termin findet für alle gemeinsam statt.

Diese Veranstaltung findet komplett digital statt!

Über die Rezeption von zeitgenössischer Kunst und Kunstformen, sowohl analog durch Ausstellungsbesuche, als auch digital, erproben wir wirksame Werkzeuge der Annäherung, des eigenen Schaffens und Formen des Transfers in den Schulunterricht.
Möglichst offene, experimentelle und performative Vermittlungsmethoden und die Wirksamkeit zeitgenössischer Kunst erforschen wir selber mit Hilfe offener, experimenteller und performativer Methoden.

Was ist zeitgenössische Kunst? Welche Medien finden wir vor? Welche Inhalte trägt sie? Wie operiert und funktioniert sie? Wie kann sie Eintritt in die Schule finden? Inhaltlich knüpfen wir an kunstwissenschaftliche Diskurse und Texte an und formen, bzw. erweitern unseren Kunstbegriff.

Vorkenntnisse nicht nötig, aber viel Interesse an zeitgenössischer Kunst, Spaß am Ausprobieren
und großes Engagement!

In diesem Seminar setzen wir uns mit künstlerischen Arbeiten, die an der Universität Bremen seit ihrer Gründung bis heute realisiert wurden, auseinander. An diesen Beispielen werden grundlegende Fähigkeiten zur systematischen Analyse, Reflexion und Kontextualisierung von Kunstwerken und Prozessen der Künste, vermittelt. Von den Teilnehmer*innen werden dazu eigene Werkanalysen angefertigt.

Außer der Vermittlung von kunstwissenschaftlichen Grundkenntnissen, geht es in dem Seminar auch um die Auseinandersetzung mit der Universität Bremen, als Ort des Kunstschaffens- und -zeigens. Das Seminar möchte den Teilnehmer*innen darüberhinaus die Möglichkeit bieten, gerade nach den Einschränkungen der vergangenen Semester, sich mit der Institution Universität, vertraut zu machen.

Während der Seminarzeiten werden wir uns überwiegend im Außenraum auf dem Campusgelände bewegen, deswegen bitte entsprechend für wetterfeste Kleidung sorgen. In der ersten Sitzung am Dienstag, den 19. April, treffen wir uns im Seminarraum GW2 B3850.

3CP: -aktive Teilnahme und Präsentation eines Kunstwerks
6CP: -aktive Teilnahme, Präsentation eines Kunstwerks + Hausarbeit

Was hat „Geschlecht“ bzw. „Gender“ mit Kunst(Wissenschaft) zu tun? In diesem Seminar werden anhand von Texten und künstlerischen Arbeiten, grundsätzliche Fragestellungen, theoretische Positionen und praktische Ansätze zur Bedeutung des Verhältnisses von Kunst(Wissenschaft) und Gender, gemeinsam be-/erarbeitet.


3CP: -aktive Teilnahme und Präsentation eines Texts/Kunstwerks
6CP: -aktive Teilnahme, Präsentation eines Texts/Kunstwerks + Hausarbeit

Welcher Kunstbegriff steckt hinter den Dingen, die wir zeitgenössische Kunst nennen? Jeder Definitionsversuch, der von den Werken selbst ausgeht, erweist sich als nicht hilfreich. Entweder ist er zu eng gefasst, indem man z.B. von einem einzelnen Werk auf allgemeine Strukturen schließt, oder zu weit, indem man versucht, alle bisher als Kunst markierten Gegenstände in die Definition miteinzubeziehen. In beiden Fällen erhalten wir kein sinnvolles Werkzeug. Dieses Streben nach einem essentialistischen Kunstbegriff, erweist sich für aktuelle Konzepte der Kunst als nicht angemessen. Wenn wir allerdings nicht von den Werken ausgehen, sondern von den Erfahrungen, die wir als Betrachter_innen vor den Werken machen, so lassen sich einige Eigenschaften zeitgenössischer Kunst immer wieder beobachten.
Im Seminar lernen wir Strategien zur Erschließung aktueller Kunst kennen und üben in den Räumen des Museums Weserburg Vermittlungssituationen vor Originalen. Zusätzlich kommen wir mit den verschiedenen Funktionsträger*innen des Museums ins Gespräch.

3CP: -aktive Teilnahme und Präsentation eines Kunstwerks
6CP: -aktive Teilnahme, Präsentation eines Kunstwerks + Hausarbeit

Das Seminar nimmt queere Kunst|Geschichten in den Blick, um einerseits die Formierung eines Genres nachzuverfolgen, andererseits kritisch die eigene Position zu prüfen: Wie kann eine queere Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft aussehen, die sich nicht allein über die Wahl ihrer Objekte definiert, sondern ihre Methoden, blinde Flecken und Ausschlüsse ebenso reflektiert, wie sie das Paradox der eigenen institutionellen Verstrickung berücksichtigt?
Über die Betrachtung und Diskussion künstlerischer Beiträge und ihrer gerade oder noch-nicht geschriebenen Geschichten nähern wir uns dem Thema an: von etwa Claude Cahun und Jack Smith, über die Werke von Harmony Hammond und Ulrike Müller, bis hin zu Cassils oder Wu Tsang soll ein breites Spektrum künstlerischer Position vorgestellt und ihre Potenziale, normative Festschreibungen – soziale wie kunsthistorische – zu unterbrechen, diskutiert werden. Parallel dazu lesen wir gemeinsam ausgewählte Schlüsseltexte, die queere Theorie und Methodik in die Analyse von Kunst integrieren. Die Überlegungen leiten soll ein Arbeitsbegriff von ‚queer‘, der in Anlehnung an Konzepte von Donna Haraway oder José Estaban Muñoz keinen Zustand, sondern einen Prozess bezeichnet: stets vorläufig und notwendig unabgeschlossen.
Das Seminar konzentriert sich auf Positionen aus dem US-amerikanischen Raum, Überschreitungen dieses Rahmens sind vorgesehen. Nach Möglichkeit unternehmen wir am Ende des Semesters einen gemeinsamen Ausstellungs- oder Studiobesuch.

Das Seminar nimmt queere Kunst|Geschichten in den Blick, um einerseits die Formierung eines Genres nachzuverfolgen, andererseits kritisch die eigene Position zu prüfen: Wie kann eine queere Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft aussehen, die sich nicht allein über die Wahl ihrer Objekte definiert, sondern ihre Methoden, blinde Flecken und Ausschlüsse ebenso reflektiert, wie sie das Paradox der eigenen institutionellen Verstrickung berücksichtigt?
Über die Betrachtung und Diskussion künstlerischer Beiträge und ihrer gerade oder noch-nicht geschriebenen Geschichten nähern wir uns dem Thema an: von etwa Claude Cahun und Jack Smith, über die Werke von Harmony Hammond und Ulrike Müller, bis hin zu Cassils oder Wu Tsang soll ein breites Spektrum künstlerischer Position vorgestellt und ihre Potenziale, normative Festschreibungen – soziale wie kunsthistorische – zu unterbrechen, diskutiert werden. Parallel dazu lesen wir gemeinsam ausgewählte Schlüsseltexte, die queere Theorie und Methodik in die Analyse von Kunst integrieren. Die Überlegungen leiten soll ein Arbeitsbegriff von ‚queer‘, der in Anlehnung an Konzepte von Donna Haraway oder José Estaban Muñoz keinen Zustand, sondern einen Prozess bezeichnet: stets vorläufig und notwendig unabgeschlossen.
Das Seminar konzentriert sich auf Positionen aus dem US-amerikanischen Raum, Überschreitungen dieses Rahmens sind vorgesehen. Nach Möglichkeit unternehmen wir am Ende des Semesters einen gemeinsamen Ausstellungs- oder Studiobesuch.

Die Entwicklung und Differenzierung der ästhetischen Wahrnehmung erfolgt über das kreative (literarische) Schreiben, um den subjektiven Zugang zu Kunst zu erkennen, die Wahrnehmung anderer zu erfahren ebenso wie ihre persönliche Rezeption.
Es wird direkt vor den jeweiligen Kunstwerken geschrieben und gelesen.
Bitte Schreibzeug bereithalten.
Präsenzveranstaltungen finden in den Museen Bremens statt.

Im Seminar liegt der Fokus auf dem nonverbalen Zugang zum (Kunst)Werk. Mittels zeichnerischer Untersuchungen wollen wir die Rezeption von Kunstwerken, Situationen und möglichen Gegebenheiten erforschen. Unter Berücksichtigung unterschiedlicher gemeinsam entwickelter Untersuchungsfelder findet die Annäherung an das Betrachtete statt. In Einzel- und Gruppengesprächen werden die Arbeitsergebnisse reflektiert und weiterentwickelt. Ausgefeilte Zeichenfähigkeiten sind nicht notwendig, aber Interesse und Spaß an der praktischen Arbeit und dem Experimentieren, sowie die Bereitschaft zu einer regelmäßigen Teilnahme.
Es sind Exkursionen in Bremer Ausstellungshäuser geplant.

Die Gestaltung des Seminars wird der jeweiligen Corona-Situation angepasst.

Ein aktueller phänomenologischer Lernbegriff rückt den Prozess einer Erfahrung in den Fokus und ermöglicht, diesen als intersubjektives Geschehen zu beschreiben. Es wird aufgezeigt, dass
Lehrende und Lernende gleichermaßen im ästhetischen Erfahrungsprozess involviert sind, der durch institutionelle und diskursive bildungsrelevante Strukturprinzipien mitbestimmt wird und dennoch Momente des Unplanbaren enthält. Analogien zwischen einem erweiterten Verständnis
von ästhetischer Erfahrung und künstlerischer Forschung führen dazu, eine veränderte Rolle von Lehrkräften im Fach Kunst als Erfinderinnen und Erfinder zu begründen. Ihre Rolle ist es, in selbstexperimenteller Auseinandersetzung mit Gegenwartskunst ihren Kunstunterricht zu erfinden.

Das Seminar nimmt queere Kunst|Geschichten in den Blick, um einerseits die Formierung eines Genres nachzuverfolgen, andererseits kritisch die eigene Position zu prüfen: Wie kann eine queere Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft aussehen, die sich nicht allein über die Wahl ihrer Objekte definiert, sondern ihre Methoden, blinde Flecken und Ausschlüsse ebenso reflektiert, wie sie das Paradox der eigenen institutionellen Verstrickung berücksichtigt?
Über die Betrachtung und Diskussion künstlerischer Beiträge und ihrer gerade oder noch-nicht geschriebenen Geschichten nähern wir uns dem Thema an: von etwa Claude Cahun und Jack Smith, über die Werke von Harmony Hammond und Ulrike Müller, bis hin zu Cassils oder Wu Tsang soll ein breites Spektrum künstlerischer Position vorgestellt und ihre Potenziale, normative Festschreibungen – soziale wie kunsthistorische – zu unterbrechen, diskutiert werden. Parallel dazu lesen wir gemeinsam ausgewählte Schlüsseltexte, die queere Theorie und Methodik in die Analyse von Kunst integrieren. Die Überlegungen leiten soll ein Arbeitsbegriff von ‚queer‘, der in Anlehnung an Konzepte von Donna Haraway oder José Estaban Muñoz keinen Zustand, sondern einen Prozess bezeichnet: stets vorläufig und notwendig unabgeschlossen.
Das Seminar konzentriert sich auf Positionen aus dem US-amerikanischen Raum, Überschreitungen dieses Rahmens sind vorgesehen. Nach Möglichkeit unternehmen wir am Ende des Semesters einen gemeinsamen Ausstellungs- oder Studiobesuch.

In diesem Seminar werden wir verschiedene künstlerische und künstlerisch forschende Arbeitsweisen kennenlernen und erproben: Wie können wir in u.a. Zeichnung, Collage, Malerei, Druckgrafik, Fotografie und Bildhauerei/Installation oder übergreifenden Ansätzen unsere gegenwärtigen Lebenswelten reflektieren und künstlerische praktisch befragen? Wie können wir mit unserem eigenen künstlerischen Tun spekulieren, was sein könnte und uns selbst wichtig erscheint?
Im 1. Semester experimentieren wir gemeinsam mit angeleiteten Übungen und forschender Haltung in verschiedenen Techniken, Medien und Arbeitsweisen. Im 2. Semester werden eigene Projekte begleitet entwickelt.
In Einzel- und Klassengesprächen/Präsentationen reflektieren wir gemeinsam die Arbeitsprozesse und finden Auswege aus möglichen Sackgassen.
Am Ende findet die Grundkursausstellung statt.
Vorkenntnisse nicht nötig, aber Spaß am Ausprobieren!

In diesem Grundkurs setzen wir uns experimentell und forschend mit den Grundlagen medialen Erzählens auseinander. Im Fokus stehen Fotografie und Film/Video sowie die Beziehungen beider zueinander.

Durch verschiedene analoge Verfahren (z.B. Cyanotypie, Camera Obscura (Lochkamera), Super-8-Film) lernen wir zunächst spielerisch die grundlegenden (historischen) Mechanismen bewegter und unbewegter fotografischer Bilder kennen und erkunden deren künstlerisches Potential. Ergänzt und bereichert werden diese im Laufe des Semesters/Jahres durch die Nutzung digitaler Medien.

Licht und Dunkel, Analog und Digital, Stillstand und Bewegung, 0 und 1, Nähe und Distanz, Auge und Kamera, Dokumentation und Fiktion, Bild und Wort, Hören und Sehen, Synchonität und Asynchronität… Es wird genre- und medienübergreifend experimentiert!

Projekte können in Einzel- oder Gruppenarbeit entwickelt und umgesetzt werden. Im Sommersemester findet möglicherweise eine Exkursion zu einem Filmfestival oder einer Biennale statt.

Im Rahmen des Seminars findet zudem eine Einführung in die Videoschnittsoftware Adobe Premiere statt, die als Lizenz und (je nach Stand der Öffnungen) an universitären Schnittplätzen zur Verfügung gestellt wird (Ästhetisches Labor). Einige Filmbeispiele werden in Englisch sein.

Serielle Kunst ist eine zentrale Idee der zeitgenössischen und modernen Kunst. Sie erzeugt ihre ästhetische Wirkung durch das Wiederholen von Formen sowie Bildern und Objekten in Reihen, Serien & Variationen. Dies kann zB sein das Wiederholen des gleichen Themas in verschiedenen Medien und in verschiedenen Posen, als auch das Anwenden von Systemen mit konstanten und variablen Prinzipien. Die serielle Form wird durch gesetzte (Bild)-Regeln verbunden und kann theoretisch unendlich fortgesetzt werden. Sie findet sich ebenso in der Literatur, in der Musik sowie in den Naturwissenschaften.

Ziel des Seminars ist es, eine thematisch sowie künstlerisch ästhetische Serie in einem individuell favorisierten Medium zu entwickeln, zu präsentieren und zu reflektieren.

Welches Medium für die eigene Praxis das geeignete sein kann, erarbeiten (sich) die Student*innen in der ersten Kursphase in Form von Übungsserien mit/in unterschiedlichen Medien, Materialien und Techniken (Zeichnung, Collage, Druck, Schrift, Fotografie, Plastik und nach eigenen Vorlieben).

Ergänzend betrachten wir Beispiele künstlerischer Serien anhand von Fragen - zu Inhalt und Form - zum Aspekt einer hybriden Gattung (Inter- und Transdisziplinarität) - zu historischen und politischen Kontexten - zur Funktion von Serien als kommunikatives System - zu Erinnerung und Archiv - zu individueller und kollaborativer Autor*innenschaft. Und wir besuchen - nach Möglichkeit - Ateliers und Orte der Produktion.

In der zweiten Kursphase entwickeln die Student*innen eine Serie auf Basis eigener Ausgangspunkte, Konzepte und Regeln im/in der dafür gewählten Medium und Technik.
Ausgangsmomente und Ideenreservoir können sein: Die Anekdote (das Besondere im Alltäglichen und das Zufällige), die Erzählung (das Besondere im Alltäglichen als Prozess und Handlung), die Dokumentation (Sammlung, Ordnung und Nutzbarmachung von Information zum Besonderen und Alltäglichen) und die Fiktion (das Alltägliche und Besondere in einer fiktiven Welt). Eigene Impulse sind sehr willkommen.

Was und wie reflektiert und gezeigt wird ist genauso Entscheidung wie die Wahl der Medien, in welchen es veröffentlicht und ggf. distribuiert wird: Über beide Kursphasen hinweg finden Gruppen-Feedbackrunden und individuelle Arbeitsgespräche statt. Darin lernen wir, Reflexion und Kritik von Kolleg*innen als respektvolle Serviceleistung am eigenen Arbeitsprozess anzunehmen und anzuwenden. Zum Ende des 2. Semesters erarbeiten die Student*innen gemeinsam eine für das Thema geeignete Form der Präsentation ihrer künstlerischen, seriellen Arbeiten.

Vorkenntnisse sind erlaubt aber nicht nötig. Neugier und Spaß am Experimentieren, Produzieren und Zeigen dagegen sehr!

Die Veranstaltung bietet eine praktische Einführung in die Medien Zeichnung, Collage und Fotografie:
Zeichnung als Aneignung von Welt, Collage als ein Experimentierfeld für das Aufeinandertreffen unterschiedlicher Materialien, Fotografie als den gestalteten Einschnitt in Raum und Zeit.
In einer offenen und freien Arbeitssituation erkunden wir sowohl individuell wie auch in kleinen Teams Materialien und Techniken, unsere in praktischen Übungen gewonnenen Erfahrungen verzahnen wir mit persönlichen Beobachtungen, Interessen und Fragestellungen.Wir untersuchen Positionen ausgewählter Künstler*innen und entwickeln eigene Strategien für die Verbildlichung eines selbst gewählten Themas, das wir im zweiten Semester in einem eigenen künstlerischen Projekt konkretisieren.
Den Abschluss bildet die Teilnahme an der Grundkursausstellung am Ende des zweiten Semesters.

„documenta. Politik und Kunst“

Die documenta in Kassel ist seit ihrer Gründung 1955 der Ort, an dem sich Besucherinnen und Besucher aus aller Welt alle fünf Jahre über zeitgenössische Kunst und Künstlerschaft ein Bild machen können. Ihr glanzvoller Ruf und vor allem die Vorstellung, die documenta sei ein Geniestreich ihres Gründers Arnold Bode, hat indes dazu geführt, dass bis heute wichtige Fragen in der Beforschung der „Weltkunstausstellung“ nicht gestellt wurden. Lange wurde übersehen, dass die documenta nie frei von politischen, kanonischen oder kunstmarktorientierten Entscheidungen war. Als Trendsetterin an der innerdeutschen Grenze zur DDR, war sie vielmehr wichtiger Player im Kalten Krieg und Aushängeschild der Bundesrepublik nach dem Zweiten Weltkrieg.
Das Seminar strebt an, die Geschichte der documenta im 20. Jahrhundert, d.h. von ihrer Gründung bis ins Jahr 1997 unter die Lupe zu nehmen. Viele Fragen gilt es dabei zu klären: etwa welche KuratorInnen und KünstlerInnen an dem „wilden Ding“ in Kassel beteiligt waren (und welche nicht), wie es überhaupt zur documenta kam, wie sie sich finanzierte, wie und von wem, welche Kunstwerke vermittelt wurden und welchen Stellenwert die documenta für die bundesdeutsche Politik bis zum Fall der Mauer hatte.

