Der Musikwissenschaftler Guido Adler hat den Begriff „Systematische Musikwissenschaft“ 1885 geprägt. Er vertrat die Auffassung, dass die musikgeschichtliche Entwicklung allgemeingültigen Kunstgesetzen folge, die die Systematische Musikwissenschaft erklären und didaktisch aufbereiten solle. Heutzutage wird nicht mehr von solch einer gesetzmäßigen Entwicklung von Musik ausgegangen. Systematische Musikwissenschaft verfolgt vielmehr das Ziel, Bedingungen musikalischer Produktion und Rezeption zu erforschen. Entsprechend wird das Einführungsseminar grundlegende Einblicke in die Vielfalt systematischer Musikforschung (Akustik, Musikpsychologie, Musiksoziologie, Musikästhetik) bieten.

–Musik mit dem Körper verstehen und erleben
–Praktische Übungen zur Bewegungsgestaltung mit und ohne Musik
–Erlernen von tänzerischen Bewegungsmöglichkeiten
–verschiedene Körpertheaterformen kennenlernen und anwenden können
–Freude am körperlichen Ausdruck bei rhythmischen Musizieren erleben und vermitteln lernen

Zusätzliche Informationen:
Für alle Studierenden der Musikpädagogik aller Schulformen; die Studierenden der Musikwissenschaften sind ebenfalls willkommen.

René Schack: rschackprotect me ?!hfk-bremenprotect me ?!.de

Fortsetzung der Ausbildung von Sing- und Sprechstimme
Grundlagen der chorischen Stimmbildung
Grundlagen der Singpraxis durch leichte mehrstimmige Literatur
Unterrichtsort: HfK, Dechanatstr. 13-15, 28195 Bremen

Im Vordergrund steht die praktische Arbeit im Ensemble, mit Material aus Pop, Rock, Jazz etc.,
popspezifische Instrumentenkunde (theoretisch und praktisch),
Kennenlernen typischer Harmoniestrukturen
Transkribieren
Rhythmische Studien und Improvisationsübungen
Didaktische Hilfen, Tipps für die Arbeit mit Gruppen
Einüben selbst erstellter Arrangements mit der Gruppe

Wolf Biermann (*1936) ist der bedeutendste deutsche Liedermacher des 20. und 21. Jahrhunderts. Mit seinen Liedern hat Biermann radikale Kritik an der ehemaligen „DDR“ geübt und dafür die Macht eines Unrechtstaates zu spüren bekommen, der ihn im November 1976 „ausbürgerte“. Eine schwere Verwundung nicht nur der Person Biermanns, sondern auch für die Kulturgeschichte der „DDR“, deren Bürger Freiheit und Freizügigkeit durch die Berliner Mauer, Schießbefehl, Stasi, Stacheldraht und verminte Grenzen längst verloren hatten. Den Mittelpunkt des Seminars bildet die Analyse und Interpretation der künstlerisch-musikalischen Mittel, die Biermanns Lieder zu kleinen Kunstwerken machen.

Literatur zur Einführung: Wolf Biermann: Warte nicht auf bessre Zeiten. Die Autobiografie. Berlin, Edition 3, 2025. Pflichtlektüre, die der Seminarvorbereitung dient.

Wenngleich die ersten Bayreuther Festspiele 1876 mit drei Aufführungen des Rings des Nibelungen weniger erfolgreich verliefen, als erhofft (zwischen der defizitären Aufführungsserie und der Parsifal-Uraufführung 1882 lagen 6 Jahre Zwangspause), so etablierten sie sich unter der Leitung der Abkömmlinge Richard Wagners insbesondere ab 1951 zu einem festen Bestandteil im deutschen und auch internationalen Musikleben. Bereits zu einem frühen Zeitpunkt vermochte es die Wagner-Familie hochkarätige Sängerinnen und Sänger, Musikerinnen und Musiker sowie Dirigenten (seit 2021 auch Dirigentinnen) nach Oberfranken zu holen und ihnen eine Resonanz zu verschaffen, die ihre künstlerische Reputation erhöhte. Dabei wurden die Bayreuther Wagner-Aufführungen durchaus nicht nur positiv rezipiert, sondern waren nicht selten skandalumwittert. Das betrifft die musikalischen, vor allem aber die szenischen Interpretationen, insbesondere die innovativen Produktionen im Sinn des Regietheaters, das heute nach wie vor dominiert. Im Rahmen des Seminars sollen Meilensteine der Wagnerinterpretation optisch anhand von Bildmaterialien und Videoproduktionen sowie akustisch mittels teilweise historischer Tondokumente analysiert und diskutiert werden.

