In der Einführung in die Musikgeschichte wird vorlesungsartig ein Überblick über wichtige Strömungen der Musikgeschichte von der Gregorianik des Mittelalters bis zur Atonalität des frühen 20. Jahrhunderts gegeben. Dabei werden Epochen, Gattungen, Komponisten und repräsentative Kompositionen in ihrer Vielfalt vorgestellt und auch Probleme der Musikgeschichtsschreibung diskutiert. Die Schwerpunkte liegen auf der Musik des Barock, der Klassik und Romantik. Ein Lernziel der Lehrveranstaltung ist es, die Musik der vergangenen Jahrhunderte vor dem Hintergrund eines differenzierten Zeitrasters verorten zu können. Ein Leistungsnachweis erfolgt in Form einer Klausur am Ende des Semesters.

In der Übung werden grundlegende Techniken des musikwissenschaftlichen Arbeitens und die Regeln guter wissenschaftlicher Praxis vermittelt. Dazu zählen die Recherche nach musikwissenschaftlicher Fachliteratur, das Erstellen von Bibliographien, der seriöse und reflektierte Umgang mit Primär‐ und Sekundärliteratur, die Quellenbewertung, das Verfassen von wissenschaftlichen Arbeiten, die Präsentation von Referaten etc... Darüber hinaus wird ein Überblick über musikwissenschaftliche Fachlexika und ‐Enzyklopädien, seriöse Internetquellen, Fachdatenbanken und Zeitschriften gegeben, der für ein wissenschaftliches Studium unentbehrlich ist. Ein Leistungsnachweis erfolgt in Form einer Klausur am Ende des Semesters sowie – für Musikwissenschaftsstudierende – in der Anfertigung einer kommentierten Auswahlbibliographie zu einem vorgegebenen Thema.

–Musik mit dem Körper verstehen und erleben
–Praktische Übungen zur Bewegungsgestaltung mit und ohne Musik
–Erlernen von tänzerischen Bewegungsmöglichkeiten
–verschiedene Körpertheaterformen kennenlernen und anwenden können
–Freude am körperlichen Ausdruck bei rhythmischen Musizieren erleben und vermitteln lernen

Zusätzliche Informationen:
Für alle Studierenden der Musikpädagogik aller Schulformen; die Studierenden der Musikwissenschaften sind ebenfalls willkommen.

René Schack: rschackprotect me ?!hfk-bremenprotect me ?!.de

Fortsetzung der Ausbildung von Sing- und Sprechstimme
Grundlagen der chorischen Stimmbildung
Grundlagen der Singpraxis durch leichte mehrstimmige Literatur

Termin n. V.

Im Vordergrund steht die praktische Arbeit im Ensemble, mit Material aus Pop, Rock, Jazz etc.,
popspezifische Instrumentenkunde (theoretisch und praktisch),
Kennenlernen typischer Harmoniestrukturen
Transkribieren
Rhythmische Studien und Improvisationsübungen
Didaktische Hilfen, Tipps für die Arbeit mit Gruppen
Einüben selbst erstellter Arrangements mit der Gruppe

Blockseminar - Termin: 10. - 13. Februar 2026
Das Seminar versucht im Sinne forschenden Lehrens und Lernens neue Erkenntnisse über das Bremer Konzertleben in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu gewinnen. Themenschwerpunkte sind die Rekonstruktion und Auswertung von Konzertprogrammen, die impulsgebende Funktion, die Gastdirigenten sowie Interpretinnen und Interpreten auf das Bremer Musikleben hatten, die Bedeutung von Orchester-, Kammer-, Klavier- und Kirchenmusik etc…. Darüber hinaus sollen aus dem musikalischen Repertoire, den Musikensembles und Chören die sich wandelnden Musikpräferenzen des Bremer Publikums eruiert und die Bedeutung der Bremer Institutionen als Träger des Musiklebens diskutiert werden.
Die Lehrveranstaltung wird in einem außergewöhnlich hohen Umfang von Archivarbeit bestimmt sein und sich mit dem immensen Quellenbestand des Archivs für Bremische Musikgeschichte (AfBMg) befassen. Die Zahl der Teilnehmenden ist daher auf zehn begrenzt.