Fortsetzung aus dem WiSe.
Die digitale Kunstvermittlung eröffnet vielfältige Chancen sowohl für die Vermittlungsarbeit von Museen und Ausstellungshäusern, als auch in Schulen. Sie ermöglicht eine verbesserte, direkte Einbeziehung der Besucher*innen und Kunstinteressierten aller Altersgruppen sowie der Lehrer*innen und Schüler*innen in die künstlerischen Inhalte. Die Auseinandersetzung mit Kunst, als auch mit Musik und Literatur, wird so zu einem spannenden, partizipativen und interaktiven Erlebnis.
Ziel des Seminares ist es, die vielfältigen mit den digitalen Medien verbundenen Möglichkeiten für die Vermittlungsarbeit auszuloten und sie in Hinblick auf ihre Eignung für die Kunstvermittlung in Schulen und von Museen für Kinder, Jugendliche und Erwachsene mit und ohne Behinderung zu beleuchten sowie dabei einen Überblick über die Kunstvermittlung in und außerhalb des Web 2.0 zu geben.
Welche Vermittlungspotenziale bestehen durch den Einsatz Neuer Medien, von Online-Angeboten, von Social Media, des webbasierten Storytellings und digitaler Plattformen? Welche Chancen und Herausforderungen liegen in der Digitalität der Kunstvermittlung? Was sind die Perspektiven einer kulturellen Bildung im Internet?
Das 2-semestrige Seminar wird sowohl digital, als auch in Präsenz stattfinden.
Im Wintersemester 2021/2022 liegt der Schwerpunkt des Seminars auf der Theorie zur digitalen Kunstvermittlung, der Beschäftigung mit Künstlerpublikationen und der Entwicklung erster Ideen für die Konzeption einer Vermittlungsaktion im Kontext der vervielfältigten, edierten und veröffentlichten Kunst.
Im Sommersemester 2022 liegt der Schwerpunkt des Seminars auf der praktischen Umsetzung von digitalen Kunstvermittlungsaktionen basierend auf der Konzeption eines Kunstvermittlungsangebotes im Kontext der Künstlerpublikationen und der damit verbundenen Erstellung eines ‚Storyboards‘ sowie der anschließenden Durchführung.

Das Sophie Taeuber-Arp Research Project, kurz STARP ist ein fortlaufendes Kooperationsprojekt der Stiftung Arp e. V. (Remagen/Berlin) und des Gerhard-Marcks-Hauses (Bremen). Ziel ist es umfassende Informationen und aktuelle Forschungsergebnisse zu Leben und Werk der Schweizer Künstlerin Sophie Taeuber-Arp (1889–1943) digital an einem Ort zu sammeln und der Fachwelt wie auch der interessierten Öffentlichkeit zur Verfügung zu stellen. Im Mittelpunkt der Arbeit steht der Online-Katalog zum Gesamtwerk der Künstlerin. Seit Sommer 2020 ist die Website sophietaeuberarp.org online und wird kontinuierlich weiterentwickelt.

In einem Seminar im Sommersemester haben wir gefragt, welche Möglichkeiten digitale Angebote bieten? Was sind die Herausforderungen? Jetzt wird es darum gehen, gemeinsam eine solche Ausstellung zu entwickeln. Vorkenntnisse sind nicht notwendig.

In diesem Semester wird das Kennenlernen von Forschung, Recherche und Vermittlung in der musealen Praxis vertieft. Ausstellungsplanung und das Führen durch die Ausstellung werden erprobt, unterschiedliche Vermittlungsformate besprochen und kontrovers diskutierte Fragen aus der Kulturszene gemeinsam erörtert.

Der Typus der Neuen Frau ist prägend für das moderne Frauenbild. Im deutschsprachigen Raum wird er mit den 1920er Jahren und der Neuen Sachlichkeit in Verbindung gebracht, wobei es sich um eine schematische Verkürzung handelt, die eine nachträgliche Sichtweise, unter anderem unserer Gegenwart, ist. In unserem Seminar wollen wir Bilder von der Neuen Frau kritisch untersuchen. Schwerpunktmäßig bezugnehmend auf die visuelle Kultur nähern wir uns diesem weiblichen Ideal aus zwei Perspektiven: Zum einen wollen wir das Motiv der Neuen Frau in den Blick nehmen: Wie wurde die Neue Frau (wann und wo) durch wen dargestellt oder definiert? Dabei spielt der männliche Blick ebenso eine Rolle wie feministische Visionen. Zum anderen widmen wir uns demgegenüber Bildproduzentinnen, die als Neue Frauen in die (Kunst-)Geschichte eingingen bzw. aktuell vermehrt eingehen. Insbesondere ihr Werk, doch auch die Umstände ihrer Arbeit und gegebenenfalls ihr(e) Selbstverständnis(se) sollen dabei im Fokus stehen.

Das Seminar wird sich mit aktuellen medienkünstlerischen Positionen der Aneignung von konkreten staatlichen Überwachungsapparaturen auseinandersetzen. Der theoretische Hintergrund wird zum einen durch die sozialwissenschaftlich orientierten Surveillance Studies (M. Foucault, D. Lyon, Z. Bauman) gestellt, zum anderen von der medienwissenschaftlich ausgerichteten Visual Culture (Rimmele/Stiegler, T. Holert, D. Kammerer). Im Zentrum dabei stehen Fragen des Widerstands gegen hegemoniale Machtstrukturen wie sie etwa innerhalb des Konzepts der Counter-Surveillance entworfen werden. Dabei soll ein verstärkter Blick auf zeitgenössische Formen der automatisierten Überwachung, bzw. der maschinell gesteuerten, algorithmisierten Überwachung im Zeitalter des sog. „Überwachungskapitalismus“ (S. Zubhoff) gerichtet werden und allgemeine Fragen von Kunst und Aktivismus, Kunst und Kritik, Kunst und Widerstand diskutiert werden.

In diesem Seminar werden der Wohn/Raum und seine Politiken über künstlerische Praxen, aktionistische Aufbrüche und architektonische Interventionen perspektiviert und miteinander in Beziehung gesetzt. Der Schauplatz Wohnen wird dabei als intersektional durchkreuztes Feld des Gesellschaftlichen konzeptionalisiert: Architektonische Gefüge ordnen nicht nur städtische, sondern auch gesellschaftliche Strukturen an, entwerfen ihre Bewohner_innen und deren Beziehungsweisen gleich mit. Grundrissen sind Arbeits- und Geschlechterverhältnisse eingeschrieben, sie privilegieren noch heute zumeist das (heteronormative) Kleinfamiliale und bieten wenig Spiel/Raum für andere Wohn- und Lebensweisen. Wir wollen gemeinsam nachspüren, welche Auf- und Umbrüche es in Kunst, Architektur und Politik gab und gibt und darüber herausarbeiten, inwiefern (medialisierte) Wohn/Raum/Politiken daran beteiligt sind, bestimmte Vorstellungen eines ,richtigen‘ Wohnens zu zementieren oder porös werden zu lassen. Die (historische) Ambivalenz architektonischer ,Aufbrüche‘ ist dabei eng verstrickt mit dem Verhältnis von Wohnen und Klasse. Durch das pandemische Brennglas nochmals verschärft steht das Recht auf bezahlbaren Wohnraum aktuell zur Verhandlung und die Frage danach, wem die Stadt gehört, wird (erneut) gestellt. Diese Besitzansprüche sind wiederum eingeflochten in kapitalistische Strukturen, die an einer klassistischen Organisation von Wohn/Raum mitproduzieren. Aktuell steht die Kampagne Deutsche Wohnen&Co enteignen! paradigmatisch für ein aktionistisches Intervenieren in privatisierte Wohnungsmärkte und wirft Fragen nach der Kapitalisierbarkeit von Wohn- und Stadt/Raum auf. Künstlerische Praxen formulieren Kritik an diesen Verhältnissen, schälen sie heraus und stellen sie zur Diskussion. Über die gemeinsame Auseinandersetzung mit künstlerischen Arbeiten, architektonischen Positionen und kritischen Lektüren soll aus einer kunst- und kulturwissenschaftlichen Perspektive den historischen Dis/Kontinuitäten in den Debatten um Wohn- und Stadtraumgestaltung und ihrer Medialisierung nachgegangen werden, um diese mit aktuellen Entwicklungen, Einsprüchen und Entwürfen zu verknüpfen.
Einen zentralen Ausgangspunkt bildet dabei die Ausstellung „wohnen3 bezahlbar. besser. bauen“, die bis Juli 2022 vom Hafenmuseum Bremen, dem Bremer Zentrum für Baukultur und dem Mariann Steegmann Institut. Kunst & Gender/Forschungsfeld „wohnen+/-ausstellen“ veranstaltet wird. Im Ausstellungsdisplay werden die Verbindungen von Wohnen und Stadtraumgestaltung aufgegriffen und über architektonische Vorschläge und künstlerische Interventionen zur Diskussion gestellt, um kritische Zugriffe auf die Intersektionen aktueller Wohn/Raum/Politiken zu ermöglichen. Ein gemeinsamer Ausstellungsbesuch und die Teilnahme an den thematisch anknüpfenden Vorträgen im Forschungsfeld „wohnen+/-ausstellen“ sind Teil des Seminarprogramms.

Die Performance-Kunst versteht den Körper als künstlerisches Medium, dessen
sich situativ und handlungsbezogen bedient werden kann. Doch wer waren bzw.
sind diejenigen, die ihre Körper als solches verwende(te)n? Welche speziellen
Möglichkeiten bot und bietet die Performance-Kunst speziell feministischen
Künstler*innen? Wie perform(t)en weiblich gelesene Körper und was passiert(e)
mit diesen, wenn sie verfremdet, verkleidet oder verändert werden, um
ein zweites [anderes] Ich zu erschaffen?
Gemeinsam wollen wir die Ursprünge der Feministischen Performance-Kunst
kennenlernen, um uns dann konkreter mit dem Begriff des Alter-Egos
auseinander zu setzen. Dafür werden wir verschiedene Künstler*innen-
Positionen heranziehen, um unterschiedliches performatives Arbeiten und die
Motivation(en) für die Erschaffung neuer Identitäten und Personas,
nachzuvollziehen.

Zielte Repräsentationskritik insbesondere in feministischen Debatten zunächst auf eine Analyse bestehender Darstellungskonventionen ab, werden heute eher Schwächen des Konzepts hervorgehoben. Dennoch scheint es voreilig, das Problem ‚Repräsentation‘ aus dem kunstwissenschaftlichen Repertoire zu verabschieden. Künstler*innen, die sich mit Fragen nach Identität und den Folgen kolonial und imperial geprägter Vergangenheiten beschäftigen, setzen sich weiterhin kritisch mit tradierten Formen der Repräsentation auseinander: im Porträt wie Catherine Opie, Deana Lawson oder Kehinde Wiley, als Gegenmonument wie Kara Walkers Fons Americanus (2020) oder in der Form eines alternativen Archives, das Zoe Leonard und Cheryl Dunye mit dem Fae Richards Photo Archive (1996) realisierten. Repräsentationen, so suggerieren bereits diese wenigen Beispiele, erschöpfen sich nicht im Verweischarakter, sondern haben Anteil an der Produktion von Wissen und gesellschaftlichen Ordnungen.
Das Seminar diskutiert künstlerische Positionen seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts, in denen sich kritische Interventionen in die bestehenden Ordnungen der Repräsentation erkennen lassen. Andererseits sollen aktuelle Debatten um repräsentationspolitische Programme in Architektur und Kulturinstitutionen (bspw. Humboldtforum in Berlin) aufgegriffen werden, die über diesen Rahmen hinaus gehen. Parallel dazu werden anhand von gemeinsamen Lektüren differenzierte Begrifflichkeiten eingeführt sowie eine fundierte Diskussionsgrundlage aufgebaut.

„Wenn ich Holzfäller bin und den Baum benenne, den ich fälle, so spreche ich, welches auch die Form meines Satzes sein mag, den Baum, ich spreche nicht über ihn. Das heißt, daß meine Sprache operativ und mit ihrem Objekt auf transitive Weise verbunden ist.“ Ausgehend von diesem Zitat aus dem Nachwort von Roland Barthes Mythen des Alltags entwickelte der Filmemacher Harun Farocki seinen Begriff der Operativen Bilder. Darunter verstand Farocki zunächst einmal folgenden Bildtypus: Point-of-View-Shots aus Bomben, Überwachungsaufnahmen, Bilder industrieller Produktionsabläufe, algorithmische Vermessungsdaten, Bilder der Satelliten- oder Drohnenaufklärung. Es handelt sich bei Operativen Bildern also primär um apparativ erzeugte Bilder, die weniger dem Feld der Kunst zuzuordnen sind: Ihnen liegen mathematisch-technische Operationen zugrunde, sie sind häufig in Produktionsprozesse eingebunden und weisen das Sehen reziprok als technischen Prozess aus. „Ich beschäftige mich mit den neuen Bildern, aber ich mache keine“ (Farocki 2014)

Seine Filmessays präsentierte Farocki zunächst vor allem im Kino, seit 2001 dann zunehmend auch im Rahmen musealer Kunstausstellungen. So kann er als Symptom einer dispositiven Neuordnung von Kunst(welt) und Film(welt) gelten. Daran anschließend halten Operative Bilder heute vermehrt Einzug ins Feld zeitgenössischer Kunst. Das Seminar will sich diesem Phänomen ausgehend von Farocki zuwenden. Anhand ausgesuchter künstlerischer Positionen (bspw. Clemens von Wedemeyer, Forensic Architecture, Hito Steyerl) oder dem Thema der Überwachung in der Populärkultur wollen wir weniger die Frage danach stellen, was operative Bilder sind, denn vielmehr wie ihre kulturellen Appropriationen aussehen und welche Funktionen sie in der zeitgenössischen Kunst übernehmen können. Ein Schwerpunkt des Seminars sollen diesem Bildtypus immanente Blickregime sein: Nicht zuletzt mithilfe von Laura Mulveys feministischer (Grundlagen)Theorie eines apparativ erzeugten male gaze, den u.a. Louis Wolthers auf gegenwärtige Überwachungsstrukturen überträgt, lassen sich anhand Operativer Bilder soziopolitische Fragen der Un/Sichtbarkeit erarbeiten. „Immer geht es dabei […] um Verschaltungen zwischen Gesellschaft, Bildprozessen und Arbeit.“ (Volker Pantenburg)

Im Rahmen des Seminars wird am Montag, den 2. Mai 2022, um 20 Uhr eine Vorführung von Harun Farockis "Erkennen und Verfolgen" sowie "Ich glaubte, Gefangene zu sehen" im City46 stattfinden. Die filmischen Arbeiten sind Ausgangspunkt des Seminars, die Teilnahme an der Vorführung wird vorausgesetzt.

Präsenzveranstaltungen im Außenraum (Bremen) mit asynchronen Übungen. Nach Möglichkeit wenige - keine Zoom-Sitzungen. Teilnehmer*innen müssen vor Ort an den Präsenzveranstaltungen teilnehmen können.
Beginnend mit der Vermittlungsstrategie und den Gerätschaften des musealen Audioguides und seiner Adaption und Erweiterung in den Raum der Gegenwartskunst;
Zeitgleiche theoretische Erkundung in Text und Bild zur „Psychogeographie“, zum Flaneur und der Passante, zu Audiowalks und Tonlandschaften im urbanen und natürlichen Raum;
„Laufende“ Auseinandersetzung mit ebendiesen Themen + Möglichkeiten eigene anleitende Aufnahmen zu generieren.
Vorkenntnisse nicht nötig, aber viel Interesse an der Auseinandersetzung mit komplexeren Texten und zeitgenössischer Kunst, Spaß am Gehen und Offenheit für Experimente, Bereitschaft für Selbststudium!
3 CPs Teilnahmeschein, 6 CPs Leistung für M5b, M5c und M6, 9 CPs für M5
Prüfungsform: Praktisches Forschungsprojekt mit schriftlicher Reflexion (10 Seiten)

Das Seminar wendet sich an die Studierenden, welche zuvor Wissenschaftliches Arbeiten 1 - 3 absolviert haben. Studierende werden an zwei der vier Blocktermine teilnehmen + Auftaktveranstaltung.

Blocktermin Filmsymposium 18. - 21.05. ganztägig

Das Seminar erkundet die Beziehungen zwischen Natur und Film. Im Fokus stehen Entwürfe, die Film und Kino in ökologischen Zusammenhängen betrachten. Bereits in der Stummfilmzeit sind Landschaftsdarstellungen und der zyklische Rhythmus der Natur zentraler Teil dramatischer Filmerzählungen. Autorenfilme zeugen von urbanen Landschaften und machen Vorstellungen eines Lebens in und mit der Natur zum Thema. Naturdokumentarfilme aber auch Katastrophenfilme modellieren Naturschönheit und -zerstörung gleichermaßen. Und erfolgreiche Hollywood-Musicals lassen sich heute nach ihrem ökologischen Fußabdruck befragen: Einerseits sind sie Teil der kalifornischen Filmindustrie, die bekannt ist für ihre hohe Umweltbelastung, andererseits erscheinen sie als nachhaltiges Produkt, weil sie immer wieder im Kino und auf den unterschiedlichsten Screens gezeigt werden. Das Seminar besucht das Internationale Bremer Symposium zum Thema „Grünes Kino“, welches vom 18. - 21. Mai 2022 im Bremer Kino CITY 46 stattfindet.

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortsetzung aus dem Wintersemester 2021/22. Die Teilnahme im letzten Semester ist die Voraussetzung für die Teilnahme in diesem Semester.

ACHTUNG: Die Seminare forschungsPRAXIS 1 und forschungsPRAXIS 2 sind gemeinsam zu belegen!