Die Doppeldeutigkeit des Seminarhaupttitels zielt darauf ab, die kulturpolitische Bedeutung US-amerikanischer Jazzsängerinnen herauszustellen. Der Untertitel deutet an, dass über den Jazz hinaus im Seminar auch andere Gattungen nicht nur populärer Musik einbezogen werden. Die Liste der Sängerinnen angefangen bei Marian Anderson, Betty Carter, Anita O’Day, Ella Fitzgerald, Aretha Franklin, Billie Holiday, Whitney Houston, Alberta Hunter, Etta James, Ertha Kitt, Carmen Mc Rae, Nina Simone, Bessy Smith, Sarah Vaughan, Dinah Washington, Ethel Waters bis hin zu Cassandra Wilson u.a. ist so lang wie vielversprechend. Jeder Name steht individuell für eine „große“ Stimme und ein political Statement of Art.

Literatur zur Einführung: Will Friedwald. Swinging Voices of America. Ein Kompendium großer Stimmen. New York, 1990 und 1992.

Die Vorlesung gibt einen Überblick über wichtige Musikentwicklungen im 20. Jahrhundert. Den Ausgangspunkt bilden Komponisten und Werke, die sich als besonders innovativ erwiesen und dennoch vielfach rezipiert wurden. Erweitert wird der zunächst Persönlichkeits- und werkorientierte Ansatz durch die Hinzuziehung ideengeschichtlicher, historischer, politischer und interpretations-geschichtlicher Aspekte, die ein vertieftes Verständnis ermöglichen sollen. Schwerpunkte liegen auf Leben und Werk von Gustav Mahler, Richard Strauss, Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton Webern, Igor Strawinsky, Kurt Weill, Dmitri Schostakowitsch, Carl Orff, Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen und Arvo Pärt, respektive auf der Musik der Wiener Moderne, des Expressionismus, des Neoklassizismus, der Dodekaphonie, des Sozialistischen Realismus, der Seriellen und Elektro-akustischen Musik und der Postmoderne.

Die Geschichte der Musikzeitschriften wird als Medien-, Kommunikations- und Diskursgeschichte der Musik vom 18. bis ins 21. Jahrhunderts betrachtet. Der geschichtliche Wandel der Musikzeitschriften erscheint einerseits sozialgeschichtlich, andererseits diskursgeschichtlich bedingt wie umgekehrt. Die sogenannte „Verbürgerlichung“ der Musik verändert alte Diskurse über Musik und neue Diskurse verändern die Kommunikation in ihren sozialen Kontexten.

Literatur zur Einführung: Ulrich Tadday: Die Anfänge des Musikfeuilletons: Der kommunikative Gebrauchswert musikalischer Bildung in Deutschland um 1800. Stuttgart-Weimar, 1993.

Das Blockseminar soll einen Überblick geben über Instrumentalmusik, die nicht auf eigengesetzlichen Gestaltungsprinzipien, sondern auf außermusikalischen Inhalten basiert. Nach einer Begriffsdiskussion von Programm-Musik und Tonmalerei werden exemplarisch bedeutende Beispiele der Musikgeschichte angesprochen und vorgestellt werden. Das Spektrum wird sich von der frühen englischen Klaviermusik des 16. Jahrhunderts bis hin zur Orchestermusik des 20. Jahrhunderts erstrecken. Wie wurden außermusikalische Inhalte musikalisch dargestellt? Wie heben sich Programm-Sonaten, Programm-Symphonien und Symphonische Dichtungen von entsprechenden Gattungen der absoluten Musik ab? Warum wurde im frühen 20. Jahrhundert die Programm-Musik so sehr als „inferiore Kunst“ (Floros) diskreditiert, das selbst Komponisten wie Strauss, Mahler und Schönberg sich von dieser Gattung abwandten? Das Seminar wird derartige Fragen versuchen, einer Antwort zuzuführen und auch das Problem der musikalischen Toposforschung diskutieren.