Musikästhetik wurde und wird nicht selten im Sinne einer Auseinandersetzung mit musikhistorischen Paradigmen, die über längere Zeiträume hinweg gültig waren, oder mit Bezug auf übergeordnete philosophische bzw. geistesgeschichtliche Wertesysteme betrieben. Im Unterschied dazu stellt die empirische Musikästhetik die Musikwahrnehmung und die Musikwahrnehmenden in den Mittelpunkt. Daraus resultierende Fragestellungen sind beispielsweise: Welche komplexen Voraussetzungen und Mechanismen führen dazu, dass ein Musikstück als angenehm oder unangenehm bzw. als schön, gut, vollkommen, hässlich oder gar indiskutabel eingestuft oder empfunden wird? Gibt es diesbezüglich anthropologische, neurobiologische, soziologische oder kulturell bedingte Konstanten? Welche Bedeutung haben Intuition, Emotion und Kognition für das Musikerleben und bei der Beurteilung von Musik, wie kommen sie zustande? Das Seminar soll derartigen Fragen nachgehen.

Überlegungen zum kognitiven Verstehen und emotionalen Erleben von Musik sowie den daraus resultierenden Handlungsweisen existieren im Denken der Menschen bereits seit der Antike. Doch erst mit der Entwicklung der Psychologie zur empirischen Wissenschaft im ausgehenden 19. Jahrhundert konnte sich für diese Fragen ein eigenständiges Fach etablieren. Die Musikpsychologie ist heute ein Kernbereich innerhalb der Systematischen Musikwissenschaft.
 
Im Seminar wollen wir uns der Musikpsychologie aus zwei Perspektiven annähern: Im ersten Teil des Seminars werden wir eine historische Perspektive auf die Entwicklung des Faches werfen; hierauf aufbauend werden wir uns im zweiten Teil des Seminars der aktuellen musikpsychologischen Forschung widmen, wobei Aspekte der Grundlagenforschung und der angewandten Forschung gleichermaßen thematisiert werden. Folgende Fragen werden wir im Seminar u.a. diskutieren: 
 
Wie bewerten wir Musik, und warum löst Musik Emotionen bei uns aus?
Was passiert im Gehirn beim Auswendigspielen einer Komposition? 
Welche Funktionen hat Musik im audiovisuellen Kontext?
Welche Störungen können bei der Verarbeitung und Wahrnehmung von Musik auftreten?

Musikpräferenzen resultieren in der Regel primär nicht aus der Beschaffenheit von Musik und ihrer Klanglichkeit, sondern sind das Ergebnis lebenslanger musikalischer Sozialisation und Selbstsozialisation. Dabei spielen die akustischen Erfahrungswelten der Individuen eine entscheidende Rolle, insbesondere Familie, schulische Bildung, schulischer Musikunterricht, musikpraktische Kompetenzen, Peergroups, Medienwelten aber auch – z.B. mit Blick auf die Instrumentenwahl – geschlechtsspezifische Konnotationen sowie Konnotationen von Musik mit gewünschten oder nichtgewünschten Lebensstilen. Im Zuge der Systematischen Musikforschung sind die hier genannten Einflussfaktoren teilweise bereits untersucht worden, im Rahmen des Seminars sollen sie gebündelt und hinsichtlich ihrer Tragfähigkeit diskutiert werden.

Musikästhetik wurde und wird nicht selten im Sinne einer Auseinandersetzung mit musikhistorischen Paradigmen, die über längere Zeiträume hinweg gültig waren, oder mit Bezug auf übergeordnete philosophische bzw. geistesgeschichtliche Wertesysteme betrieben. Im Unterschied dazu stellt die empirische Musikästhetik die Musikwahrnehmung und die Musikwahrnehmenden in den Mittelpunkt. Daraus resultierende Fragestellungen sind beispielsweise: Welche komplexen Voraussetzungen und Mechanismen führen dazu, dass ein Musikstück als angenehm oder unangenehm bzw. als schön, gut, vollkommen, hässlich oder gar indiskutabel eingestuft oder empfunden wird? Gibt es diesbezüglich anthropologische, neurobiologische, soziologische oder kulturell bedingte Konstanten? Welche Bedeutung haben Intuition, Emotion und Kognition für das Musikerleben und bei der Beurteilung von Musik, wie kommen sie zustande? Das Seminar soll derartigen Fragen nachgehen.