Die Sichtbarmachung von Karriere- und Lebensentwürfen ist ein im Universitätsalltag häufig kommuniziertes Bedürfnis: Welche beruflichen Wege sind bisherige Absolvent*innen des Instituts für Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik gegangen? Was kann man eigentlich mit einem solchen Abschluss werden? Perspektiven im Feld der Kunst-, Film- und Medienwissenschaften aufzuzeigen, ist ein Hauptziel dieses Seminarverbunds. Das IKFK hat bereits eine Vielzahl an diversen beeindruckenden Persönlichkeiten begleiten und ausbilden dürfen. Diese sehr verschiedenen Lebensentwürfe sollen nun – in Form von Videointerviews – sowohl für aktuelle und zukünftige Studierende zugänglich gemacht werden.
In der ersten Phase des Projekts werden wir uns mit der Auswahl der einzelnen Persönlichkeiten beschäftigen, Konzepte für die Interviews entwickeln und die technische Umsetzung der Interviewaufnahme trainieren. In der zweiten Phase werden Studierende in 2er oder 3er-Teams die Alumni selbstständig vor Ort besuchen und die Interviews durchführen und filmen. Danach wird das gesammelte Material geschnitten und am Ende des Semesters in Form von Kurzfilmen präsentiert.

ACHTUNG: Die Seminare forschungsPRAXIS 1 und forschungsPRAXIS 2 sind gemeinsam zu belegen!

Die Sichtbarmachung von Karriere- und Lebensentwürfen ist ein im Universitätsalltag häufig kommuniziertes Bedürfnis: Welche beruflichen Wege sind bisherige Absolvent*innen des Instituts für Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik gegangen? Was kann man eigentlich mit einem solchen Abschluss werden? Perspektiven im Feld der Kunst-, Film- und Medienwissenschaften aufzuzeigen, ist ein Hauptziel dieses Seminarverbunds. Das IKFK hat bereits eine Vielzahl an diversen beeindruckenden Persönlichkeiten begleiten und ausbilden dürfen. Diese sehr verschiedenen Lebensentwürfe sollen nun – in Form von Videointerviews – sowohl für aktuelle und zukünftige Studierende zugänglich gemacht werden.
In der ersten Phase des Projekts werden wir uns mit der Auswahl der einzelnen Persönlichkeiten beschäftigen, Konzepte für die Interviews entwickeln und die technische Umsetzung der Interviewaufnahme trainieren. In der zweiten Phase werden Studierende in 2er oder 3er-Teams die Alumni selbstständig vor Ort besuchen und die Interviews durchführen und filmen. Danach wird das gesammelte Material geschnitten und am Ende des Semesters in Form von Kurzfilmen präsentiert.

Weitere Einzeltermine/Exkursionen werden zu Beginn des Semesters gemeinsam geplant.

Künstlerische Forschung ist im Kontext einer Entwicklung in der Kunst und Kunstpädagogik zu verorten, in der seit der Jahrhundertwende nicht mehr das Kunstwerk, sondern der künstlerische Prozess in den Focus tritt. Der künstlerische Prozess erhält eine neue Bedeutung und wird aus erkenntnisphilosophischer Perspektive heraus als Erkenntnispraxis reflektiert. Diese umfasst eine forschende Haltung gegenüber Kunst, Wissenschaft, Alltag und dem Subjekt. In diesem Seminar verfolgen wir aus kunstphilosophischer und kunstpädagogischer Perspektive den Wandel von einer Werkästhetik hin zu einer Prozessästhetik, um Künstlerische Forschung näher beschreiben zu können. Die Auseinandersetzung mit Positionen von künstlerischer Forschung aus der Kunst und Kunstpädagogik dienen dazu, verschiedene ästhetische Verfahren und Modelle kennen zu lernen. Kunst als eine Forschungspraxis enthält Potenziale, qualitativ-empirische und phänomenologische Ansätze zu bereichern. Um diese Potenziale im Seminar herauszuarbeiten, beschäftigen wir uns mit verschiedenen Fragen: Welche Impulse gehen von Künstlerischer Forschung für kunstpädagogische Forschung aus? Wie lassen sich qualitative und phänomenologische Forschungsmethoden mit künstlerischer Forschung erweitern?

Zur Erforschung von Kunst werden wir eine zweitägige Exkursion vom 23.06.22 bis 24.06.22 zur documenta 15 nach Kassel machen.

Am 20.04.22 werden wir im Seminar dazu alles Organisatorisches besprechen.

Wichtige Hinweise:
Die Exkursion zur documenta 15 findet vom 23.06.22 bis 24.06.22 statt.
Unterkunft: Jugendherberge Kassel , Schenkendorfstr. 18, 34119 Kassel
Kosten: 30€ für 1 Nacht incl. Frühstück und Reiserücktrittsversicherung
Eintrittskarten: 32€ mit Studentenausweis + eigene Anfahrt nach Kassel

Präsenzveranstaltungen im Außenraum (Bremen) mit asynchronen Übungen. Nach Möglichkeit wenige - keine Zoom-Sitzungen. Teilnehmer*innen müssen vor Ort an den Präsenzveranstaltungen teilnehmen können.
Beginnend mit der Vermittlungsstrategie und den Gerätschaften des musealen Audioguides und seiner Adaption und Erweiterung in den Raum der Gegenwartskunst;
Zeitgleiche theoretische Erkundung in Text und Bild zur „Psychogeographie“, zum Flaneur und der Passante, zu Audiowalks und Tonlandschaften im urbanen und natürlichen Raum;
„Laufende“ Auseinandersetzung mit ebendiesen Themen + Möglichkeiten eigene anleitende Aufnahmen zu generieren.
Vorkenntnisse nicht nötig, aber viel Interesse an der Auseinandersetzung mit komplexeren Texten und zeitgenössischer Kunst, Spaß am Gehen und Offenheit für Experimente, Bereitschaft für Selbststudium!
3 CPs Teilnahmeschein, 6 CPs Leistung für M5b, M5c und M6, 9 CPs für M5
Prüfungsform: Praktisches Forschungsprojekt mit schriftlicher Reflexion (10 Seiten)

Das Seminar wendet sich an die Studierenden, welche zuvor Wissenschaftliches Arbeiten 1 - 3 absolviert haben. Studierende werden an zwei der vier Blocktermine teilnehmen + Auftaktveranstaltung.

Blocktermin Filmsymposium 18. - 21.05. ganztägig

Das Seminar erkundet die Beziehungen zwischen Natur und Film. Im Fokus stehen Entwürfe, die Film und Kino in ökologischen Zusammenhängen betrachten. Bereits in der Stummfilmzeit sind Landschaftsdarstellungen und der zyklische Rhythmus der Natur zentraler Teil dramatischer Filmerzählungen. Autorenfilme zeugen von urbanen Landschaften und machen Vorstellungen eines Lebens in und mit der Natur zum Thema. Naturdokumentarfilme aber auch Katastrophenfilme modellieren Naturschönheit und -zerstörung gleichermaßen. Und erfolgreiche Hollywood-Musicals lassen sich heute nach ihrem ökologischen Fußabdruck befragen: Einerseits sind sie Teil der kalifornischen Filmindustrie, die bekannt ist für ihre hohe Umweltbelastung, andererseits erscheinen sie als nachhaltiges Produkt, weil sie immer wieder im Kino und auf den unterschiedlichsten Screens gezeigt werden. Das Seminar besucht das Internationale Bremer Symposium zum Thema „Grünes Kino“, welches vom 18. - 21. Mai 2022 im Bremer Kino CITY 46 stattfindet.

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortsetzung aus dem Wintersemester 2021/22. Die Teilnahme im letzten Semester ist die Voraussetzung für die Teilnahme in diesem Semester.

ACHTUNG: Die Seminare forschungsPRAXIS 1 und forschungsPRAXIS 2 sind gemeinsam zu belegen!

Die Sichtbarmachung von Karriere- und Lebensentwürfen ist ein im Universitätsalltag häufig kommuniziertes Bedürfnis: Welche beruflichen Wege sind bisherige Absolvent*innen des Instituts für Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik gegangen? Was kann man eigentlich mit einem solchen Abschluss werden? Perspektiven im Feld der Kunst-, Film- und Medienwissenschaften aufzuzeigen, ist ein Hauptziel dieses Seminarverbunds. Das IKFK hat bereits eine Vielzahl an diversen beeindruckenden Persönlichkeiten begleiten und ausbilden dürfen. Diese sehr verschiedenen Lebensentwürfe sollen nun – in Form von Videointerviews – sowohl für aktuelle und zukünftige Studierende zugänglich gemacht werden.
In der ersten Phase des Projekts werden wir uns mit der Auswahl der einzelnen Persönlichkeiten beschäftigen, Konzepte für die Interviews entwickeln und die technische Umsetzung der Interviewaufnahme trainieren. In der zweiten Phase werden Studierende in 2er oder 3er-Teams die Alumni selbstständig vor Ort besuchen und die Interviews durchführen und filmen. Danach wird das gesammelte Material geschnitten und am Ende des Semesters in Form von Kurzfilmen präsentiert.

ACHTUNG: Die Seminare forschungsPRAXIS 1 und forschungsPRAXIS 2 sind gemeinsam zu belegen!

Die Sichtbarmachung von Karriere- und Lebensentwürfen ist ein im Universitätsalltag häufig kommuniziertes Bedürfnis: Welche beruflichen Wege sind bisherige Absolvent*innen des Instituts für Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik gegangen? Was kann man eigentlich mit einem solchen Abschluss werden? Perspektiven im Feld der Kunst-, Film- und Medienwissenschaften aufzuzeigen, ist ein Hauptziel dieses Seminarverbunds. Das IKFK hat bereits eine Vielzahl an diversen beeindruckenden Persönlichkeiten begleiten und ausbilden dürfen. Diese sehr verschiedenen Lebensentwürfe sollen nun – in Form von Videointerviews – sowohl für aktuelle und zukünftige Studierende zugänglich gemacht werden.
In der ersten Phase des Projekts werden wir uns mit der Auswahl der einzelnen Persönlichkeiten beschäftigen, Konzepte für die Interviews entwickeln und die technische Umsetzung der Interviewaufnahme trainieren. In der zweiten Phase werden Studierende in 2er oder 3er-Teams die Alumni selbstständig vor Ort besuchen und die Interviews durchführen und filmen. Danach wird das gesammelte Material geschnitten und am Ende des Semesters in Form von Kurzfilmen präsentiert.

Weitere Einzeltermine/Exkursionen werden zu Beginn des Semesters gemeinsam geplant.

Künstlerische Forschung ist im Kontext einer Entwicklung in der Kunst und Kunstpädagogik zu verorten, in der seit der Jahrhundertwende nicht mehr das Kunstwerk, sondern der künstlerische Prozess in den Focus tritt. Der künstlerische Prozess erhält eine neue Bedeutung und wird aus erkenntnisphilosophischer Perspektive heraus als Erkenntnispraxis reflektiert. Diese umfasst eine forschende Haltung gegenüber Kunst, Wissenschaft, Alltag und dem Subjekt. In diesem Seminar verfolgen wir aus kunstphilosophischer und kunstpädagogischer Perspektive den Wandel von einer Werkästhetik hin zu einer Prozessästhetik, um Künstlerische Forschung näher beschreiben zu können. Die Auseinandersetzung mit Positionen von künstlerischer Forschung aus der Kunst und Kunstpädagogik dienen dazu, verschiedene ästhetische Verfahren und Modelle kennen zu lernen. Kunst als eine Forschungspraxis enthält Potenziale, qualitativ-empirische und phänomenologische Ansätze zu bereichern. Um diese Potenziale im Seminar herauszuarbeiten, beschäftigen wir uns mit verschiedenen Fragen: Welche Impulse gehen von Künstlerischer Forschung für kunstpädagogische Forschung aus? Wie lassen sich qualitative und phänomenologische Forschungsmethoden mit künstlerischer Forschung erweitern?

Zur Erforschung von Kunst werden wir eine zweitägige Exkursion vom 23.06.22 bis 24.06.22 zur documenta 15 nach Kassel machen.

Am 20.04.22 werden wir im Seminar dazu alles Organisatorisches besprechen.

Wichtige Hinweise:
Die Exkursion zur documenta 15 findet vom 23.06.22 bis 24.06.22 statt.
Unterkunft: Jugendherberge Kassel , Schenkendorfstr. 18, 34119 Kassel
Kosten: 30€ für 1 Nacht incl. Frühstück und Reiserücktrittsversicherung
Eintrittskarten: 32€ mit Studentenausweis + eigene Anfahrt nach Kassel

Präsenzveranstaltungen im Außenraum (Bremen) mit asynchronen Übungen. Nach Möglichkeit wenige - keine Zoom-Sitzungen. Teilnehmer*innen müssen vor Ort an den Präsenzveranstaltungen teilnehmen können.
Beginnend mit der Vermittlungsstrategie und den Gerätschaften des musealen Audioguides und seiner Adaption und Erweiterung in den Raum der Gegenwartskunst;
Zeitgleiche theoretische Erkundung in Text und Bild zur „Psychogeographie“, zum Flaneur und der Passante, zu Audiowalks und Tonlandschaften im urbanen und natürlichen Raum;
„Laufende“ Auseinandersetzung mit ebendiesen Themen + Möglichkeiten eigene anleitende Aufnahmen zu generieren.
Vorkenntnisse nicht nötig, aber viel Interesse an der Auseinandersetzung mit komplexeren Texten und zeitgenössischer Kunst, Spaß am Gehen und Offenheit für Experimente, Bereitschaft für Selbststudium!
3 CPs Teilnahmeschein, 6 CPs Leistung für M5b, M5c und M6, 9 CPs für M5
Prüfungsform: Praktisches Forschungsprojekt mit schriftlicher Reflexion (10 Seiten)

Das Seminar wendet sich an die Studierenden, welche zuvor Wissenschaftliches Arbeiten 1 - 3 absolviert haben. Studierende werden an zwei der vier Blocktermine teilnehmen + Auftaktveranstaltung.

Blocktermin Filmsymposium 18. - 21.05. ganztägig

Das Seminar erkundet die Beziehungen zwischen Natur und Film. Im Fokus stehen Entwürfe, die Film und Kino in ökologischen Zusammenhängen betrachten. Bereits in der Stummfilmzeit sind Landschaftsdarstellungen und der zyklische Rhythmus der Natur zentraler Teil dramatischer Filmerzählungen. Autorenfilme zeugen von urbanen Landschaften und machen Vorstellungen eines Lebens in und mit der Natur zum Thema. Naturdokumentarfilme aber auch Katastrophenfilme modellieren Naturschönheit und -zerstörung gleichermaßen. Und erfolgreiche Hollywood-Musicals lassen sich heute nach ihrem ökologischen Fußabdruck befragen: Einerseits sind sie Teil der kalifornischen Filmindustrie, die bekannt ist für ihre hohe Umweltbelastung, andererseits erscheinen sie als nachhaltiges Produkt, weil sie immer wieder im Kino und auf den unterschiedlichsten Screens gezeigt werden. Das Seminar besucht das Internationale Bremer Symposium zum Thema „Grünes Kino“, welches vom 18. - 21. Mai 2022 im Bremer Kino CITY 46 stattfindet.

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortsetzung aus dem Wintersemester 2021/22. Die Teilnahme im letzten Semester ist die Voraussetzung für die Teilnahme in diesem Semester.

ACHTUNG: Die Seminare forschungsPRAXIS 1 und forschungsPRAXIS 2 sind gemeinsam zu belegen!

Die Sichtbarmachung von Karriere- und Lebensentwürfen ist ein im Universitätsalltag häufig kommuniziertes Bedürfnis: Welche beruflichen Wege sind bisherige Absolvent*innen des Instituts für Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik gegangen? Was kann man eigentlich mit einem solchen Abschluss werden? Perspektiven im Feld der Kunst-, Film- und Medienwissenschaften aufzuzeigen, ist ein Hauptziel dieses Seminarverbunds. Das IKFK hat bereits eine Vielzahl an diversen beeindruckenden Persönlichkeiten begleiten und ausbilden dürfen. Diese sehr verschiedenen Lebensentwürfe sollen nun – in Form von Videointerviews – sowohl für aktuelle und zukünftige Studierende zugänglich gemacht werden.
In der ersten Phase des Projekts werden wir uns mit der Auswahl der einzelnen Persönlichkeiten beschäftigen, Konzepte für die Interviews entwickeln und die technische Umsetzung der Interviewaufnahme trainieren. In der zweiten Phase werden Studierende in 2er oder 3er-Teams die Alumni selbstständig vor Ort besuchen und die Interviews durchführen und filmen. Danach wird das gesammelte Material geschnitten und am Ende des Semesters in Form von Kurzfilmen präsentiert.

ACHTUNG: Die Seminare forschungsPRAXIS 1 und forschungsPRAXIS 2 sind gemeinsam zu belegen!

Die Sichtbarmachung von Karriere- und Lebensentwürfen ist ein im Universitätsalltag häufig kommuniziertes Bedürfnis: Welche beruflichen Wege sind bisherige Absolvent*innen des Instituts für Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik gegangen? Was kann man eigentlich mit einem solchen Abschluss werden? Perspektiven im Feld der Kunst-, Film- und Medienwissenschaften aufzuzeigen, ist ein Hauptziel dieses Seminarverbunds. Das IKFK hat bereits eine Vielzahl an diversen beeindruckenden Persönlichkeiten begleiten und ausbilden dürfen. Diese sehr verschiedenen Lebensentwürfe sollen nun – in Form von Videointerviews – sowohl für aktuelle und zukünftige Studierende zugänglich gemacht werden.
In der ersten Phase des Projekts werden wir uns mit der Auswahl der einzelnen Persönlichkeiten beschäftigen, Konzepte für die Interviews entwickeln und die technische Umsetzung der Interviewaufnahme trainieren. In der zweiten Phase werden Studierende in 2er oder 3er-Teams die Alumni selbstständig vor Ort besuchen und die Interviews durchführen und filmen. Danach wird das gesammelte Material geschnitten und am Ende des Semesters in Form von Kurzfilmen präsentiert.

Weitere Einzeltermine/Exkursionen werden zu Beginn des Semesters gemeinsam geplant.

Künstlerische Forschung ist im Kontext einer Entwicklung in der Kunst und Kunstpädagogik zu verorten, in der seit der Jahrhundertwende nicht mehr das Kunstwerk, sondern der künstlerische Prozess in den Focus tritt. Der künstlerische Prozess erhält eine neue Bedeutung und wird aus erkenntnisphilosophischer Perspektive heraus als Erkenntnispraxis reflektiert. Diese umfasst eine forschende Haltung gegenüber Kunst, Wissenschaft, Alltag und dem Subjekt. In diesem Seminar verfolgen wir aus kunstphilosophischer und kunstpädagogischer Perspektive den Wandel von einer Werkästhetik hin zu einer Prozessästhetik, um Künstlerische Forschung näher beschreiben zu können. Die Auseinandersetzung mit Positionen von künstlerischer Forschung aus der Kunst und Kunstpädagogik dienen dazu, verschiedene ästhetische Verfahren und Modelle kennen zu lernen. Kunst als eine Forschungspraxis enthält Potenziale, qualitativ-empirische und phänomenologische Ansätze zu bereichern. Um diese Potenziale im Seminar herauszuarbeiten, beschäftigen wir uns mit verschiedenen Fragen: Welche Impulse gehen von Künstlerischer Forschung für kunstpädagogische Forschung aus? Wie lassen sich qualitative und phänomenologische Forschungsmethoden mit künstlerischer Forschung erweitern?