Heinrich Marschners Bedeutung für die Operngeschichte der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts ist nicht gering zu schätzen. Seine Opern Der Vampyr (1828), Der Templer und die Jüdin (1829) und Hans Heiling (1833) stehen noch heute auf den Spielplänen der Opernhäuser. Das Seminar nimmt einen Ausgang von Marschners Oper Lucretia (1827) und dem gleichnamigen Forschungsprojekt, das in der Zeit 31.05-03.06.2026 den Anlass für ein internationales und interdisziplinäres Symposium an der Universität Bremen gibt, und bietet anhand der ersten Edition von Marschners Oper Lucretia (Hg. v. Reisch/Tadday) Einblicke in die Werkstatt des Komponisten. Zugleich hinterfragt es den einseitigen Blick Richard Wagners auf Marschner und seine Zeitgenossen und sorgt für eine kritische Relativierung der Rezeptions- und Operngeschichtsschreibung über das 19. Jahrhundert hinaus.

Literatur zur Einführung: Dean Palmer: Heinrich August Marschner, 1795-1861. His Life and Stage Works. Michigan, 1980. (Studies in musicology; no. 24)

Blockseminar vor der DGM-Tagung. T. n.V. Exkursion zur DGM-Tagung in Kassel 11. bis 13. September 2026. Vorbereitungstermin: 22.4.2026 von 9:00 Uhr - 10:30 Uhr via Zoom-Meeting.

Im Fokus des Seminars soll die Frage stehen, ob Musik und Emotionen in einem unmittelbaren, direkten kausalen Zusammenhang zu denken sind, oder ob die durch Musik ausgelösten Emotionen nicht vielmehr in einem erheblichen Maß historisch, kulturell und sozial vermittelt sind bzw. auf einem (intuitiv) erlernten musikalischen Vokabular basieren. Dazu werden u.a. Tonartencharakteristiken, emotionale Bedeutungskonnotationen von Akkorden und melodischen Wendungen diskutiert sowie empirische Forschungsbefunde besprochen, die die Wirkmechanismen thematisieren, die zwischen der Ausübung und dem Hören von Musik einerseits und emotionalen Reaktionen andererseits bestehen. Ein Schwerpunkt soll auf der Chill-Forschung liegen.

Die musikalische Begabungsforschung hat in der jüngeren Vergangenheit insbesondere durch die am Paderborner „Institut für Begabungsforschung in der Musik“ (IGFM) entstandenen Studien einen beachtlichen Aufschwung erlebt und sich dabei nicht nur – wie dies einst Hans-Günter Bastian tat – auf die Hochbegabungsforschung fokussiert. Was macht musikalische Begabung aus? Wie lässt sie sich feststellen und testen? Welche Voraussetzungen sind nötig, damit sie sich entfalten kann? Gibt es hirnphysiologische Korrelate oder besondere neuropsychologische Aspekte musikalischer Begabungen? Korrelieren sie mit spezifischen Persönlichkeitsmerkmalen? Fragen wie diesen soll im Rahmen des Seminars – auch mit Blick auf die musikalische Hochbegabungs- und Lebenswegforschung von „Jugend musiziert“-Teilnehmenden – nachgegangen werden.

Musikbezogene Förderprogramme sind heute ein fester Bestandteil kultureller Bildung in Deutschland. Projekte wie JeKits und WiMaDiMu verfolgen das Ziel, Kindern und Jugendlichen über den regulären Schulunterricht hinaus gleichberechtigten Zugang zu musikbezogenen Praktiken zu eröffnen. Üblicherweise geschieht dies unter Kooperation mit außerschulischen Partnern wie Musikschulen, Vereinen oder Stiftungen. Die oftmals starke Subventionierung dieser Initiativen zeugt von der „selbstverständliche[n] Annahme, dass es gut für Heranwachsende sei, frühzeitig mit Kultur in Kontakt zu kommen“ (Lehmann-Wermser et al., 2019, S. 9). Vor diesem Hintergrund überrascht es nicht, dass die Effekte musikalischer Förderprojekte seit den 1990er Jahren zunehmend zum Gegenstand psychologischer und pädagogischer Forschung geworden sind.