Musikpräferenzen resultieren in der Regel primär nicht aus der Beschaffenheit von Musik und ihrer Klanglichkeit, sondern sind das Ergebnis lebenslanger musikalischer Sozialisation und Selbstsozialisation. Dabei spielen die akustischen Erfahrungswelten der Individuen eine entscheidende Rolle, insbesondere Familie, schulische Bildung, schulischer Musikunterricht, musikpraktische Kompetenzen, Peergroups, Medienwelten aber auch – z.B. mit Blick auf die Instrumentenwahl – geschlechtsspezifische Konnotationen sowie Konnotationen von Musik mit gewünschten oder nichtgewünschten Lebensstilen. Im Zuge der Systematischen Musikforschung sind die hier genannten Einflussfaktoren teilweise bereits untersucht worden, im Rahmen des Seminars sollen sie gebündelt und hinsichtlich ihrer Tragfähigkeit diskutiert werden.

In diesem Kurs erwerben die Teilnehmenden Kenntnisse und Fähigkeiten, die das Erstellen einer Audio-Produktion ermöglichen.
Nach einer Einführung zu einzelnen Themen bekommen die Teilnehmenden die Möglichkeit, selbst Erfahrungen im Erstellen guter oder auch gewollt schlechter Audio-Produktionen zu sammeln.
Einzelne Inhalte sind: Mikrofontechnik und Mikrofonieren, Stereo-Aufnahmeverfahren, Mischpult-Signalfluss, DAW-Aufbau, Kabelverbindungen, Live-Beschallung und Soundcheck, Schallausbreitung und Aufnahmeräume, Schnitt und Bearbeitung von Aufnahmen mit Audio-Software (v.a. REAPER), Effektkunde, Audio- und MIDI-Dateien, Klangsynthese, bei Interesse auch KI-Unterstützung.
Insgesamt werden auch künstlerisch-ästhetische Fragestellungen angerissen.

Bitte über StudIP anmelden. Der erste Termin ist Vorbesprechungstermin.

Diese Lehrveranstaltung führt einerseits in die Grundlagen der Audioproduktion ein.
Andererseits ist es hier auch möglich, eigene Audioprojekte mit Unterstützung zu realisieren (z.B. Band-Demos, Hörspiele u.v.m.)
Besonderes Augenmerk liegt dabei auf Produktionen im sog. „Bedroom-Producing“, also der Produktion zu Hause.
Für größere Vorhaben – oder evtl. höhere Qualitätsansprüche – nutzen wir aber auch das Uni-Tonstudio.
Themen u.a.: Aufbau einer DAW, Mikrofone und Mikrofonierung, Stereo-Formate, Effektkunde, Verbesserungen des Aufnahmeraumes, Datenformate, Beschallung und Monitoring, MIDI-Anwendungen., bei Interesse auch KI-Unterstützung.

Dieser Synthesizer-Kurs ist eine Mischung aus Theorie und Praxis. Die Teilnehmenden lernen unterschiedliche Prinzipien der Erzeugung von Klängen kennen und probieren sie praktisch aus. Dafür nutzen sie kostenlose digitale Synthesizer (vor allem die Software Surge XT).
Mit zunehmenden Kenntnissen der Möglichkeiten werden die Klänge interessanter. Auf diese Weise wird es leichter - egal ob analog oder digital - einen Klang nach eigenen Vorstellungen zu erzeugen.
Zu Demonstrationszwecken oder bei Bedarf / Interesse können wir auch eigene virtuelle Instrumente mit pure data (pd) programmieren.

Erster Termin 15.10.2025. Bitte melden Sie sich vorher unbedingt auch bei Frau Popescu (r.popescu@hfk-bremen.de) an.

Veranstaltungsbeschreibung:
Übungen zum Dirigieren (Schlagfiguren); Einstudieren und Anleiten ein- und mehrstimmiger Lieder, Kanons und einfacher mehrstimmiger Chorsätze; Probenmethodik; chorische Stimmbildung; Aspekte der Kinder- und Jugendchorleitung.

Der Kurs richtet sich an Bachelor Lehramtsstudierende und Studierende der EMP und KPA. Studierende aus anderen Studiengängen sind willkommen; es können CP im Wahlbereich erworben werden.
Am Ende WiSe 2025 Modulprüfung, benoteter Schein.

Begleitend zum Chorleitungsunterricht wird die Teilnahme an einem der drei Hochschulchöre empfohlen:
Großen Hochschulchor (dienstags 18.00 Uhr) oder
Kammerchor (mittwochs 19.00 Uhr) oder
Jazz- und Popchor (montags).

Eine "hands-on"-Veranstaltung mit den Schwerpunkten: Komponieren und Analysieren (Höranalyse ist mit gemeint).