Zur Erforschung von Kunst werden wir eine zweitägige Exkursion vom 23.06.22 bis 24.06.22 zur documenta 15 nach Kassel machen.

Am 20.04.22 werden wir im Seminar dazu alles Organisatorisches besprechen.

Wichtige Hinweise:
Die Exkursion zur documenta 15 findet vom 23.06.22 bis 24.06.22 statt.
Unterkunft: Jugendherberge Kassel , Schenkendorfstr. 18, 34119 Kassel
Kosten: 30€ für 1 Nacht incl. Frühstück und Reiserücktrittsversicherung
Eintrittskarten: 32€ mit Studentenausweis + eigene Anfahrt nach Kassel

Präsenzveranstaltungen im Außenraum (Bremen) mit asynchronen Übungen. Nach Möglichkeit wenige - keine Zoom-Sitzungen. Teilnehmer*innen müssen vor Ort an den Präsenzveranstaltungen teilnehmen können.
Beginnend mit der Vermittlungsstrategie und den Gerätschaften des musealen Audioguides und seiner Adaption und Erweiterung in den Raum der Gegenwartskunst;
Zeitgleiche theoretische Erkundung in Text und Bild zur „Psychogeographie“, zum Flaneur und der Passante, zu Audiowalks und Tonlandschaften im urbanen und natürlichen Raum;
„Laufende“ Auseinandersetzung mit ebendiesen Themen + Möglichkeiten eigene anleitende Aufnahmen zu generieren.
Vorkenntnisse nicht nötig, aber viel Interesse an der Auseinandersetzung mit komplexeren Texten und zeitgenössischer Kunst, Spaß am Gehen und Offenheit für Experimente, Bereitschaft für Selbststudium!
3 CPs Teilnahmeschein, 6 CPs Leistung für M5b, M5c und M6, 9 CPs für M5
Prüfungsform: Praktisches Forschungsprojekt mit schriftlicher Reflexion (10 Seiten)

Blocktermin Filmsymposium 18. - 21.05. ganztägig

Das Seminar erkundet die Beziehungen zwischen Natur und Film. Im Fokus stehen Entwürfe, die Film und Kino in ökologischen Zusammenhängen betrachten. Bereits in der Stummfilmzeit sind Landschaftsdarstellungen und der zyklische Rhythmus der Natur zentraler Teil dramatischer Filmerzählungen. Autorenfilme zeugen von urbanen Landschaften und machen Vorstellungen eines Lebens in und mit der Natur zum Thema. Naturdokumentarfilme aber auch Katastrophenfilme modellieren Naturschönheit und -zerstörung gleichermaßen. Und erfolgreiche Hollywood-Musicals lassen sich heute nach ihrem ökologischen Fußabdruck befragen: Einerseits sind sie Teil der kalifornischen Filmindustrie, die bekannt ist für ihre hohe Umweltbelastung, andererseits erscheinen sie als nachhaltiges Produkt, weil sie immer wieder im Kino und auf den unterschiedlichsten Screens gezeigt werden. Das Seminar besucht das Internationale Bremer Symposium zum Thema „Grünes Kino“, welches vom 18. - 21. Mai 2022 im Bremer Kino CITY 46 stattfindet.

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortsetzung aus dem Wintersemester 2021/22. Die Teilnahme im letzten Semester ist die Voraussetzung für die Teilnahme in diesem Semester.

ACHTUNG: Die Seminare forschungsPRAXIS 1 und forschungsPRAXIS 2 sind gemeinsam zu belegen!

Die Sichtbarmachung von Karriere- und Lebensentwürfen ist ein im Universitätsalltag häufig kommuniziertes Bedürfnis: Welche beruflichen Wege sind bisherige Absolvent*innen des Instituts für Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik gegangen? Was kann man eigentlich mit einem solchen Abschluss werden? Perspektiven im Feld der Kunst-, Film- und Medienwissenschaften aufzuzeigen, ist ein Hauptziel dieses Seminarverbunds. Das IKFK hat bereits eine Vielzahl an diversen beeindruckenden Persönlichkeiten begleiten und ausbilden dürfen. Diese sehr verschiedenen Lebensentwürfe sollen nun – in Form von Videointerviews – sowohl für aktuelle und zukünftige Studierende zugänglich gemacht werden.
In der ersten Phase des Projekts werden wir uns mit der Auswahl der einzelnen Persönlichkeiten beschäftigen, Konzepte für die Interviews entwickeln und die technische Umsetzung der Interviewaufnahme trainieren. In der zweiten Phase werden Studierende in 2er oder 3er-Teams die Alumni selbstständig vor Ort besuchen und die Interviews durchführen und filmen. Danach wird das gesammelte Material geschnitten und am Ende des Semesters in Form von Kurzfilmen präsentiert.

ACHTUNG: Die Seminare forschungsPRAXIS 1 und forschungsPRAXIS 2 sind gemeinsam zu belegen!

Die Sichtbarmachung von Karriere- und Lebensentwürfen ist ein im Universitätsalltag häufig kommuniziertes Bedürfnis: Welche beruflichen Wege sind bisherige Absolvent*innen des Instituts für Kunstwissenschaft, Filmwissenschaft und Kunstpädagogik gegangen? Was kann man eigentlich mit einem solchen Abschluss werden? Perspektiven im Feld der Kunst-, Film- und Medienwissenschaften aufzuzeigen, ist ein Hauptziel dieses Seminarverbunds. Das IKFK hat bereits eine Vielzahl an diversen beeindruckenden Persönlichkeiten begleiten und ausbilden dürfen. Diese sehr verschiedenen Lebensentwürfe sollen nun – in Form von Videointerviews – sowohl für aktuelle und zukünftige Studierende zugänglich gemacht werden.
In der ersten Phase des Projekts werden wir uns mit der Auswahl der einzelnen Persönlichkeiten beschäftigen, Konzepte für die Interviews entwickeln und die technische Umsetzung der Interviewaufnahme trainieren. In der zweiten Phase werden Studierende in 2er oder 3er-Teams die Alumni selbstständig vor Ort besuchen und die Interviews durchführen und filmen. Danach wird das gesammelte Material geschnitten und am Ende des Semesters in Form von Kurzfilmen präsentiert.

Weitere Einzeltermine/Exkursionen werden zu Beginn des Semesters gemeinsam geplant.

Künstlerische Forschung ist im Kontext einer Entwicklung in der Kunst und Kunstpädagogik zu verorten, in der seit der Jahrhundertwende nicht mehr das Kunstwerk, sondern der künstlerische Prozess in den Focus tritt. Der künstlerische Prozess erhält eine neue Bedeutung und wird aus erkenntnisphilosophischer Perspektive heraus als Erkenntnispraxis reflektiert. Diese umfasst eine forschende Haltung gegenüber Kunst, Wissenschaft, Alltag und dem Subjekt. In diesem Seminar verfolgen wir aus kunstphilosophischer und kunstpädagogischer Perspektive den Wandel von einer Werkästhetik hin zu einer Prozessästhetik, um Künstlerische Forschung näher beschreiben zu können. Die Auseinandersetzung mit Positionen von künstlerischer Forschung aus der Kunst und Kunstpädagogik dienen dazu, verschiedene ästhetische Verfahren und Modelle kennen zu lernen. Kunst als eine Forschungspraxis enthält Potenziale, qualitativ-empirische und phänomenologische Ansätze zu bereichern. Um diese Potenziale im Seminar herauszuarbeiten, beschäftigen wir uns mit verschiedenen Fragen: Welche Impulse gehen von Künstlerischer Forschung für kunstpädagogische Forschung aus? Wie lassen sich qualitative und phänomenologische Forschungsmethoden mit künstlerischer Forschung erweitern?

Zur Erforschung von Kunst werden wir eine zweitägige Exkursion vom 23.06.22 bis 24.06.22 zur documenta 15 nach Kassel machen.

Am 20.04.22 werden wir im Seminar dazu alles Organisatorisches besprechen.

Wichtige Hinweise:
Die Exkursion zur documenta 15 findet vom 23.06.22 bis 24.06.22 statt.
Unterkunft: Jugendherberge Kassel , Schenkendorfstr. 18, 34119 Kassel
Kosten: 30€ für 1 Nacht incl. Frühstück und Reiserücktrittsversicherung
Eintrittskarten: 32€ mit Studentenausweis + eigene Anfahrt nach Kassel

Die Studierenden lernen Bildbearbeitungsverfahren und 2D- und 3D-Konstruktionssoftware kennen, ebenso werden wir mit Lasercutter, Plotter und 3D-Druckern arbeiten.
Es werden keine Vorkenntnisse erwartet – wer einen eigenen Laptop hat, bringt diesen bitte mit.
4SWS

Im Erkunden und Erproben traditioneller und neuer Drucktechniken lernen wir verschiedene Formen der druckgrafischen Gestaltung und ihre spezifischen Ausdrucks-und Anwendungsmöglichkeiten kennen. Im Rahmen verschiedener Projekte habe ich in den letzten Jahren die Möglichkeiten von Kaltnadelradierungen auf Recyclingmaterialien wie Rhenalonplatten, CDs und Tetrapack -Getränkekartons erprobt. Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brilliant und bestens untereinander mischbar. Gedruckt wird auf verschiedenen handgeschöpften Büttenpapieren. Udo Steinmannführt gründlich in die Technik der Kaltnadelradierung ein, es werden verschiedene Werkzeuge eingesetzt, die verschiedenen alternativen Druckträger vorgestellt und ausführliche Anleitungen für das Drucken mit Wasserfarben gegeben. Diese Technik ist bestens für den Einsatz an Schulen geeignet. Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen

Papp-, Papierschachteln, Holz-, Plastik-,Metallkästen werden als "Raum" genutzt - mit Fundstücken,
Alltags-,Naturmaterialien,(Muscheln, Drähte, Knöpfe, Schnüre, Gräser) oder selbst hergestellten Objekten gestaltet.
Die aus dem ursprünglichen Kontext genommenen, verfremdeten Materialien werden Teil einer neuen Bildwelt. Sie erhalten einen neuen Aktionsraum.
Vorschläge zu den Arbeitsabläufen Hilfen zur Ideenfindung...werden im Rahmen der Veranstaltung erarbeitet und umgesetzt.
Die Veranstaltung wird in Teilen als Präzenzveranstaltung stattfinden(angepasst an die jeweils aktuellen Corona Regelungen)

Im Rahmen der Präzenzveranstaltung besteht die Möglichkeit, im Sepia-oder Sandgußverfahren Miniaturskulpturen in Silber oder Bronze zu gießen- die in den Objektkästen
"in Szene" gesetzt werden können.
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Rauminstallation bedeutet ein dreidimensionales, raumgreifendes Kunstwerk, bezogen auf einen Ort oder eine Situation unter Verwendung jeglichen Materials.
In diesem Seminar liegt der Schwerpunkt auf Papierskulptur mit allen seinen Facetten. Viele zeitgenössische Künstler geben uns zahlreiche Beispiele zu diesem Themenschwerpunkt.

Das Material Papier ist für künstlerisches Gestalten in Schulen nahezu ideal, da es für alle Altersklassen entsprechende Herausforderungen gibt, viele Möglichkeiten an Gruppen- oder Einzelarbeiten bietet. Zudem ist es kostengünstig unter dem Aspekt des Recycling.

Die Einführung des Seminars beginnt mit „Fingerübungen“: Grundtechniken im Umgang mit dem Material Papier, z.B.
- Pop-up
- einfache Falttechniken
- Reliefs- und Oberflächengestaltung durch Schneiden und Aufklappen
- Konstruktives Bauen


Zudem wird eine Übersicht in mögliche Techniken gezeigt:
- Draht als dreidimensionale Linie
- Umgang mit Drahtgeflecht
- Aufbautechniken als Unterbau für Pappmaché
- Pappmaché-Rezepturen
- Kaschiertechniken
Die Themengestaltung ist offen.
Aufbauend auf diesen Techniken findet jede*r Teilnehmende zu einem eigenen Thema und entwickelt ihre/seine persönliche Arbeit. Individuell werden Möglichkeiten der Umsetzung von Idee und Technik besprochen und begleitet.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart)
und eigene Experimente mit dem Verfahren
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Dieses Seminar findet zusammen mit dem Seminar von Wolfgang Hainke statt.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart) und eigene Experimente mit dem Verfahren

In diesem Seminar werden Unterschiede und Möglichkeiten des zwei- bzw. dreidimensionalen künstlerischen Arbeitens untersucht. Anhand von praktischen Übungen erforschen wir die Möglichkeiten, die in der Fläche bzw. dem Raum liegen und versuchen diese experimentell auszuloten. Das Seminar besteht zum einen aus angeleiteten Übungen, die uns den Inhalten des Themas näher bringen und einer praktischen begleiteten Projektarbeit. In Einzel- und Gruppengesprächen reflektieren wir die Arbeitsergebnisse und entwickeln sie dadurch weiter. Um beispielhaft an existierenden Kunstwerken zu lernen werden ein bis zwei Exkursionen in Bremer Ausstellungshäuser stattfinden.

Besondere Zeichenfähigkeiten sind nicht notwendig, aber Interesse und Spaß an der praktischen Arbeit und dem Experimentieren, sowie die Bereitschaft zu einer regelmäßigen Teilnahme.

Der Ablauf des Seminars wird der jeweiligen Corona-Situation angepasst.

Hybrid: Das Seminar wird voraussichtlich aus digitalen (synchron/asynchron) und präsentischen Sitzungen bestehen und den aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

In diesem Seminar widmen wir uns dem Flüchtigen, Prozesshaften, den vergänglichen Arbeitsprozessen ohne beständigem Werk. Wie kann sich das Ephemere zeigen, ein Moment verfestigen und dann wieder verschwinden: sich auflösende Skulpturen, zeitlich begrenzte Eingriffe in Landschaft und öffentlichem Raum oder Spuren, die sich am Ende selbst verwischen? Wie können wir zu einer künstlerisch forschenden Handlungsfähigkeit gelangen und unsere Lebenswelt reflektieren und mitgestalten, ohne Dinge auf Dauer zu hinterlassen? Im Seminar entwickeln wir ein künstlerisches Arbeiten, das nicht immer noch mehr produziert und eine übervolle Welt bestückt, sondern Moment, Prozess, Wandel und Konstellation in den Vordergrund stellt und darüber medial reflektiert.
Gruppenprojekte sind willkommen, individuelles Arbeiten ebenfalls!
Vorkenntnisse nicht nötig, aber Spaß und Engagement.

(Der Titel ist dem gleichnamigen Gedichtband von Linke, D./Fischer, H. entliehen)

In der Veranstaltung werden wir uns künstlerisch mit dem Thema Sport auseinandersetzen. Zuerst besuchen wir das Blaumeier Atelier Bremen und beteiligen uns dort an der Realisierung des Projektes „Tableau sportif“. Ziel des Projektes ist es einen künstlerischen Trimm-Dich-Pfad in der Bremer Innenstadt zu installieren.
Dann arbeiten wir selbst künstlerisch zu dem Thema. Wir werden versuchen, über verschiedene, auch selbstentwickelte Aufgaben uns jeweils individuell relevante künstlerische Fragestellungen zu erarbeiten. Interessante Aspekte sind z.B., das Konzept der exakten Leistungsmessung auf die Kunst zu übertragen oder Selbstversuche, bei denen wir unsere Leistungsgrenzen austesten, durchzuführen.
Künstlerische Medien wie Zeichnung, Fotografie und Video bieten sich zu dem Thema an und können nach den verschiedenen Aufgabenstellungen frei gewählt werden. Die einzelnen Termine finden zum überwiegenden Teil im Blaumeier Atelier (Travemünder Straße) und an den jeweiligen Sportstätten statt.

Das Seminar wird den jeweils aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

Dieses Veranstaltungsangebot bietet Ihnen/Euch die Möglichkeit, Ihre/Eure eigenen Entwürfe, Skizzen, Zeichnungen und Ideen in verschiedenen Tief- und Hochdrucktechniken umzusetzen.
Angeboten werden, neben der klassischen Kaltnadelradierung, Hochdrucktechniken wie Linolschnitt, Gummischnitt und Collagraphie und alle möglichen Mischtechniken.

Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brillant und bestens untereinander mischbar.

Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen.

Experimentelle analoge Fotografie
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelt sich die Fotografie zu einem Massenphänomen. Die technischen Möglichkeiten der handlichen Kleinbildkamera bahnen den Weg zu einem mobilen und dynamischen Fotografieren. Diese Dynamisierung erreicht in den Experimenten der Vertreter:innen des „Neuen Sehens“ in den 1920er Jahren einen ersten Höhepunkt. Der Bruch mit den bis dato tradierten Regeln der professionellen Fotografie eröffnen einen Raum für neue Bildformen und Verfahrensweisen.
Auf den Spuren dieser Fotografie-Avantgarde werden wir uns mit den Grundlagen der analogen Fotografie auseinandersetzen und im experimentellen Umgang mit dem Medium verschiedene Verfahren und Ausdrucksmöglichkeiten erproben.
Der Kurs eignet sich für alle, die Lust haben sich mit der Fotografie auseinanderzusetzen und ist für Studierende mit und ohne Vorkenntnisse geeignet.
Wenn eine eigene analoge Spiegelreflexkamera vorhanden ist, gerne mitbringen!

Im Seminar entwickeln wir in der vertiefenden Auseinandersetzung mit dem Themenfeld Farbe eigene
künstlerische Arbeiten und eine Ausstellung
an der Schnittstelle zwischen Malerei, Installation, Objekt, Zeichnung, Performance und Film. Wir erproben prozessuale, installative und serielle Strategien und erweitern den Werk- und Material-Begriff der Malerei. Ausgehend von der „Interaction of Color“ von Josef Albers untersuchen sie selbstständig und praktisch die materiellen und nicht materiellen Eigenschaften von Farbe.
Das Wechselspiel aus Übungsimpulsen und freiem Experiment ermöglicht Ihnen praktisch-bildnerisch die jeweiligen Besonderheiten unterschiedlicher Materialien und Techniken selbstständig zu erkennen und diese für ihre Werke zu nutzen.