Im Seminar setzen wir uns kritisch mit dieser Forschung auseinander. Den ersten Teil des Seminars bildet hierbei ein theoretischer Überblick über psychologische Ansätze in der musikalischen Bildungsforschung sowie eine Einführung in musikpsychologische Methoden im Forschungsfeld Schule. Daran anschließend wollen wir uns anhand ausgewählter schulischer Musikprojekte mit der Begleitforschung auseinandersetzen, wobei Fragen kognitiver, emotionaler und sozialer Transfereffekte ebenso thematisiert werden wie Aspekte der Schulentwicklung und der institutionellen Zusammenarbeit. Über die Befunde hinaus wollen wir dabei auch immer wieder Grenzen, Widersprüche und Perspektiven der bestehenden Forschung diskutieren.

Foto: Zukunftslabor Bremen, Caspar Sessler
Zitat aus: Schwippert, K., Lehmann-Wermser, A., & Busch, V. (Hrsg.). (2019). Mit Musik durch die Schulzeit? Chancen des Schulprogramms JeKi - Jedem Kind ein Instrument (1. Auflage). Waxmann.

Musikpräferenzen, musikalische Einstellungen oder – allgemeiner – musikalischer Geschmack sind in einem hohen Maß determiniert von Vorerfahrungen, die nicht selten im Zusammenhang mit ästhetischen Wertenormen (Schönheit / Fortschritt / Innovation) stehen und sozial vermittelt sind. Während die ältere Präferenzforschung vornehmlich verbale Musikpräferenzen ermittelte und auswertete (so z.B. noch Bourdieu), ist heute eher ein „klingender Fragebogen“ zur Datenerhebung üblich, der im Kontext wirklich gehörter Musik, nicht aber begrifflicher Konzepte steht. Im Rahmen des Seminars sollen vor dem Hintergrund sich wandelnder soziologischer und ästhetischer Wertegefüge Untersuchungen der Rundfunkanstalten, der Medienwirkungsforschung allgemein sowie der Individualforschung (Schulze / Peterson / Gebesmair / Neuhoff / Behne / Gembris) erläutert, diskutiert und kritisch hinterfragt werden.

Wolf Biermann (*1936) ist der bedeutendste deutsche Liedermacher des 20. und 21. Jahrhunderts. Mit seinen Liedern hat Biermann radikale Kritik an der ehemaligen „DDR“ geübt und dafür die Macht eines Unrechtstaates zu spüren bekommen, der ihn im November 1976 „ausbürgerte“. Eine schwere Verwundung nicht nur der Person Biermanns, sondern auch für die Kulturgeschichte der „DDR“, deren Bürger Freiheit und Freizügigkeit durch die Berliner Mauer, Schießbefehl, Stasi, Stacheldraht und verminte Grenzen längst verloren hatten. Den Mittelpunkt des Seminars bildet die Analyse und Interpretation der künstlerisch-musikalischen Mittel, die Biermanns Lieder zu kleinen Kunstwerken machen.

Literatur zur Einführung: Wolf Biermann: Warte nicht auf bessre Zeiten. Die Autobiografie. Berlin, Edition 3, 2025. Pflichtlektüre, die der Seminarvorbereitung dient.

Musikbezogene Förderprogramme sind heute ein fester Bestandteil kultureller Bildung in Deutschland. Projekte wie JeKits und WiMaDiMu verfolgen das Ziel, Kindern und Jugendlichen über den regulären Schulunterricht hinaus gleichberechtigten Zugang zu musikbezogenen Praktiken zu eröffnen. Üblicherweise geschieht dies unter Kooperation mit außerschulischen Partnern wie Musikschulen, Vereinen oder Stiftungen. Die oftmals starke Subventionierung dieser Initiativen zeugt von der „selbstverständliche[n] Annahme, dass es gut für Heranwachsende sei, frühzeitig mit Kultur in Kontakt zu kommen“ (Lehmann-Wermser et al., 2019, S. 9). Vor diesem Hintergrund überrascht es nicht, dass die Effekte musikalischer Förderprojekte seit den 1990er Jahren zunehmend zum Gegenstand psychologischer und pädagogischer Forschung geworden sind.