Folgende Themen sind Inhalte des Seminares: rhythmische Variationen, Skizzierung der Form, Entscheidungen über Harmonik, Beherrschung von unterschiedlichen Texturen, Komposition einer Nebenstimme, Notationsfragen, Einstudieren und Aufführung des eigenen Stückes.

Zu den Aufgaben gehört die Komposition von 4 Stücken, typischerweise:

* Schlagquartett
* Stück mit/für Stimme(n)
* Instrumentalsstück
* freie Aufgabe

Diese Stücke können in der Schule verwendet werden.

Blockseminar - Termin: 10. - 13. Februar 2026
Das Seminar versucht im Sinne forschenden Lehrens und Lernens neue Erkenntnisse über das Bremer Konzertleben in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu gewinnen. Themenschwerpunkte sind die Rekonstruktion und Auswertung von Konzertprogrammen, die impulsgebende Funktion, die Gastdirigenten sowie Interpretinnen und Interpreten auf das Bremer Musikleben hatten, die Bedeutung von Orchester-, Kammer-, Klavier- und Kirchenmusik etc…. Darüber hinaus sollen aus dem musikalischen Repertoire, den Musikensembles und Chören die sich wandelnden Musikpräferenzen des Bremer Publikums eruiert und die Bedeutung der Bremer Institutionen als Träger des Musiklebens diskutiert werden.
Die Lehrveranstaltung wird in einem außergewöhnlich hohen Umfang von Archivarbeit bestimmt sein und sich mit dem immensen Quellenbestand des Archivs für Bremische Musikgeschichte (AfBMg) befassen. Die Zahl der Teilnehmenden ist daher auf zehn begrenzt.

Musikästhetik wurde und wird nicht selten im Sinne einer Auseinandersetzung mit musikhistorischen Paradigmen, die über längere Zeiträume hinweg gültig waren, oder mit Bezug auf übergeordnete philosophische bzw. geistesgeschichtliche Wertesysteme betrieben. Im Unterschied dazu stellt die empirische Musikästhetik die Musikwahrnehmung und die Musikwahrnehmenden in den Mittelpunkt. Daraus resultierende Fragestellungen sind beispielsweise: Welche komplexen Voraussetzungen und Mechanismen führen dazu, dass ein Musikstück als angenehm oder unangenehm bzw. als schön, gut, vollkommen, hässlich oder gar indiskutabel eingestuft oder empfunden wird? Gibt es diesbezüglich anthropologische, neurobiologische, soziologische oder kulturell bedingte Konstanten? Welche Bedeutung haben Intuition, Emotion und Kognition für das Musikerleben und bei der Beurteilung von Musik, wie kommen sie zustande? Das Seminar soll derartigen Fragen nachgehen.

Musikpräferenzen resultieren in der Regel primär nicht aus der Beschaffenheit von Musik und ihrer Klanglichkeit, sondern sind das Ergebnis lebenslanger musikalischer Sozialisation und Selbstsozialisation. Dabei spielen die akustischen Erfahrungswelten der Individuen eine entscheidende Rolle, insbesondere Familie, schulische Bildung, schulischer Musikunterricht, musikpraktische Kompetenzen, Peergroups, Medienwelten aber auch – z.B. mit Blick auf die Instrumentenwahl – geschlechtsspezifische Konnotationen sowie Konnotationen von Musik mit gewünschten oder nichtgewünschten Lebensstilen. Im Zuge der Systematischen Musikforschung sind die hier genannten Einflussfaktoren teilweise bereits untersucht worden, im Rahmen des Seminars sollen sie gebündelt und hinsichtlich ihrer Tragfähigkeit diskutiert werden.

Was haben Battle-Rap, Zensur und moralische Erziehung mit Musikpädagogik – und sogar mit antiker Musikpädagogik – zu tun? Diese Frage wirkt auf den ersten Blick vielleicht abwegig: Ist der Blick in die Antike heute nicht eher etwas für Liebhaber alter Texte? Und was könnte er der gegenwärtigen musikpädagogischen Praxis schon nützen?

Tatsächlich kämpft das Fach Musik im heutigen Schulalltag vielerorts um seine Existenzberechtigung. In der Antike hingegen galt Musik sie galt als zentrales Mittel der Erziehung und war von staatspolitischer Bedeutung. Ob im Kult, bei religiösen Zeremonien, militärischen Paraden oder auf der Theaterbühne: Musik war ein öffentlicher Akt und tief in das kulturelle Leben eingebunden. Die sogenannte mousikē verband Dichtung, Musik und Tanz zu einer umfassenden Praxis ästhetischer und moralischer Bildung. Aus diesem Grund plädierte Platon dafür, verschiedene Tonarten, Instrumente und Gesänge zu verbannen. Nur durch eine staatlich kontrollierte Musikpraxis könne eine Gesellschaft tugendhaft und glücklich sein.