Abschluss des Seminars ist eine gemeinsame Ausstellung. Die Medienwahl und Inhalt der zu erarbeitenden eigenen künstlerische Arbeit ist frei. Die mögliche Präsentationsform (als Künstlerbuch,
Gemeinschaftsausstellung oder Online-Pr sentation) werden Sie im Seminar basierend auf den jeweiligen Arbeiten und angepasst an die Pandemiesituation gemeinsam erarbeiten.
Das Einbringen von eigenen Themen und Fragestellungen in die Seminartermine ist ebenso gewünscht wie die Neugier und Freude am aktiven kreativen Prozess.

Hybrid: Das Seminar wird von euch im Rahmen der aktuell geltenden Corona-Regelungen gestaltet.

Für dieses Seminar braucht es sehr große Eigenständigkeit und (Seminar-)Gruppenverantwortlichkeit.
Das Seminar als Experimentierfeld: Ihr entscheidet, wie und womit ihr euch künstlerisch und künstlerisch forschend auseinandersetzen wollt und auf welche Weise ihr die Seminarstruktur dafür gestaltet. Ihr unterstützt euch gemeinschaftlich und ich stehe – wenn ihr wollt – beratend und mit Input zur Seite. Was am Ende rauskommt liegt in euren Händen: Wichtig sind die Verknüpfung von Theorie und Praxis, die Präsentation oder Dokumentation von Projekt und/oder Arbeitsprozess sowie eine Reflexion des Seminarverlaufs. Notenkriterien entwickelt ihr selbst. Nutzt das Seminar für das, was ihr wollt – in Kunstpraxis und Lehre!

In diesem Seminar machen wir Musikvideos! Wir setzen uns mit dem Musikvideo als Kunstform auseinander, mit Geschichte, Formen und Kollaborationen zwischen Musiker*innen, Regisseur*innen und bildenden Künstler*innen.

Rhythmus und Farbe, Ton und Bild, Timing und Chaos, Animation und Performance… Nach filmischen Experimenten und Skizzen zur Formfindung werden eigene Musikvideos gedreht und geschnitten.

Dabei kann selbstgemachte Musik, die von Freund*innen oder Bremer Bands ebenso visualisiert werden, wie populäre Songs und schräge Lieblingslieder.

Vom 6.-8. Mai (Fr.-So.) machen wir eine Exkursion zu den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen, auf denen der „MuVi-Preis“ für das beste Musikvideo verliehen und u.a. ein Programm aus aktuellen Musikvideos gezeigt wird. Hierfür wird ein finanzieller Eigenbeitrag zu leisten sein.

Es kann in Kollaboration oder alleine gearbeitet werden. Vorkenntnisse braucht es nicht, aber Engagement und Spaß am Ausprobieren.

Achtung: Das Seminar kann nur im Rahmen der General Studies besucht werden.

In diesem Praxiskurs geht es grundlegend aber umfangreich darum, wie ihr digitale Mittel zur Umsetzung eurer Kunst nutzen könnt. Ihr könnt folgendes lernen und erleben:

• Theoretische Grundlagen zum Thema Grafikdesign (Technisches, Rechtliches, Best Practice etc.)
• Anleitung und Hilfestellung zur praktischen Umsetzung verschiedener Grafikprojekte mit Photoshop und Illustrator
• Auseinandersetzung mit verschiedenen typischen Anwendungsfeldern
• Kennenlernen verschiedener, nützlicher Plattformen
• Reinschnuppern in weiterführende Software (Animation, 3D-Modellierung etc.)

Die Veranstaltung findet online statt.

Wer ist aktuell? Was ist Kunst? Wie nähere ich mich künstlerischen Institutionen und Positionen und schaffe den Transfer von theoretischer Kunstwissenschaft und Bildbetrachtung in den Ort Schule und der Vermittlung im Unterrichtsfach Kunst.
Im Seminar werden normalerweise eine Vielzahl von Ausstellungs- und Atelierbesuchen gemacht. Auf Grund der Pandemie verlagern sich diese Besuche auch in den digitalen oder virtuellen Raum - wir stellen Vergleiche der Kunstbetrachtung her und sammeln Herangehensweisen.
Im zweiten Teil des Seminars geht es besonders um den Transfer in die Schule und die Vermittlung von, bzw. Arbeit mit zeitgenössischer Kunst im Unterricht.

Wer ist aktuell? Was ist Kunst? Wie nähere ich mich künstlerischen Institutionen und Positionen und schaffe den Transfer von theoretischer Kunstwissenschaft und Bildbetrachtung in den Ort Schule und der Vermittlung im Unterrichtsfach Kunst.
Im Seminar werden normalerweise eine Vielzahl von Ausstellungs- und Atelierbesuchen gemacht. Auf Grund der Pandemie verlagern sich diese Besuche auch in den digitalen oder virtuellen Raum - wir stellen Vergleiche der Kunstbetrachtung her und sammeln Herangehensweisen.
Im zweiten Teil des Seminars geht es besonders um den Transfer in die Schule und die Vermittlung von, bzw. Arbeit mit zeitgenössischer Kunst im Unterricht.

Das Seminar richtet sich an Studierende des Profilfachs, die gerade ihr Pflichtpraktikum machen oder es bereits absolviert haben. In dem Seminar werden die Praktikumserfahrungen und die Arbeitsweisen der relevanten Kultureinrichtung vorgestellt, besprochen und im Hinblick auf die daraus gewonnenen Perspektiven für das weitere Studium bzw. für mögliche Berufsziele reflektiert.

Die Studierenden lernen Bildbearbeitungsverfahren und 2D- und 3D-Konstruktionssoftware kennen, ebenso werden wir mit Lasercutter, Plotter und 3D-Druckern arbeiten.
Es werden keine Vorkenntnisse erwartet – wer einen eigenen Laptop hat, bringt diesen bitte mit.
4SWS

Im Erkunden und Erproben traditioneller und neuer Drucktechniken lernen wir verschiedene Formen der druckgrafischen Gestaltung und ihre spezifischen Ausdrucks-und Anwendungsmöglichkeiten kennen. Im Rahmen verschiedener Projekte habe ich in den letzten Jahren die Möglichkeiten von Kaltnadelradierungen auf Recyclingmaterialien wie Rhenalonplatten, CDs und Tetrapack -Getränkekartons erprobt. Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brilliant und bestens untereinander mischbar. Gedruckt wird auf verschiedenen handgeschöpften Büttenpapieren. Udo Steinmannführt gründlich in die Technik der Kaltnadelradierung ein, es werden verschiedene Werkzeuge eingesetzt, die verschiedenen alternativen Druckträger vorgestellt und ausführliche Anleitungen für das Drucken mit Wasserfarben gegeben. Diese Technik ist bestens für den Einsatz an Schulen geeignet. Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen

Papp-, Papierschachteln, Holz-, Plastik-,Metallkästen werden als "Raum" genutzt - mit Fundstücken,
Alltags-,Naturmaterialien,(Muscheln, Drähte, Knöpfe, Schnüre, Gräser) oder selbst hergestellten Objekten gestaltet.
Die aus dem ursprünglichen Kontext genommenen, verfremdeten Materialien werden Teil einer neuen Bildwelt. Sie erhalten einen neuen Aktionsraum.
Vorschläge zu den Arbeitsabläufen Hilfen zur Ideenfindung...werden im Rahmen der Veranstaltung erarbeitet und umgesetzt.
Die Veranstaltung wird in Teilen als Präzenzveranstaltung stattfinden(angepasst an die jeweils aktuellen Corona Regelungen)

Im Rahmen der Präzenzveranstaltung besteht die Möglichkeit, im Sepia-oder Sandgußverfahren Miniaturskulpturen in Silber oder Bronze zu gießen- die in den Objektkästen
"in Szene" gesetzt werden können.
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Rauminstallation bedeutet ein dreidimensionales, raumgreifendes Kunstwerk, bezogen auf einen Ort oder eine Situation unter Verwendung jeglichen Materials.
In diesem Seminar liegt der Schwerpunkt auf Papierskulptur mit allen seinen Facetten. Viele zeitgenössische Künstler geben uns zahlreiche Beispiele zu diesem Themenschwerpunkt.

Das Material Papier ist für künstlerisches Gestalten in Schulen nahezu ideal, da es für alle Altersklassen entsprechende Herausforderungen gibt, viele Möglichkeiten an Gruppen- oder Einzelarbeiten bietet. Zudem ist es kostengünstig unter dem Aspekt des Recycling.

Die Einführung des Seminars beginnt mit „Fingerübungen“: Grundtechniken im Umgang mit dem Material Papier, z.B.
- Pop-up
- einfache Falttechniken
- Reliefs- und Oberflächengestaltung durch Schneiden und Aufklappen
- Konstruktives Bauen


Zudem wird eine Übersicht in mögliche Techniken gezeigt:
- Draht als dreidimensionale Linie
- Umgang mit Drahtgeflecht
- Aufbautechniken als Unterbau für Pappmaché
- Pappmaché-Rezepturen
- Kaschiertechniken
Die Themengestaltung ist offen.
Aufbauend auf diesen Techniken findet jede*r Teilnehmende zu einem eigenen Thema und entwickelt ihre/seine persönliche Arbeit. Individuell werden Möglichkeiten der Umsetzung von Idee und Technik besprochen und begleitet.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart)
und eigene Experimente mit dem Verfahren
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Dieses Seminar findet zusammen mit dem Seminar von Wolfgang Hainke statt.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart) und eigene Experimente mit dem Verfahren

In diesem Seminar werden Unterschiede und Möglichkeiten des zwei- bzw. dreidimensionalen künstlerischen Arbeitens untersucht. Anhand von praktischen Übungen erforschen wir die Möglichkeiten, die in der Fläche bzw. dem Raum liegen und versuchen diese experimentell auszuloten. Das Seminar besteht zum einen aus angeleiteten Übungen, die uns den Inhalten des Themas näher bringen und einer praktischen begleiteten Projektarbeit. In Einzel- und Gruppengesprächen reflektieren wir die Arbeitsergebnisse und entwickeln sie dadurch weiter. Um beispielhaft an existierenden Kunstwerken zu lernen werden ein bis zwei Exkursionen in Bremer Ausstellungshäuser stattfinden.

Besondere Zeichenfähigkeiten sind nicht notwendig, aber Interesse und Spaß an der praktischen Arbeit und dem Experimentieren, sowie die Bereitschaft zu einer regelmäßigen Teilnahme.

Der Ablauf des Seminars wird der jeweiligen Corona-Situation angepasst.

Hybrid: Das Seminar wird voraussichtlich aus digitalen (synchron/asynchron) und präsentischen Sitzungen bestehen und den aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

In diesem Seminar widmen wir uns dem Flüchtigen, Prozesshaften, den vergänglichen Arbeitsprozessen ohne beständigem Werk. Wie kann sich das Ephemere zeigen, ein Moment verfestigen und dann wieder verschwinden: sich auflösende Skulpturen, zeitlich begrenzte Eingriffe in Landschaft und öffentlichem Raum oder Spuren, die sich am Ende selbst verwischen? Wie können wir zu einer künstlerisch forschenden Handlungsfähigkeit gelangen und unsere Lebenswelt reflektieren und mitgestalten, ohne Dinge auf Dauer zu hinterlassen? Im Seminar entwickeln wir ein künstlerisches Arbeiten, das nicht immer noch mehr produziert und eine übervolle Welt bestückt, sondern Moment, Prozess, Wandel und Konstellation in den Vordergrund stellt und darüber medial reflektiert.
Gruppenprojekte sind willkommen, individuelles Arbeiten ebenfalls!
Vorkenntnisse nicht nötig, aber Spaß und Engagement.

(Der Titel ist dem gleichnamigen Gedichtband von Linke, D./Fischer, H. entliehen)

In der Veranstaltung werden wir uns künstlerisch mit dem Thema Sport auseinandersetzen. Zuerst besuchen wir das Blaumeier Atelier Bremen und beteiligen uns dort an der Realisierung des Projektes „Tableau sportif“. Ziel des Projektes ist es einen künstlerischen Trimm-Dich-Pfad in der Bremer Innenstadt zu installieren.
Dann arbeiten wir selbst künstlerisch zu dem Thema. Wir werden versuchen, über verschiedene, auch selbstentwickelte Aufgaben uns jeweils individuell relevante künstlerische Fragestellungen zu erarbeiten. Interessante Aspekte sind z.B., das Konzept der exakten Leistungsmessung auf die Kunst zu übertragen oder Selbstversuche, bei denen wir unsere Leistungsgrenzen austesten, durchzuführen.
Künstlerische Medien wie Zeichnung, Fotografie und Video bieten sich zu dem Thema an und können nach den verschiedenen Aufgabenstellungen frei gewählt werden. Die einzelnen Termine finden zum überwiegenden Teil im Blaumeier Atelier (Travemünder Straße) und an den jeweiligen Sportstätten statt.

Das Seminar wird den jeweils aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

Dieses Veranstaltungsangebot bietet Ihnen/Euch die Möglichkeit, Ihre/Eure eigenen Entwürfe, Skizzen, Zeichnungen und Ideen in verschiedenen Tief- und Hochdrucktechniken umzusetzen.
Angeboten werden, neben der klassischen Kaltnadelradierung, Hochdrucktechniken wie Linolschnitt, Gummischnitt und Collagraphie und alle möglichen Mischtechniken.

Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brillant und bestens untereinander mischbar.

Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen.

Experimentelle analoge Fotografie
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelt sich die Fotografie zu einem Massenphänomen. Die technischen Möglichkeiten der handlichen Kleinbildkamera bahnen den Weg zu einem mobilen und dynamischen Fotografieren. Diese Dynamisierung erreicht in den Experimenten der Vertreter:innen des „Neuen Sehens“ in den 1920er Jahren einen ersten Höhepunkt. Der Bruch mit den bis dato tradierten Regeln der professionellen Fotografie eröffnen einen Raum für neue Bildformen und Verfahrensweisen.
Auf den Spuren dieser Fotografie-Avantgarde werden wir uns mit den Grundlagen der analogen Fotografie auseinandersetzen und im experimentellen Umgang mit dem Medium verschiedene Verfahren und Ausdrucksmöglichkeiten erproben.
Der Kurs eignet sich für alle, die Lust haben sich mit der Fotografie auseinanderzusetzen und ist für Studierende mit und ohne Vorkenntnisse geeignet.
Wenn eine eigene analoge Spiegelreflexkamera vorhanden ist, gerne mitbringen!

Im Seminar entwickeln wir in der vertiefenden Auseinandersetzung mit dem Themenfeld Farbe eigene
künstlerische Arbeiten und eine Ausstellung
an der Schnittstelle zwischen Malerei, Installation, Objekt, Zeichnung, Performance und Film. Wir erproben prozessuale, installative und serielle Strategien und erweitern den Werk- und Material-Begriff der Malerei. Ausgehend von der „Interaction of Color“ von Josef Albers untersuchen sie selbstständig und praktisch die materiellen und nicht materiellen Eigenschaften von Farbe.
Das Wechselspiel aus Übungsimpulsen und freiem Experiment ermöglicht Ihnen praktisch-bildnerisch die jeweiligen Besonderheiten unterschiedlicher Materialien und Techniken selbstständig zu erkennen und diese für ihre Werke zu nutzen.

Abschluss des Seminars ist eine gemeinsame Ausstellung. Die Medienwahl und Inhalt der zu erarbeitenden eigenen künstlerische Arbeit ist frei. Die mögliche Präsentationsform (als Künstlerbuch,
Gemeinschaftsausstellung oder Online-Pr sentation) werden Sie im Seminar basierend auf den jeweiligen Arbeiten und angepasst an die Pandemiesituation gemeinsam erarbeiten.
Das Einbringen von eigenen Themen und Fragestellungen in die Seminartermine ist ebenso gewünscht wie die Neugier und Freude am aktiven kreativen Prozess.

Hybrid: Das Seminar wird von euch im Rahmen der aktuell geltenden Corona-Regelungen gestaltet.

Für dieses Seminar braucht es sehr große Eigenständigkeit und (Seminar-)Gruppenverantwortlichkeit.
Das Seminar als Experimentierfeld: Ihr entscheidet, wie und womit ihr euch künstlerisch und künstlerisch forschend auseinandersetzen wollt und auf welche Weise ihr die Seminarstruktur dafür gestaltet. Ihr unterstützt euch gemeinschaftlich und ich stehe – wenn ihr wollt – beratend und mit Input zur Seite. Was am Ende rauskommt liegt in euren Händen: Wichtig sind die Verknüpfung von Theorie und Praxis, die Präsentation oder Dokumentation von Projekt und/oder Arbeitsprozess sowie eine Reflexion des Seminarverlaufs. Notenkriterien entwickelt ihr selbst. Nutzt das Seminar für das, was ihr wollt – in Kunstpraxis und Lehre!

In diesem Seminar machen wir Musikvideos! Wir setzen uns mit dem Musikvideo als Kunstform auseinander, mit Geschichte, Formen und Kollaborationen zwischen Musiker*innen, Regisseur*innen und bildenden Künstler*innen.

Rhythmus und Farbe, Ton und Bild, Timing und Chaos, Animation und Performance… Nach filmischen Experimenten und Skizzen zur Formfindung werden eigene Musikvideos gedreht und geschnitten.

Dabei kann selbstgemachte Musik, die von Freund*innen oder Bremer Bands ebenso visualisiert werden, wie populäre Songs und schräge Lieblingslieder.

Vom 6.-8. Mai (Fr.-So.) machen wir eine Exkursion zu den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen, auf denen der „MuVi-Preis“ für das beste Musikvideo verliehen und u.a. ein Programm aus aktuellen Musikvideos gezeigt wird. Hierfür wird ein finanzieller Eigenbeitrag zu leisten sein.

Es kann in Kollaboration oder alleine gearbeitet werden. Vorkenntnisse braucht es nicht, aber Engagement und Spaß am Ausprobieren.