Im Seminar setzen wir uns kritisch mit dieser Forschung auseinander. Den ersten Teil des Seminars bildet hierbei ein theoretischer Überblick über psychologische Ansätze in der musikalischen Bildungsforschung sowie eine Einführung in musikpsychologische Methoden im Forschungsfeld Schule. Daran anschließend wollen wir uns anhand ausgewählter schulischer Musikprojekte mit der Begleitforschung auseinandersetzen, wobei Fragen kognitiver, emotionaler und sozialer Transfereffekte ebenso thematisiert werden wie Aspekte der Schulentwicklung und der institutionellen Zusammenarbeit. Über die Befunde hinaus wollen wir dabei auch immer wieder Grenzen, Widersprüche und Perspektiven der bestehenden Forschung diskutieren.

Foto: Zukunftslabor Bremen, Caspar Sessler
Zitat aus: Schwippert, K., Lehmann-Wermser, A., & Busch, V. (Hrsg.). (2019). Mit Musik durch die Schulzeit? Chancen des Schulprogramms JeKi - Jedem Kind ein Instrument (1. Auflage). Waxmann.

Die Doppeldeutigkeit des Seminarhaupttitels zielt darauf ab, die kulturpolitische Bedeutung US-amerikanischer Jazzsängerinnen herauszustellen. Der Untertitel deutet an, dass über den Jazz hinaus im Seminar auch andere Gattungen nicht nur populärer Musik einbezogen werden. Die Liste der Sängerinnen angefangen bei Marian Anderson, Betty Carter, Anita O’Day, Ella Fitzgerald, Aretha Franklin, Billie Holiday, Whitney Houston, Alberta Hunter, Etta James, Ertha Kitt, Carmen Mc Rae, Nina Simone, Bessy Smith, Sarah Vaughan, Dinah Washington, Ethel Waters bis hin zu Cassandra Wilson u.a. ist so lang wie vielversprechend. Jeder Name steht individuell für eine „große“ Stimme und ein political Statement of Art.

Literatur zur Einführung: Will Friedwald. Swinging Voices of America. Ein Kompendium großer Stimmen. New York, 1990 und 1992.

Die Geschichte der Musikzeitschriften wird als Medien-, Kommunikations- und Diskursgeschichte der Musik vom 18. bis ins 21. Jahrhunderts betrachtet. Der geschichtliche Wandel der Musikzeitschriften erscheint einerseits sozialgeschichtlich, andererseits diskursgeschichtlich bedingt wie umgekehrt. Die sogenannte „Verbürgerlichung“ der Musik verändert alte Diskurse über Musik und neue Diskurse verändern die Kommunikation in ihren sozialen Kontexten.

Literatur zur Einführung: Ulrich Tadday: Die Anfänge des Musikfeuilletons: Der kommunikative Gebrauchswert musikalischer Bildung in Deutschland um 1800. Stuttgart-Weimar, 1993.

Das Blockseminar soll einen Überblick geben über Instrumentalmusik, die nicht auf eigengesetzlichen Gestaltungsprinzipien, sondern auf außermusikalischen Inhalten basiert. Nach einer Begriffsdiskussion von Programm-Musik und Tonmalerei werden exemplarisch bedeutende Beispiele der Musikgeschichte angesprochen und vorgestellt werden. Das Spektrum wird sich von der frühen englischen Klaviermusik des 16. Jahrhunderts bis hin zur Orchestermusik des 20. Jahrhunderts erstrecken. Wie wurden außermusikalische Inhalte musikalisch dargestellt? Wie heben sich Programm-Sonaten, Programm-Symphonien und Symphonische Dichtungen von entsprechenden Gattungen der absoluten Musik ab? Warum wurde im frühen 20. Jahrhundert die Programm-Musik so sehr als „inferiore Kunst“ (Floros) diskreditiert, das selbst Komponisten wie Strauss, Mahler und Schönberg sich von dieser Gattung abwandten? Das Seminar wird derartige Fragen versuchen, einer Antwort zuzuführen und auch das Problem der musikalischen Toposforschung diskutieren.