Das Seminar lädt dazu ein, die antike Musikpädagogik aus verschiedenen Perspektiven zu erforschen – in ihrer pädagogischen, ethischen und politischen Dimension. Dabei zeigt sich: Mythen wie der von Orpheus prägen bis heute unsere Vorstellung von der „harmonisierenden“ Kraft der Musik. Antike Sängerwettstreite spiegeln sich im heutigen Battle-Rap wider, und die Idee, dass Musik erzieherisch wirkt, ist längst nicht verschwunden.

Das Seminar richtet sich an alle, die sich für die Wurzeln der Musikpädagogik interessieren – und für Grundfragen, die bis heute nachwirken. Im Zentrum steht die Frage: Welche Funktionen hatte Musikpädagogik in der Antike, wie wirken diese Vorstellungen bis heute nach und welche Impulse können für die Gegenwart gewonnen werden?

Du bist angehende Musiklehrkraft und fragst dich, wie sich praktisches Musizieren und ästhetische Bildung im späteren Berufsleben verbinden lassen? Dann ist dieser Workshop genau das Richtige für dich!
Am Beispiel des Themas Improvisation wirft der eintägige Workshop unter der Leitung von Magdalena Otto und Alexander Stukenbrok einen näheren Blick auf diese Frage. Improvisation eignet sich auf unterschiedlichen Niveaustufen und ermöglicht prinzipiell allen Schüler*innen musikalische Teilhabe.
Ausgehend von Konzepten der Elementaren Musikpädagogik (EMP) werden verschiedene methodische Ansätze vorgestellt und selber ausprobiert: Von der gebundenen, an Noten orientierten, bis hin zur freien Improvisation. Musik wird dabei mit anderen elementaren Bereichen wie Sprache, Bewegung und Licht verbunden.
Der Workshop richtet sich an zukünftige Musiklehrkräfte, die ihr methodisches Repertoire erweitern und neue Impulse für einen kreativen Musikunterricht ge-winnen möchten. Die erarbeiteten Ergebnisse werden beim Semesterabschluss-konzert am 26.01.2026 präsentiert.

Blockseminar - Termin: 10. - 13. Februar 2026
Das Seminar versucht im Sinne forschenden Lehrens und Lernens neue Erkenntnisse über das Bremer Konzertleben in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu gewinnen. Themenschwerpunkte sind die Rekonstruktion und Auswertung von Konzertprogrammen, die impulsgebende Funktion, die Gastdirigenten sowie Interpretinnen und Interpreten auf das Bremer Musikleben hatten, die Bedeutung von Orchester-, Kammer-, Klavier- und Kirchenmusik etc…. Darüber hinaus sollen aus dem musikalischen Repertoire, den Musikensembles und Chören die sich wandelnden Musikpräferenzen des Bremer Publikums eruiert und die Bedeutung der Bremer Institutionen als Träger des Musiklebens diskutiert werden.
Die Lehrveranstaltung wird in einem außergewöhnlich hohen Umfang von Archivarbeit bestimmt sein und sich mit dem immensen Quellenbestand des Archivs für Bremische Musikgeschichte (AfBMg) befassen. Die Zahl der Teilnehmenden ist daher auf zehn begrenzt.

Musikästhetik wurde und wird nicht selten im Sinne einer Auseinandersetzung mit musikhistorischen Paradigmen, die über längere Zeiträume hinweg gültig waren, oder mit Bezug auf übergeordnete philosophische bzw. geistesgeschichtliche Wertesysteme betrieben. Im Unterschied dazu stellt die empirische Musikästhetik die Musikwahrnehmung und die Musikwahrnehmenden in den Mittelpunkt. Daraus resultierende Fragestellungen sind beispielsweise: Welche komplexen Voraussetzungen und Mechanismen führen dazu, dass ein Musikstück als angenehm oder unangenehm bzw. als schön, gut, vollkommen, hässlich oder gar indiskutabel eingestuft oder empfunden wird? Gibt es diesbezüglich anthropologische, neurobiologische, soziologische oder kulturell bedingte Konstanten? Welche Bedeutung haben Intuition, Emotion und Kognition für das Musikerleben und bei der Beurteilung von Musik, wie kommen sie zustande? Das Seminar soll derartigen Fragen nachgehen.