Das Seminar schließt an die Hypothese an, dass im Rahmen ästhetischer Prozesse im Kunstunterricht Digitalität in besonderer Weise erfahren werden kann. Ausgehend von einer Auseinandersetzung mit digitaler Kunst und ihren theoretischen Bezügen (Post-Internet-Art/ Internet State of Mind/ Postdigitalität: Begriffsklärung und Standortbestimmung), werden wir die Inhalte und Ideen, die durch digitale Kunst transportiert werden, beforschen und uns die Frage stellen, wie sich dann eine kritische Medienpraxis von diesem Standpunkt aus bestimmen lässt. Welche theoretischen und methodischen Ansätze lassen sich daraus für Kunstunterricht ableiten? Wie kann Kunstunterricht als Bildungsprojekt im fortgeschrittenen 21. Jahrhundert aussehen, das sowohl Technophobie als auch Technophilie vermeidet?
Alle Teilnehmenden entwickeln im Laufe des Seminars im Anschluss an die Auseinandersetzung einen eigenen Unterrichtsentwurf mit Forschungsfrage, der an eine ausgesuchte künstlerische Arbeit anknüpft und sie kreativ und handlungsorientiert für den Unterricht fruchtbar macht. Dieser wird für den Praxistest im Sommer vorbereitet. Das Seminar wird durch kunstdidaktische Übungen flankiert, die gemeinsam durchgeführt und reflektiert werden.
Das Seminar kann nur in Verbindung mit Frau Dr. Brohls fachdidaktischer Veranstaltung belegt werden und wird überwiegend online stattfinden.

Die Studierenden lernen Bildbearbeitungsverfahren und 2D- und 3D-Konstruktionssoftware kennen, ebenso werden wir mit Lasercutter, Plotter und 3D-Druckern arbeiten.
Es werden keine Vorkenntnisse erwartet – wer einen eigenen Laptop hat, bringt diesen bitte mit.
4SWS

Im Erkunden und Erproben traditioneller und neuer Drucktechniken lernen wir verschiedene Formen der druckgrafischen Gestaltung und ihre spezifischen Ausdrucks-und Anwendungsmöglichkeiten kennen. Im Rahmen verschiedener Projekte habe ich in den letzten Jahren die Möglichkeiten von Kaltnadelradierungen auf Recyclingmaterialien wie Rhenalonplatten, CDs und Tetrapack -Getränkekartons erprobt. Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brilliant und bestens untereinander mischbar. Gedruckt wird auf verschiedenen handgeschöpften Büttenpapieren. Udo Steinmannführt gründlich in die Technik der Kaltnadelradierung ein, es werden verschiedene Werkzeuge eingesetzt, die verschiedenen alternativen Druckträger vorgestellt und ausführliche Anleitungen für das Drucken mit Wasserfarben gegeben. Diese Technik ist bestens für den Einsatz an Schulen geeignet. Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen

Papp-, Papierschachteln, Holz-, Plastik-,Metallkästen werden als "Raum" genutzt - mit Fundstücken,
Alltags-,Naturmaterialien,(Muscheln, Drähte, Knöpfe, Schnüre, Gräser) oder selbst hergestellten Objekten gestaltet.
Die aus dem ursprünglichen Kontext genommenen, verfremdeten Materialien werden Teil einer neuen Bildwelt. Sie erhalten einen neuen Aktionsraum.
Vorschläge zu den Arbeitsabläufen Hilfen zur Ideenfindung...werden im Rahmen der Veranstaltung erarbeitet und umgesetzt.
Die Veranstaltung wird in Teilen als Präzenzveranstaltung stattfinden(angepasst an die jeweils aktuellen Corona Regelungen)

Im Rahmen der Präzenzveranstaltung besteht die Möglichkeit, im Sepia-oder Sandgußverfahren Miniaturskulpturen in Silber oder Bronze zu gießen- die in den Objektkästen
"in Szene" gesetzt werden können.
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Rauminstallation bedeutet ein dreidimensionales, raumgreifendes Kunstwerk, bezogen auf einen Ort oder eine Situation unter Verwendung jeglichen Materials.
In diesem Seminar liegt der Schwerpunkt auf Papierskulptur mit allen seinen Facetten. Viele zeitgenössische Künstler geben uns zahlreiche Beispiele zu diesem Themenschwerpunkt.

Das Material Papier ist für künstlerisches Gestalten in Schulen nahezu ideal, da es für alle Altersklassen entsprechende Herausforderungen gibt, viele Möglichkeiten an Gruppen- oder Einzelarbeiten bietet. Zudem ist es kostengünstig unter dem Aspekt des Recycling.

Die Einführung des Seminars beginnt mit „Fingerübungen“: Grundtechniken im Umgang mit dem Material Papier, z.B.
- Pop-up
- einfache Falttechniken
- Reliefs- und Oberflächengestaltung durch Schneiden und Aufklappen
- Konstruktives Bauen


Zudem wird eine Übersicht in mögliche Techniken gezeigt:
- Draht als dreidimensionale Linie
- Umgang mit Drahtgeflecht
- Aufbautechniken als Unterbau für Pappmaché
- Pappmaché-Rezepturen
- Kaschiertechniken
Die Themengestaltung ist offen.
Aufbauend auf diesen Techniken findet jede*r Teilnehmende zu einem eigenen Thema und entwickelt ihre/seine persönliche Arbeit. Individuell werden Möglichkeiten der Umsetzung von Idee und Technik besprochen und begleitet.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart)
und eigene Experimente mit dem Verfahren
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Dieses Seminar findet zusammen mit dem Seminar von Wolfgang Hainke statt.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart) und eigene Experimente mit dem Verfahren

In diesem Seminar werden Unterschiede und Möglichkeiten des zwei- bzw. dreidimensionalen künstlerischen Arbeitens untersucht. Anhand von praktischen Übungen erforschen wir die Möglichkeiten, die in der Fläche bzw. dem Raum liegen und versuchen diese experimentell auszuloten. Das Seminar besteht zum einen aus angeleiteten Übungen, die uns den Inhalten des Themas näher bringen und einer praktischen begleiteten Projektarbeit. In Einzel- und Gruppengesprächen reflektieren wir die Arbeitsergebnisse und entwickeln sie dadurch weiter. Um beispielhaft an existierenden Kunstwerken zu lernen werden ein bis zwei Exkursionen in Bremer Ausstellungshäuser stattfinden.

Besondere Zeichenfähigkeiten sind nicht notwendig, aber Interesse und Spaß an der praktischen Arbeit und dem Experimentieren, sowie die Bereitschaft zu einer regelmäßigen Teilnahme.

Der Ablauf des Seminars wird der jeweiligen Corona-Situation angepasst.

Hybrid: Das Seminar wird voraussichtlich aus digitalen (synchron/asynchron) und präsentischen Sitzungen bestehen und den aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

In diesem Seminar widmen wir uns dem Flüchtigen, Prozesshaften, den vergänglichen Arbeitsprozessen ohne beständigem Werk. Wie kann sich das Ephemere zeigen, ein Moment verfestigen und dann wieder verschwinden: sich auflösende Skulpturen, zeitlich begrenzte Eingriffe in Landschaft und öffentlichem Raum oder Spuren, die sich am Ende selbst verwischen? Wie können wir zu einer künstlerisch forschenden Handlungsfähigkeit gelangen und unsere Lebenswelt reflektieren und mitgestalten, ohne Dinge auf Dauer zu hinterlassen? Im Seminar entwickeln wir ein künstlerisches Arbeiten, das nicht immer noch mehr produziert und eine übervolle Welt bestückt, sondern Moment, Prozess, Wandel und Konstellation in den Vordergrund stellt und darüber medial reflektiert.
Gruppenprojekte sind willkommen, individuelles Arbeiten ebenfalls!
Vorkenntnisse nicht nötig, aber Spaß und Engagement.

(Der Titel ist dem gleichnamigen Gedichtband von Linke, D./Fischer, H. entliehen)

In der Veranstaltung werden wir uns künstlerisch mit dem Thema Sport auseinandersetzen. Zuerst besuchen wir das Blaumeier Atelier Bremen und beteiligen uns dort an der Realisierung des Projektes „Tableau sportif“. Ziel des Projektes ist es einen künstlerischen Trimm-Dich-Pfad in der Bremer Innenstadt zu installieren.
Dann arbeiten wir selbst künstlerisch zu dem Thema. Wir werden versuchen, über verschiedene, auch selbstentwickelte Aufgaben uns jeweils individuell relevante künstlerische Fragestellungen zu erarbeiten. Interessante Aspekte sind z.B., das Konzept der exakten Leistungsmessung auf die Kunst zu übertragen oder Selbstversuche, bei denen wir unsere Leistungsgrenzen austesten, durchzuführen.
Künstlerische Medien wie Zeichnung, Fotografie und Video bieten sich zu dem Thema an und können nach den verschiedenen Aufgabenstellungen frei gewählt werden. Die einzelnen Termine finden zum überwiegenden Teil im Blaumeier Atelier (Travemünder Straße) und an den jeweiligen Sportstätten statt.

Das Seminar wird den jeweils aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

Dieses Veranstaltungsangebot bietet Ihnen/Euch die Möglichkeit, Ihre/Eure eigenen Entwürfe, Skizzen, Zeichnungen und Ideen in verschiedenen Tief- und Hochdrucktechniken umzusetzen.
Angeboten werden, neben der klassischen Kaltnadelradierung, Hochdrucktechniken wie Linolschnitt, Gummischnitt und Collagraphie und alle möglichen Mischtechniken.

Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brillant und bestens untereinander mischbar.

Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen.

Experimentelle analoge Fotografie
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelt sich die Fotografie zu einem Massenphänomen. Die technischen Möglichkeiten der handlichen Kleinbildkamera bahnen den Weg zu einem mobilen und dynamischen Fotografieren. Diese Dynamisierung erreicht in den Experimenten der Vertreter:innen des „Neuen Sehens“ in den 1920er Jahren einen ersten Höhepunkt. Der Bruch mit den bis dato tradierten Regeln der professionellen Fotografie eröffnen einen Raum für neue Bildformen und Verfahrensweisen.
Auf den Spuren dieser Fotografie-Avantgarde werden wir uns mit den Grundlagen der analogen Fotografie auseinandersetzen und im experimentellen Umgang mit dem Medium verschiedene Verfahren und Ausdrucksmöglichkeiten erproben.
Der Kurs eignet sich für alle, die Lust haben sich mit der Fotografie auseinanderzusetzen und ist für Studierende mit und ohne Vorkenntnisse geeignet.
Wenn eine eigene analoge Spiegelreflexkamera vorhanden ist, gerne mitbringen!

Im Seminar entwickeln wir in der vertiefenden Auseinandersetzung mit dem Themenfeld Farbe eigene
künstlerische Arbeiten und eine Ausstellung
an der Schnittstelle zwischen Malerei, Installation, Objekt, Zeichnung, Performance und Film. Wir erproben prozessuale, installative und serielle Strategien und erweitern den Werk- und Material-Begriff der Malerei. Ausgehend von der „Interaction of Color“ von Josef Albers untersuchen sie selbstständig und praktisch die materiellen und nicht materiellen Eigenschaften von Farbe.
Das Wechselspiel aus Übungsimpulsen und freiem Experiment ermöglicht Ihnen praktisch-bildnerisch die jeweiligen Besonderheiten unterschiedlicher Materialien und Techniken selbstständig zu erkennen und diese für ihre Werke zu nutzen.

Abschluss des Seminars ist eine gemeinsame Ausstellung. Die Medienwahl und Inhalt der zu erarbeitenden eigenen künstlerische Arbeit ist frei. Die mögliche Präsentationsform (als Künstlerbuch,
Gemeinschaftsausstellung oder Online-Pr sentation) werden Sie im Seminar basierend auf den jeweiligen Arbeiten und angepasst an die Pandemiesituation gemeinsam erarbeiten.
Das Einbringen von eigenen Themen und Fragestellungen in die Seminartermine ist ebenso gewünscht wie die Neugier und Freude am aktiven kreativen Prozess.

Hybrid: Das Seminar wird von euch im Rahmen der aktuell geltenden Corona-Regelungen gestaltet.

Für dieses Seminar braucht es sehr große Eigenständigkeit und (Seminar-)Gruppenverantwortlichkeit.
Das Seminar als Experimentierfeld: Ihr entscheidet, wie und womit ihr euch künstlerisch und künstlerisch forschend auseinandersetzen wollt und auf welche Weise ihr die Seminarstruktur dafür gestaltet. Ihr unterstützt euch gemeinschaftlich und ich stehe – wenn ihr wollt – beratend und mit Input zur Seite. Was am Ende rauskommt liegt in euren Händen: Wichtig sind die Verknüpfung von Theorie und Praxis, die Präsentation oder Dokumentation von Projekt und/oder Arbeitsprozess sowie eine Reflexion des Seminarverlaufs. Notenkriterien entwickelt ihr selbst. Nutzt das Seminar für das, was ihr wollt – in Kunstpraxis und Lehre!

In diesem Seminar machen wir Musikvideos! Wir setzen uns mit dem Musikvideo als Kunstform auseinander, mit Geschichte, Formen und Kollaborationen zwischen Musiker*innen, Regisseur*innen und bildenden Künstler*innen.

Rhythmus und Farbe, Ton und Bild, Timing und Chaos, Animation und Performance… Nach filmischen Experimenten und Skizzen zur Formfindung werden eigene Musikvideos gedreht und geschnitten.

Dabei kann selbstgemachte Musik, die von Freund*innen oder Bremer Bands ebenso visualisiert werden, wie populäre Songs und schräge Lieblingslieder.

Vom 6.-8. Mai (Fr.-So.) machen wir eine Exkursion zu den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen, auf denen der „MuVi-Preis“ für das beste Musikvideo verliehen und u.a. ein Programm aus aktuellen Musikvideos gezeigt wird. Hierfür wird ein finanzieller Eigenbeitrag zu leisten sein.

Es kann in Kollaboration oder alleine gearbeitet werden. Vorkenntnisse braucht es nicht, aber Engagement und Spaß am Ausprobieren.

Das Seminar schließt an die Hypothese an, dass im Rahmen ästhetischer Prozesse im Kunstunterricht Digitalität in besonderer Weise erfahren werden kann. Ausgehend von einer Auseinandersetzung mit digitaler Kunst und ihren theoretischen Bezügen (Post-Internet-Art/ Internet State of Mind/ Postdigitalität: Begriffsklärung und Standortbestimmung), werden wir die Inhalte und Ideen, die durch digitale Kunst transportiert werden, beforschen und uns die Frage stellen, wie sich dann eine kritische Medienpraxis von diesem Standpunkt aus bestimmen lässt. Welche theoretischen und methodischen Ansätze lassen sich daraus für Kunstunterricht ableiten? Wie kann Kunstunterricht als Bildungsprojekt im fortgeschrittenen 21. Jahrhundert aussehen, das sowohl Technophobie als auch Technophilie vermeidet?
Alle Teilnehmenden entwickeln im Laufe des Seminars im Anschluss an die Auseinandersetzung einen eigenen Unterrichtsentwurf mit Forschungsfrage, der an eine ausgesuchte künstlerische Arbeit anknüpft und sie kreativ und handlungsorientiert für den Unterricht fruchtbar macht. Dieser wird für den Praxistest im Sommer vorbereitet. Das Seminar wird durch kunstdidaktische Übungen flankiert, die gemeinsam durchgeführt und reflektiert werden.
Das Seminar kann nur in Verbindung mit Frau Dr. Brohls fachdidaktischer Veranstaltung belegt werden und wird überwiegend online stattfinden.

Im Erkunden und Erproben traditioneller und neuer Drucktechniken lernen wir verschiedene Formen der druckgrafischen Gestaltung und ihre spezifischen Ausdrucks-und Anwendungsmöglichkeiten kennen. Im Rahmen verschiedener Projekte habe ich in den letzten Jahren die Möglichkeiten von Kaltnadelradierungen auf Recyclingmaterialien wie Rhenalonplatten, CDs und Tetrapack -Getränkekartons erprobt. Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brilliant und bestens untereinander mischbar. Gedruckt wird auf verschiedenen handgeschöpften Büttenpapieren. Udo Steinmannführt gründlich in die Technik der Kaltnadelradierung ein, es werden verschiedene Werkzeuge eingesetzt, die verschiedenen alternativen Druckträger vorgestellt und ausführliche Anleitungen für das Drucken mit Wasserfarben gegeben. Diese Technik ist bestens für den Einsatz an Schulen geeignet. Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen

Papp-, Papierschachteln, Holz-, Plastik-,Metallkästen werden als "Raum" genutzt - mit Fundstücken,
Alltags-,Naturmaterialien,(Muscheln, Drähte, Knöpfe, Schnüre, Gräser) oder selbst hergestellten Objekten gestaltet.
Die aus dem ursprünglichen Kontext genommenen, verfremdeten Materialien werden Teil einer neuen Bildwelt. Sie erhalten einen neuen Aktionsraum.
Vorschläge zu den Arbeitsabläufen Hilfen zur Ideenfindung...werden im Rahmen der Veranstaltung erarbeitet und umgesetzt.
Die Veranstaltung wird in Teilen als Präzenzveranstaltung stattfinden(angepasst an die jeweils aktuellen Corona Regelungen)

Im Rahmen der Präzenzveranstaltung besteht die Möglichkeit, im Sepia-oder Sandgußverfahren Miniaturskulpturen in Silber oder Bronze zu gießen- die in den Objektkästen
"in Szene" gesetzt werden können.
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Rauminstallation bedeutet ein dreidimensionales, raumgreifendes Kunstwerk, bezogen auf einen Ort oder eine Situation unter Verwendung jeglichen Materials.
In diesem Seminar liegt der Schwerpunkt auf Papierskulptur mit allen seinen Facetten. Viele zeitgenössische Künstler geben uns zahlreiche Beispiele zu diesem Themenschwerpunkt.

Das Material Papier ist für künstlerisches Gestalten in Schulen nahezu ideal, da es für alle Altersklassen entsprechende Herausforderungen gibt, viele Möglichkeiten an Gruppen- oder Einzelarbeiten bietet. Zudem ist es kostengünstig unter dem Aspekt des Recycling.

Die Einführung des Seminars beginnt mit „Fingerübungen“: Grundtechniken im Umgang mit dem Material Papier, z.B.
- Pop-up
- einfache Falttechniken
- Reliefs- und Oberflächengestaltung durch Schneiden und Aufklappen
- Konstruktives Bauen


Zudem wird eine Übersicht in mögliche Techniken gezeigt:
- Draht als dreidimensionale Linie
- Umgang mit Drahtgeflecht
- Aufbautechniken als Unterbau für Pappmaché
- Pappmaché-Rezepturen
- Kaschiertechniken
Die Themengestaltung ist offen.
Aufbauend auf diesen Techniken findet jede*r Teilnehmende zu einem eigenen Thema und entwickelt ihre/seine persönliche Arbeit. Individuell werden Möglichkeiten der Umsetzung von Idee und Technik besprochen und begleitet.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart)
und eigene Experimente mit dem Verfahren
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Dieses Seminar findet zusammen mit dem Seminar von Wolfgang Hainke statt.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart) und eigene Experimente mit dem Verfahren

In diesem Seminar werden Unterschiede und Möglichkeiten des zwei- bzw. dreidimensionalen künstlerischen Arbeitens untersucht. Anhand von praktischen Übungen erforschen wir die Möglichkeiten, die in der Fläche bzw. dem Raum liegen und versuchen diese experimentell auszuloten. Das Seminar besteht zum einen aus angeleiteten Übungen, die uns den Inhalten des Themas näher bringen und einer praktischen begleiteten Projektarbeit. In Einzel- und Gruppengesprächen reflektieren wir die Arbeitsergebnisse und entwickeln sie dadurch weiter. Um beispielhaft an existierenden Kunstwerken zu lernen werden ein bis zwei Exkursionen in Bremer Ausstellungshäuser stattfinden.