Musikpräferenzen resultieren in der Regel primär nicht aus der Beschaffenheit von Musik und ihrer Klanglichkeit, sondern sind das Ergebnis lebenslanger musikalischer Sozialisation und Selbstsozialisation. Dabei spielen die akustischen Erfahrungswelten der Individuen eine entscheidende Rolle, insbesondere Familie, schulische Bildung, schulischer Musikunterricht, musikpraktische Kompetenzen, Peergroups, Medienwelten aber auch – z.B. mit Blick auf die Instrumentenwahl – geschlechtsspezifische Konnotationen sowie Konnotationen von Musik mit gewünschten oder nichtgewünschten Lebensstilen. Im Zuge der Systematischen Musikforschung sind die hier genannten Einflussfaktoren teilweise bereits untersucht worden, im Rahmen des Seminars sollen sie gebündelt und hinsichtlich ihrer Tragfähigkeit diskutiert werden.

Was haben Battle-Rap, Zensur und moralische Erziehung mit Musikpädagogik – und sogar mit antiker Musikpädagogik – zu tun? Diese Frage wirkt auf den ersten Blick vielleicht abwegig: Ist der Blick in die Antike heute nicht eher etwas für Liebhaber alter Texte? Und was könnte er der gegenwärtigen musikpädagogischen Praxis schon nützen?

Tatsächlich kämpft das Fach Musik im heutigen Schulalltag vielerorts um seine Existenzberechtigung. In der Antike hingegen galt Musik sie galt als zentrales Mittel der Erziehung und war von staatspolitischer Bedeutung. Ob im Kult, bei religiösen Zeremonien, militärischen Paraden oder auf der Theaterbühne: Musik war ein öffentlicher Akt und tief in das kulturelle Leben eingebunden. Die sogenannte mousikē verband Dichtung, Musik und Tanz zu einer umfassenden Praxis ästhetischer und moralischer Bildung. Aus diesem Grund plädierte Platon dafür, verschiedene Tonarten, Instrumente und Gesänge zu verbannen. Nur durch eine staatlich kontrollierte Musikpraxis könne eine Gesellschaft tugendhaft und glücklich sein.

Das Seminar lädt dazu ein, die antike Musikpädagogik aus verschiedenen Perspektiven zu erforschen – in ihrer pädagogischen, ethischen und politischen Dimension. Dabei zeigt sich: Mythen wie der von Orpheus prägen bis heute unsere Vorstellung von der „harmonisierenden“ Kraft der Musik. Antike Sängerwettstreite spiegeln sich im heutigen Battle-Rap wider, und die Idee, dass Musik erzieherisch wirkt, ist längst nicht verschwunden.

Das Seminar richtet sich an alle, die sich für die Wurzeln der Musikpädagogik interessieren – und für Grundfragen, die bis heute nachwirken. Im Zentrum steht die Frage: Welche Funktionen hatte Musikpädagogik in der Antike, wie wirken diese Vorstellungen bis heute nach und welche Impulse können für die Gegenwart gewonnen werden?

Du bist angehende Musiklehrkraft und fragst dich, wie sich praktisches Musizieren und ästhetische Bildung im späteren Berufsleben verbinden lassen? Dann ist dieser Workshop genau das Richtige für dich!
Am Beispiel des Themas Improvisation wirft der eintägige Workshop unter der Leitung von Magdalena Otto und Alexander Stukenbrok einen näheren Blick auf diese Frage. Improvisation eignet sich auf unterschiedlichen Niveaustufen und ermöglicht prinzipiell allen Schüler*innen musikalische Teilhabe.
Ausgehend von Konzepten der Elementaren Musikpädagogik (EMP) werden verschiedene methodische Ansätze vorgestellt und selber ausprobiert: Von der gebundenen, an Noten orientierten, bis hin zur freien Improvisation. Musik wird dabei mit anderen elementaren Bereichen wie Sprache, Bewegung und Licht verbunden.
Der Workshop richtet sich an zukünftige Musiklehrkräfte, die ihr methodisches Repertoire erweitern und neue Impulse für einen kreativen Musikunterricht ge-winnen möchten. Die erarbeiteten Ergebnisse werden beim Semesterabschluss-konzert am 26.01.2026 präsentiert.