Besondere Zeichenfähigkeiten sind nicht notwendig, aber Interesse und Spaß an der praktischen Arbeit und dem Experimentieren, sowie die Bereitschaft zu einer regelmäßigen Teilnahme.

Der Ablauf des Seminars wird der jeweiligen Corona-Situation angepasst.

Hybrid: Das Seminar wird voraussichtlich aus digitalen (synchron/asynchron) und präsentischen Sitzungen bestehen und den aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

In diesem Seminar widmen wir uns dem Flüchtigen, Prozesshaften, den vergänglichen Arbeitsprozessen ohne beständigem Werk. Wie kann sich das Ephemere zeigen, ein Moment verfestigen und dann wieder verschwinden: sich auflösende Skulpturen, zeitlich begrenzte Eingriffe in Landschaft und öffentlichem Raum oder Spuren, die sich am Ende selbst verwischen? Wie können wir zu einer künstlerisch forschenden Handlungsfähigkeit gelangen und unsere Lebenswelt reflektieren und mitgestalten, ohne Dinge auf Dauer zu hinterlassen? Im Seminar entwickeln wir ein künstlerisches Arbeiten, das nicht immer noch mehr produziert und eine übervolle Welt bestückt, sondern Moment, Prozess, Wandel und Konstellation in den Vordergrund stellt und darüber medial reflektiert.
Gruppenprojekte sind willkommen, individuelles Arbeiten ebenfalls!
Vorkenntnisse nicht nötig, aber Spaß und Engagement.

(Der Titel ist dem gleichnamigen Gedichtband von Linke, D./Fischer, H. entliehen)

In der Veranstaltung werden wir uns künstlerisch mit dem Thema Sport auseinandersetzen. Zuerst besuchen wir das Blaumeier Atelier Bremen und beteiligen uns dort an der Realisierung des Projektes „Tableau sportif“. Ziel des Projektes ist es einen künstlerischen Trimm-Dich-Pfad in der Bremer Innenstadt zu installieren.
Dann arbeiten wir selbst künstlerisch zu dem Thema. Wir werden versuchen, über verschiedene, auch selbstentwickelte Aufgaben uns jeweils individuell relevante künstlerische Fragestellungen zu erarbeiten. Interessante Aspekte sind z.B., das Konzept der exakten Leistungsmessung auf die Kunst zu übertragen oder Selbstversuche, bei denen wir unsere Leistungsgrenzen austesten, durchzuführen.
Künstlerische Medien wie Zeichnung, Fotografie und Video bieten sich zu dem Thema an und können nach den verschiedenen Aufgabenstellungen frei gewählt werden. Die einzelnen Termine finden zum überwiegenden Teil im Blaumeier Atelier (Travemünder Straße) und an den jeweiligen Sportstätten statt.

Das Seminar wird den jeweils aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

Dieses Veranstaltungsangebot bietet Ihnen/Euch die Möglichkeit, Ihre/Eure eigenen Entwürfe, Skizzen, Zeichnungen und Ideen in verschiedenen Tief- und Hochdrucktechniken umzusetzen.
Angeboten werden, neben der klassischen Kaltnadelradierung, Hochdrucktechniken wie Linolschnitt, Gummischnitt und Collagraphie und alle möglichen Mischtechniken.

Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brillant und bestens untereinander mischbar.

Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen.

Experimentelle analoge Fotografie
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelt sich die Fotografie zu einem Massenphänomen. Die technischen Möglichkeiten der handlichen Kleinbildkamera bahnen den Weg zu einem mobilen und dynamischen Fotografieren. Diese Dynamisierung erreicht in den Experimenten der Vertreter:innen des „Neuen Sehens“ in den 1920er Jahren einen ersten Höhepunkt. Der Bruch mit den bis dato tradierten Regeln der professionellen Fotografie eröffnen einen Raum für neue Bildformen und Verfahrensweisen.
Auf den Spuren dieser Fotografie-Avantgarde werden wir uns mit den Grundlagen der analogen Fotografie auseinandersetzen und im experimentellen Umgang mit dem Medium verschiedene Verfahren und Ausdrucksmöglichkeiten erproben.
Der Kurs eignet sich für alle, die Lust haben sich mit der Fotografie auseinanderzusetzen und ist für Studierende mit und ohne Vorkenntnisse geeignet.
Wenn eine eigene analoge Spiegelreflexkamera vorhanden ist, gerne mitbringen!

Im Seminar entwickeln wir in der vertiefenden Auseinandersetzung mit dem Themenfeld Farbe eigene
künstlerische Arbeiten und eine Ausstellung
an der Schnittstelle zwischen Malerei, Installation, Objekt, Zeichnung, Performance und Film. Wir erproben prozessuale, installative und serielle Strategien und erweitern den Werk- und Material-Begriff der Malerei. Ausgehend von der „Interaction of Color“ von Josef Albers untersuchen sie selbstständig und praktisch die materiellen und nicht materiellen Eigenschaften von Farbe.
Das Wechselspiel aus Übungsimpulsen und freiem Experiment ermöglicht Ihnen praktisch-bildnerisch die jeweiligen Besonderheiten unterschiedlicher Materialien und Techniken selbstständig zu erkennen und diese für ihre Werke zu nutzen.

Abschluss des Seminars ist eine gemeinsame Ausstellung. Die Medienwahl und Inhalt der zu erarbeitenden eigenen künstlerische Arbeit ist frei. Die mögliche Präsentationsform (als Künstlerbuch,
Gemeinschaftsausstellung oder Online-Pr sentation) werden Sie im Seminar basierend auf den jeweiligen Arbeiten und angepasst an die Pandemiesituation gemeinsam erarbeiten.
Das Einbringen von eigenen Themen und Fragestellungen in die Seminartermine ist ebenso gewünscht wie die Neugier und Freude am aktiven kreativen Prozess.

Hybrid: Das Seminar wird von euch im Rahmen der aktuell geltenden Corona-Regelungen gestaltet.

Für dieses Seminar braucht es sehr große Eigenständigkeit und (Seminar-)Gruppenverantwortlichkeit.
Das Seminar als Experimentierfeld: Ihr entscheidet, wie und womit ihr euch künstlerisch und künstlerisch forschend auseinandersetzen wollt und auf welche Weise ihr die Seminarstruktur dafür gestaltet. Ihr unterstützt euch gemeinschaftlich und ich stehe – wenn ihr wollt – beratend und mit Input zur Seite. Was am Ende rauskommt liegt in euren Händen: Wichtig sind die Verknüpfung von Theorie und Praxis, die Präsentation oder Dokumentation von Projekt und/oder Arbeitsprozess sowie eine Reflexion des Seminarverlaufs. Notenkriterien entwickelt ihr selbst. Nutzt das Seminar für das, was ihr wollt – in Kunstpraxis und Lehre!

In diesem Seminar machen wir Musikvideos! Wir setzen uns mit dem Musikvideo als Kunstform auseinander, mit Geschichte, Formen und Kollaborationen zwischen Musiker*innen, Regisseur*innen und bildenden Künstler*innen.

Rhythmus und Farbe, Ton und Bild, Timing und Chaos, Animation und Performance… Nach filmischen Experimenten und Skizzen zur Formfindung werden eigene Musikvideos gedreht und geschnitten.

Dabei kann selbstgemachte Musik, die von Freund*innen oder Bremer Bands ebenso visualisiert werden, wie populäre Songs und schräge Lieblingslieder.

Vom 6.-8. Mai (Fr.-So.) machen wir eine Exkursion zu den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen, auf denen der „MuVi-Preis“ für das beste Musikvideo verliehen und u.a. ein Programm aus aktuellen Musikvideos gezeigt wird. Hierfür wird ein finanzieller Eigenbeitrag zu leisten sein.

Es kann in Kollaboration oder alleine gearbeitet werden. Vorkenntnisse braucht es nicht, aber Engagement und Spaß am Ausprobieren.

Das Seminar schließt an die Hypothese an, dass im Rahmen ästhetischer Prozesse im Kunstunterricht Digitalität in besonderer Weise erfahren werden kann. Ausgehend von einer Auseinandersetzung mit digitaler Kunst und ihren theoretischen Bezügen (Post-Internet-Art/ Internet State of Mind/ Postdigitalität: Begriffsklärung und Standortbestimmung), werden wir die Inhalte und Ideen, die durch digitale Kunst transportiert werden, beforschen und uns die Frage stellen, wie sich dann eine kritische Medienpraxis von diesem Standpunkt aus bestimmen lässt. Welche theoretischen und methodischen Ansätze lassen sich daraus für Kunstunterricht ableiten? Wie kann Kunstunterricht als Bildungsprojekt im fortgeschrittenen 21. Jahrhundert aussehen, das sowohl Technophobie als auch Technophilie vermeidet?
Alle Teilnehmenden entwickeln im Laufe des Seminars im Anschluss an die Auseinandersetzung einen eigenen Unterrichtsentwurf mit Forschungsfrage, der an eine ausgesuchte künstlerische Arbeit anknüpft und sie kreativ und handlungsorientiert für den Unterricht fruchtbar macht. Dieser wird für den Praxistest im Sommer vorbereitet. Das Seminar wird durch kunstdidaktische Übungen flankiert, die gemeinsam durchgeführt und reflektiert werden.
Das Seminar kann nur in Verbindung mit Frau Dr. Brohls fachdidaktischer Veranstaltung belegt werden und wird überwiegend online stattfinden.

Die Studierenden lernen Bildbearbeitungsverfahren und 2D- und 3D-Konstruktionssoftware kennen, ebenso werden wir mit Lasercutter, Plotter und 3D-Druckern arbeiten.
Es werden keine Vorkenntnisse erwartet – wer einen eigenen Laptop hat, bringt diesen bitte mit.
4SWS

Kurzbeschreibung:

Stad(t)t – Müll - Kunst


Der „höchste Berg“ Bremens ist der Müllberg der Blocklanddeponie. Die Deponie ist seit 1969 in Betrieb; der dort seither gewachsene Berg kann seit Sommer 2021 über einen frisch gepflasterten Weg bestiegen werden. Oben angekommen öffnet sich der Blick über die Stadt auf der einen und das weite Acker- und Weideland auf der anderen Seite. Gekrönt wird der Berg durch die Installation Metalhenge /https://metalhenge.de/ des Bremer Künstlers Thomas Roth. Ausgediente Spundwände aus den Bremer Häfen wurden mit Hilfe von Mitarbeitenden der Deponie kreisförmig aufgestellt und mit Unterstützung aus dem Olbers-Planetarium nach astronomischen Gesichtspunkten ausgerichtet; eine Reminiszenz an das südenglische Stonehenge.

Im Seminar wollen wir uns aus mehreren Perspektiven diesem neuen Ausflugsziel, das mittlerweile auch als Eventlocation fungiert, nähern. Die Anthropologie des Mülls beschäftigt sich heute mit den menschlichen und nicht-menschlichen Akteuren rund um das Phänomen Müll. Dabei geht es um das Leben mit und vom Müll, aber auch um Strategien der Müllvermeidung bis hin zum Zero Waste. Nachhaltiger Umgang mit Ressourcen und Auswirkungen des Massenkonsums auf den Klimawandel.

Die Perspektive der Kunstwissenschaft führt uns zurück in die 1960er Jahre. Themen des „Wegwerfens“ der neuen Wohlstandgesellschaft sind an eine „saubere“ bürgerliche Identität gebunden und werden durch Materialien des alltäglichen „Abfalls“ vor Augen geführt. Wir schauen uns an, wie seither künstlerische Positionen „Müll verwerten“ bzw. ästhetisieren. So zeigt sich am Ende ein enges Geflecht der Felder Kunst, Kultur und Gesellschaft.

Ausflugsziel Müllberg? Welche Deutungen und Bedeutungen provoziert die Realisierung der Installation Metalhenge? Welche kulturellen Praxen lassen sich beobachten, und wie reagieren die Menschen in der Stadt auf das Projekt...

Die Aktualität des Themas und die Annahme, dass wir alle mehr oder minder Erfahrungen mit Müll und „Wegwerfkulturen“ haben, lässt uns hoffen, dass es zu einem regen Austausch kommt, mit denen wir uns gemeinsam diesem brisanten und zugleich hochspannenden Thema nähern.


Literatur:

Patrick O‘ Hare 2019: Waste. In: The Cambridge Encyclopedia of Anthropology.
(https://www.anthroencyclopedia.com/entry/waste)

Wagner, Anselm (Hrsg.): Abfallmoderne. Zu den Schmutzrändern der Kultur. Tagungsband Universität Graz 2008.

Fortsetzung aus dem WiSe.
Die digitale Kunstvermittlung eröffnet vielfältige Chancen sowohl für die Vermittlungsarbeit von Museen und Ausstellungshäusern, als auch in Schulen. Sie ermöglicht eine verbesserte, direkte Einbeziehung der Besucher*innen und Kunstinteressierten aller Altersgruppen sowie der Lehrer*innen und Schüler*innen in die künstlerischen Inhalte. Die Auseinandersetzung mit Kunst, als auch mit Musik und Literatur, wird so zu einem spannenden, partizipativen und interaktiven Erlebnis.
Ziel des Seminares ist es, die vielfältigen mit den digitalen Medien verbundenen Möglichkeiten für die Vermittlungsarbeit auszuloten und sie in Hinblick auf ihre Eignung für die Kunstvermittlung in Schulen und von Museen für Kinder, Jugendliche und Erwachsene mit und ohne Behinderung zu beleuchten sowie dabei einen Überblick über die Kunstvermittlung in und außerhalb des Web 2.0 zu geben.
Welche Vermittlungspotenziale bestehen durch den Einsatz Neuer Medien, von Online-Angeboten, von Social Media, des webbasierten Storytellings und digitaler Plattformen? Welche Chancen und Herausforderungen liegen in der Digitalität der Kunstvermittlung? Was sind die Perspektiven einer kulturellen Bildung im Internet?
Das 2-semestrige Seminar wird sowohl digital, als auch in Präsenz stattfinden.
Im Wintersemester 2021/2022 liegt der Schwerpunkt des Seminars auf der Theorie zur digitalen Kunstvermittlung, der Beschäftigung mit Künstlerpublikationen und der Entwicklung erster Ideen für die Konzeption einer Vermittlungsaktion im Kontext der vervielfältigten, edierten und veröffentlichten Kunst.
Im Sommersemester 2022 liegt der Schwerpunkt des Seminars auf der praktischen Umsetzung von digitalen Kunstvermittlungsaktionen basierend auf der Konzeption eines Kunstvermittlungsangebotes im Kontext der Künstlerpublikationen und der damit verbundenen Erstellung eines ‚Storyboards‘ sowie der anschließenden Durchführung.

Die Performance-Kunst versteht den Körper als künstlerisches Medium, dessen
sich situativ und handlungsbezogen bedient werden kann. Doch wer waren bzw.
sind diejenigen, die ihre Körper als solches verwende(te)n? Welche speziellen
Möglichkeiten bot und bietet die Performance-Kunst speziell feministischen
Künstler*innen? Wie perform(t)en weiblich gelesene Körper und was passiert(e)
mit diesen, wenn sie verfremdet, verkleidet oder verändert werden, um
ein zweites [anderes] Ich zu erschaffen?
Gemeinsam wollen wir die Ursprünge der Feministischen Performance-Kunst
kennenlernen, um uns dann konkreter mit dem Begriff des Alter-Egos
auseinander zu setzen. Dafür werden wir verschiedene Künstler*innen-
Positionen heranziehen, um unterschiedliches performatives Arbeiten und die
Motivation(en) für die Erschaffung neuer Identitäten und Personas,
nachzuvollziehen.

Blocktermin Filmsymposium 18. - 21.05. ganztägig

Das Seminar erkundet die Beziehungen zwischen Natur und Film. Im Fokus stehen Entwürfe, die Film und Kino in ökologischen Zusammenhängen betrachten. Bereits in der Stummfilmzeit sind Landschaftsdarstellungen und der zyklische Rhythmus der Natur zentraler Teil dramatischer Filmerzählungen. Autorenfilme zeugen von urbanen Landschaften und machen Vorstellungen eines Lebens in und mit der Natur zum Thema. Naturdokumentarfilme aber auch Katastrophenfilme modellieren Naturschönheit und -zerstörung gleichermaßen. Und erfolgreiche Hollywood-Musicals lassen sich heute nach ihrem ökologischen Fußabdruck befragen: Einerseits sind sie Teil der kalifornischen Filmindustrie, die bekannt ist für ihre hohe Umweltbelastung, andererseits erscheinen sie als nachhaltiges Produkt, weil sie immer wieder im Kino und auf den unterschiedlichsten Screens gezeigt werden. Das Seminar besucht das Internationale Bremer Symposium zum Thema „Grünes Kino“, welches vom 18. - 21. Mai 2022 im Bremer Kino CITY 46 stattfindet.

Im Erkunden und Erproben traditioneller und neuer Drucktechniken lernen wir verschiedene Formen der druckgrafischen Gestaltung und ihre spezifischen Ausdrucks-und Anwendungsmöglichkeiten kennen. Im Rahmen verschiedener Projekte habe ich in den letzten Jahren die Möglichkeiten von Kaltnadelradierungen auf Recyclingmaterialien wie Rhenalonplatten, CDs und Tetrapack -Getränkekartons erprobt. Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brilliant und bestens untereinander mischbar. Gedruckt wird auf verschiedenen handgeschöpften Büttenpapieren. Udo Steinmannführt gründlich in die Technik der Kaltnadelradierung ein, es werden verschiedene Werkzeuge eingesetzt, die verschiedenen alternativen Druckträger vorgestellt und ausführliche Anleitungen für das Drucken mit Wasserfarben gegeben. Diese Technik ist bestens für den Einsatz an Schulen geeignet. Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen

Papp-, Papierschachteln, Holz-, Plastik-,Metallkästen werden als "Raum" genutzt - mit Fundstücken,
Alltags-,Naturmaterialien,(Muscheln, Drähte, Knöpfe, Schnüre, Gräser) oder selbst hergestellten Objekten gestaltet.
Die aus dem ursprünglichen Kontext genommenen, verfremdeten Materialien werden Teil einer neuen Bildwelt. Sie erhalten einen neuen Aktionsraum.
Vorschläge zu den Arbeitsabläufen Hilfen zur Ideenfindung...werden im Rahmen der Veranstaltung erarbeitet und umgesetzt.
Die Veranstaltung wird in Teilen als Präzenzveranstaltung stattfinden(angepasst an die jeweils aktuellen Corona Regelungen)

Im Rahmen der Präzenzveranstaltung besteht die Möglichkeit, im Sepia-oder Sandgußverfahren Miniaturskulpturen in Silber oder Bronze zu gießen- die in den Objektkästen
"in Szene" gesetzt werden können.
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Rauminstallation bedeutet ein dreidimensionales, raumgreifendes Kunstwerk, bezogen auf einen Ort oder eine Situation unter Verwendung jeglichen Materials.
In diesem Seminar liegt der Schwerpunkt auf Papierskulptur mit allen seinen Facetten. Viele zeitgenössische Künstler geben uns zahlreiche Beispiele zu diesem Themenschwerpunkt.

Das Material Papier ist für künstlerisches Gestalten in Schulen nahezu ideal, da es für alle Altersklassen entsprechende Herausforderungen gibt, viele Möglichkeiten an Gruppen- oder Einzelarbeiten bietet. Zudem ist es kostengünstig unter dem Aspekt des Recycling.

Die Einführung des Seminars beginnt mit „Fingerübungen“: Grundtechniken im Umgang mit dem Material Papier, z.B.
- Pop-up
- einfache Falttechniken
- Reliefs- und Oberflächengestaltung durch Schneiden und Aufklappen
- Konstruktives Bauen


Zudem wird eine Übersicht in mögliche Techniken gezeigt:
- Draht als dreidimensionale Linie
- Umgang mit Drahtgeflecht
- Aufbautechniken als Unterbau für Pappmaché
- Pappmaché-Rezepturen
- Kaschiertechniken
Die Themengestaltung ist offen.
Aufbauend auf diesen Techniken findet jede*r Teilnehmende zu einem eigenen Thema und entwickelt ihre/seine persönliche Arbeit. Individuell werden Möglichkeiten der Umsetzung von Idee und Technik besprochen und begleitet.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart)
und eigene Experimente mit dem Verfahren
Die Veranstaltung findet anteilig als Online-Lehre statt.

Dieses Seminar findet zusammen mit dem Seminar von Wolfgang Hainke statt.

Einführung in den manuellen Siebdruck
Exemplarische Betrachtung von Werkbeispielen (der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart) und eigene Experimente mit dem Verfahren

In diesem Seminar werden Unterschiede und Möglichkeiten des zwei- bzw. dreidimensionalen künstlerischen Arbeitens untersucht. Anhand von praktischen Übungen erforschen wir die Möglichkeiten, die in der Fläche bzw. dem Raum liegen und versuchen diese experimentell auszuloten. Das Seminar besteht zum einen aus angeleiteten Übungen, die uns den Inhalten des Themas näher bringen und einer praktischen begleiteten Projektarbeit. In Einzel- und Gruppengesprächen reflektieren wir die Arbeitsergebnisse und entwickeln sie dadurch weiter. Um beispielhaft an existierenden Kunstwerken zu lernen werden ein bis zwei Exkursionen in Bremer Ausstellungshäuser stattfinden.

Besondere Zeichenfähigkeiten sind nicht notwendig, aber Interesse und Spaß an der praktischen Arbeit und dem Experimentieren, sowie die Bereitschaft zu einer regelmäßigen Teilnahme.

Der Ablauf des Seminars wird der jeweiligen Corona-Situation angepasst.

Hybrid: Das Seminar wird voraussichtlich aus digitalen (synchron/asynchron) und präsentischen Sitzungen bestehen und den aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

In diesem Seminar widmen wir uns dem Flüchtigen, Prozesshaften, den vergänglichen Arbeitsprozessen ohne beständigem Werk. Wie kann sich das Ephemere zeigen, ein Moment verfestigen und dann wieder verschwinden: sich auflösende Skulpturen, zeitlich begrenzte Eingriffe in Landschaft und öffentlichem Raum oder Spuren, die sich am Ende selbst verwischen? Wie können wir zu einer künstlerisch forschenden Handlungsfähigkeit gelangen und unsere Lebenswelt reflektieren und mitgestalten, ohne Dinge auf Dauer zu hinterlassen? Im Seminar entwickeln wir ein künstlerisches Arbeiten, das nicht immer noch mehr produziert und eine übervolle Welt bestückt, sondern Moment, Prozess, Wandel und Konstellation in den Vordergrund stellt und darüber medial reflektiert.
Gruppenprojekte sind willkommen, individuelles Arbeiten ebenfalls!
Vorkenntnisse nicht nötig, aber Spaß und Engagement.

(Der Titel ist dem gleichnamigen Gedichtband von Linke, D./Fischer, H. entliehen)

In der Veranstaltung werden wir uns künstlerisch mit dem Thema Sport auseinandersetzen. Zuerst besuchen wir das Blaumeier Atelier Bremen und beteiligen uns dort an der Realisierung des Projektes „Tableau sportif“. Ziel des Projektes ist es einen künstlerischen Trimm-Dich-Pfad in der Bremer Innenstadt zu installieren.
Dann arbeiten wir selbst künstlerisch zu dem Thema. Wir werden versuchen, über verschiedene, auch selbstentwickelte Aufgaben uns jeweils individuell relevante künstlerische Fragestellungen zu erarbeiten. Interessante Aspekte sind z.B., das Konzept der exakten Leistungsmessung auf die Kunst zu übertragen oder Selbstversuche, bei denen wir unsere Leistungsgrenzen austesten, durchzuführen.
Künstlerische Medien wie Zeichnung, Fotografie und Video bieten sich zu dem Thema an und können nach den verschiedenen Aufgabenstellungen frei gewählt werden. Die einzelnen Termine finden zum überwiegenden Teil im Blaumeier Atelier (Travemünder Straße) und an den jeweiligen Sportstätten statt.

Das Seminar wird den jeweils aktuell geltenden Corona-Regelungen angepasst.

Dieses Veranstaltungsangebot bietet Ihnen/Euch die Möglichkeit, Ihre/Eure eigenen Entwürfe, Skizzen, Zeichnungen und Ideen in verschiedenen Tief- und Hochdrucktechniken umzusetzen.
Angeboten werden, neben der klassischen Kaltnadelradierung, Hochdrucktechniken wie Linolschnitt, Gummischnitt und Collagraphie und alle möglichen Mischtechniken.

Statt mit den klassischen Druckfarben werden die Druckstöcke mit Ressourcenschonenden, lichtechten und alterungsbeständigen Wassertiefdruckfarben umgesetzt. Hierbei kommen keine Lösungsmittel zum Einsatz, sondern ausschließlich Wasser und Seife. Zudem sind diese neuen Wasserdruckfarben ungiftig, sehr brillant und bestens untereinander mischbar.

Bitte geeignete Arbeitskleidung mitbringen.

Experimentelle analoge Fotografie
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelt sich die Fotografie zu einem Massenphänomen. Die technischen Möglichkeiten der handlichen Kleinbildkamera bahnen den Weg zu einem mobilen und dynamischen Fotografieren. Diese Dynamisierung erreicht in den Experimenten der Vertreter:innen des „Neuen Sehens“ in den 1920er Jahren einen ersten Höhepunkt. Der Bruch mit den bis dato tradierten Regeln der professionellen Fotografie eröffnen einen Raum für neue Bildformen und Verfahrensweisen.
Auf den Spuren dieser Fotografie-Avantgarde werden wir uns mit den Grundlagen der analogen Fotografie auseinandersetzen und im experimentellen Umgang mit dem Medium verschiedene Verfahren und Ausdrucksmöglichkeiten erproben.
Der Kurs eignet sich für alle, die Lust haben sich mit der Fotografie auseinanderzusetzen und ist für Studierende mit und ohne Vorkenntnisse geeignet.
Wenn eine eigene analoge Spiegelreflexkamera vorhanden ist, gerne mitbringen!

Im Seminar entwickeln wir in der vertiefenden Auseinandersetzung mit dem Themenfeld Farbe eigene
künstlerische Arbeiten und eine Ausstellung
an der Schnittstelle zwischen Malerei, Installation, Objekt, Zeichnung, Performance und Film. Wir erproben prozessuale, installative und serielle Strategien und erweitern den Werk- und Material-Begriff der Malerei. Ausgehend von der „Interaction of Color“ von Josef Albers untersuchen sie selbstständig und praktisch die materiellen und nicht materiellen Eigenschaften von Farbe.
Das Wechselspiel aus Übungsimpulsen und freiem Experiment ermöglicht Ihnen praktisch-bildnerisch die jeweiligen Besonderheiten unterschiedlicher Materialien und Techniken selbstständig zu erkennen und diese für ihre Werke zu nutzen.

Abschluss des Seminars ist eine gemeinsame Ausstellung. Die Medienwahl und Inhalt der zu erarbeitenden eigenen künstlerische Arbeit ist frei. Die mögliche Präsentationsform (als Künstlerbuch,
Gemeinschaftsausstellung oder Online-Pr sentation) werden Sie im Seminar basierend auf den jeweiligen Arbeiten und angepasst an die Pandemiesituation gemeinsam erarbeiten.
Das Einbringen von eigenen Themen und Fragestellungen in die Seminartermine ist ebenso gewünscht wie die Neugier und Freude am aktiven kreativen Prozess.

Hybrid: Das Seminar wird von euch im Rahmen der aktuell geltenden Corona-Regelungen gestaltet.

Für dieses Seminar braucht es sehr große Eigenständigkeit und (Seminar-)Gruppenverantwortlichkeit.
Das Seminar als Experimentierfeld: Ihr entscheidet, wie und womit ihr euch künstlerisch und künstlerisch forschend auseinandersetzen wollt und auf welche Weise ihr die Seminarstruktur dafür gestaltet. Ihr unterstützt euch gemeinschaftlich und ich stehe – wenn ihr wollt – beratend und mit Input zur Seite. Was am Ende rauskommt liegt in euren Händen: Wichtig sind die Verknüpfung von Theorie und Praxis, die Präsentation oder Dokumentation von Projekt und/oder Arbeitsprozess sowie eine Reflexion des Seminarverlaufs. Notenkriterien entwickelt ihr selbst. Nutzt das Seminar für das, was ihr wollt – in Kunstpraxis und Lehre!

In diesem Seminar machen wir Musikvideos! Wir setzen uns mit dem Musikvideo als Kunstform auseinander, mit Geschichte, Formen und Kollaborationen zwischen Musiker*innen, Regisseur*innen und bildenden Künstler*innen.

Rhythmus und Farbe, Ton und Bild, Timing und Chaos, Animation und Performance… Nach filmischen Experimenten und Skizzen zur Formfindung werden eigene Musikvideos gedreht und geschnitten.

Dabei kann selbstgemachte Musik, die von Freund*innen oder Bremer Bands ebenso visualisiert werden, wie populäre Songs und schräge Lieblingslieder.

Vom 6.-8. Mai (Fr.-So.) machen wir eine Exkursion zu den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen, auf denen der „MuVi-Preis“ für das beste Musikvideo verliehen und u.a. ein Programm aus aktuellen Musikvideos gezeigt wird. Hierfür wird ein finanzieller Eigenbeitrag zu leisten sein.

Es kann in Kollaboration oder alleine gearbeitet werden. Vorkenntnisse braucht es nicht, aber Engagement und Spaß am Ausprobieren.

Achtung: Das Seminar kann nur im Rahmen der General Studies besucht werden.

In diesem Praxiskurs geht es grundlegend aber umfangreich darum, wie ihr digitale Mittel zur Umsetzung eurer Kunst nutzen könnt. Ihr könnt folgendes lernen und erleben:

• Theoretische Grundlagen zum Thema Grafikdesign (Technisches, Rechtliches, Best Practice etc.)
• Anleitung und Hilfestellung zur praktischen Umsetzung verschiedener Grafikprojekte mit Photoshop und Illustrator
• Auseinandersetzung mit verschiedenen typischen Anwendungsfeldern
• Kennenlernen verschiedener, nützlicher Plattformen
• Reinschnuppern in weiterführende Software (Animation, 3D-Modellierung etc.)

Die Veranstaltung findet online statt.

Immer wieder ist in den letzten Jahren in Kunstmagazinen, Feuilletons, Kultursendungen und Debatten in Kunst und Kultur davon zu lesen und zu hören, dass Künstlerinnen zunehmend gefragter sind. Begründet wird dies u.a. mit der (Wieder-)Entdeckung von Künstlerinnen und ihrer vermehrten Präsentation in Ausstellungen. Vom Umschreiben der Kunstgeschichte, von Revision des kunsthistorischen Kanons ist die Rede.
Was zeichnet diesen kunsthistorischen Kanon aus? Welche narrativen Muster der Kunstgeschichte bestimmen die Erzählungen über Künstler:innenschaft? Und wie sind diese geschlechterspezifisch strukturiert? Welches Wissen wird also wann und wie über Künstler:innen erzeugt, welche Strategien und Effekte verbinden sich damit historisch wie gegenwärtig? Was hat sich verändert? Welche Geschlechterverhältnisse zeichnen aktuell das Betriebssystem Kunst aus? Wie kann die Situation von Künstlerinnen beschrieben werden?

Im Seminar werden wir uns mit grundlegenden Texten der feministischen Kunstgeschichtsschreibung und der Künstlerinnengeschichte befassen sowie mit ausgewählten Positionen von Künstlerinnen. Beabsichtigt ist ebenfalls mit dem Seminar dazu beizutragen, Künstlerinnen unterschiedlicher Zeiten kennenzulernen. Bestandteile des Seminars werden auch Museumsbesuche sowie eine Exkursion zur documenta 15 in Kassel sein.

Anlass des Seminars ist die Sonderausstellung der Kunsthalle Bremen Manet und Astruc. Künstlerfreunde. Erstmals werden in dieser Ausstellung weltbekannte Werke Édouard Manets (1832–1883) zusammen mit jenen des nahezu unbekannten Zacharie Astruc (1833–1907) präsentiert, der als Kritiker im Pariser Kulturbetrieb eine zentrale Rolle spielte, aber selbst auch malte und Skulpturen schuf. Ausgangspunkt der Präsentation ist das Bildnis des Zacharie Astruc, das Manet 1866 von seinem Freund Astruc malte und das sich seit 1909 in der Kunsthalle befindet. In die Geschichte ist Astruc insbesondere als erster Verteidiger Manets eingegangen sowie als Erster, der über japanische Kunst und Kultur, die seit um 1860 im Westen sichtbar wurde und als Sensation wahrgenommen wurde, in Pariser Zeitschriften schrieb. Beide interessierten sich für dieselben Themen, insbesondere für jene Phänomene, die wir heute mit cross culture benennen. So spiegelt sich in ihren Arbeiten nicht allein ihre Faszination für die japanische, sondern ebenso wie ihre Begeisterung für die ältere spanische Kunst. Gemeinsam mit Malern wie Henri Fantin-Latour oder Pierre-Auguste Renoir und Schriftstellern wie Charles Baudelaire bewegten sich Manet und Astruc in einem Netzwerk, in dem man versuchte, im gegenseitigen künstlerischen Austausch die neuartigen Sichtweisen auf die Leinwand bzw. zu Papier zu bringen und zugleich dem übermächtigen französischen Akademismus die Stirn zu bieten. Die zahlreichen Kunstkritiken unterschiedlicher Autoren hatten einen enormen Einfluss auf die Bewertung von Kunst im öffentlichen Bewusstsein und wurden entsprechend in Künstler-, Händler- und Intellektuellenkreisen intensiv wahrgenommen.
Das Seminar findet in der Kunsthalle Bremen statt. Der überwiegende Teil der Sitzungen wird in der Sonderausstellung Manet und Astruc – Künstlerfreunde und in der Sammlung des Museums absolviert. Das intensive Studium der Originale sowie vergleichendes Sehen stehen im Vordergrund. Im zweiten Teil des Seminars im Sommersemester 2022 wird es dann um die weitere Entwicklung der Kunst in Frankreich hin zur sogenannten Klassischen Moderne gehen.

Fächerübergreifende GS-Veranstaltungen, Culture4all und GS-Angebote zur "Studien und- Berufsorientierung" finden Sie unter: https://bit.ly/3IXC7Dd

Offene Sprechstunde zur Vorlesungszeit (Beginn 19.4.) im Sommer Semester 2022
Mittwochs 11:00 bis 13:00 Uhr
Wissenschaftliche Schreibprojekte sind stets eine neue Herausforderung. Vom allerersten Essay bis zur Promotion entstehen im Schreibprozess Unsicherheiten und Fragen. Ob Recherche, Themensuche/ Themeneingrenzung, Fragestellung, Erstellung der Verzeichnisse, Zitation etc.

Die Sprechstunde ist als "Kurzgespräch" konturiert; erste "Lösungen" zu Ihrem Schreibprojekt können gemeinsam angedacht werden. Sprechen Sie mich gerne an!

Eine "vertiefende" (lösungsorientierte) Beratung dauert ca. 45 Minuten und bedarf eines individuellen Termins.

Schreibberatung Präsenz/per Zoom
auch gerne nach Absprache per Mail:
E-Mail: studienzentrumfb9-petersen@uni-bremen.de
Raum: GW2 B 2540
Telefon: 0421/218-67512

Die Studierwerkstatt https://www.uni-bremen.de/studierwerkstatt/programm/ bietet Ihnen, neben Veranstaltungen zum wissenschaftlichen Arbeiten, die Möglichkeit der Ausbildung und Zertifikation einer Schreibcoach.
Bei Fragen zum Schreiben wenden Sie sich im Fachbereich 9 gerne an Britta Petersen: studienzentrumfb9-petersen@uni-bremen.de oder in der Studierwerstatt an Jörg Riedel: riedel@uni-bremen.de

Im Schreibportal finden Sie die Schreibberatungsangebote der Universität Bremen. Wir laden Sie ein, direkt über den Chat studentische Schreibcoaches zu kontaktieren:
https://blogs.uni-bremen.de/schreibportalfb910/

Außerdem bieten wir Ihnen kurze Informationen und Hilfestellungen zu verschiedenen Phasen eines Schreibprojekts und haben aktuelle Workshops, bewährte Literatur und Online-Materialien zusammengestellt.

Das Portal führt Sie auch an Orte und Institutionen der Universität Bremen, an denen im Kollektiv geschrieben wird und an denen Sie Unterstützung finden. Auf geht’s:

SCHREIBEND WISSENSCHAFT LERNEN!