Heinrich Marschners Bedeutung für die Operngeschichte der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts ist nicht gering zu schätzen. Seine Opern Der Vampyr (1828), Der Templer und die Jüdin (1829) und Hans Heiling (1833) stehen noch heute auf den Spielplänen der Opernhäuser. Das Seminar nimmt einen Ausgang von Marschners Oper Lucretia (1827) und dem gleichnamigen Forschungsprojekt, das in der Zeit 31.05-03.06.2026 den Anlass für ein internationales und interdisziplinäres Symposium an der Universität Bremen gibt, und bietet anhand der ersten Edition von Marschners Oper Lucretia (Hg. v. Reisch/Tadday) Einblicke in die Werkstatt des Komponisten. Zugleich hinterfragt es den einseitigen Blick Richard Wagners auf Marschner und seine Zeitgenossen und sorgt für eine kritische Relativierung der Rezeptions- und Operngeschichtsschreibung über das 19. Jahrhundert hinaus.

Literatur zur Einführung: Dean Palmer: Heinrich August Marschner, 1795-1861. His Life and Stage Works. Michigan, 1980. (Studies in musicology; no. 24)

In dieser Veranstaltung üben die Teilnehmenden, softwaregestützt eigene Musikarrangements zu schreiben.
Dabei lernen sie einerseits das Notensatzprogramm MuseScore kennen (bei Interesse wäre auch ein kurzes Kennenlernen von Dorico möglich), andererseits beschäftigen sie sich mit Fragen der Instrumentation und Stilkunde.
Für den Kurs sind Notenkenntnisse (zumindest Violin- und Bassschlüssel) erforderlich, auch Grundkenntnisse in Musiktheorie sollten vorhanden sein.
Die Studienleistung besteht in der Erstellung eines Portfolios mit bearbeiteten Aufgaben (nach Absprache auch eines vergleichbaren großen Arrangements). Als Prüfungsleistung für das Modul Musik und Medien ist es auch möglich, ein Take Home Exam zu erbringen.

Der erste Termin dient der Vorbesprechung.
Zum Speichern der Arbeiten bitte geeignetes Speichermedium (z.B. USB-Stick) mitbringen.
Bitte über StudIP anmelden.

Koop-Seminar mit dem Gymnasium Horn, Hospitationsseminar, semesterbegleitende Termine werden noch bekannt gegeben.

Koop-Seminar mit dem Gymnasium Horn, Hospitationsseminar, semesterbegleitende Termine werden noch bekannt gegeben.

Koop-Seminar mit dem Gymnasium Horn, Hospitationsseminar, semesterbegleitende Termine werden noch bekannt gegeben.

Koop-Seminar mit dem Gymnasium Horn, Hospitationsseminar, semesterbegleitende Termine werden noch bekannt gegeben.

Erster Termin 8.4.2026. Bitte melden Sie sich vorher unbedingt auch bei Frau Popescu (r.popescu@hfk-bremen.de) an.

Veranstaltungsbeschreibung:
Übungen zum Dirigieren (Schlagfiguren); Einstudieren und Anleiten ein- und mehrstimmiger Lieder, Kanons und einfacher mehrstimmiger Chorsätze; Probenmethodik; chorische Stimmbildung; Aspekte der Kinder- und Jugendchorleitung.

Der Kurs richtet sich an Bachelor Lehramtsstudierende und Studierende der EMP und KPA. Studierende aus anderen Studiengängen sind willkommen; es können CP im Wahlbereich erworben werden.
Am Ende SoSe 2026 Modulprüfung, benoteter Schein.

Begleitend zum Chorleitungsunterricht wird die Teilnahme an einem der drei Hochschulchöre empfohlen:
Großen Hochschulchor (dienstags 18.00 Uhr) oder
Kammerchor (mittwochs 19.00 Uhr) oder
Jazz- und Popchor (montags).

Arrangement für die Schulpraxis.

Wolf Biermann (*1936) ist der bedeutendste deutsche Liedermacher des 20. und 21. Jahrhunderts. Mit seinen Liedern hat Biermann radikale Kritik an der ehemaligen „DDR“ geübt und dafür die Macht eines Unrechtstaates zu spüren bekommen, der ihn im November 1976 „ausbürgerte“. Eine schwere Verwundung nicht nur der Person Biermanns, sondern auch für die Kulturgeschichte der „DDR“, deren Bürger Freiheit und Freizügigkeit durch die Berliner Mauer, Schießbefehl, Stasi, Stacheldraht und verminte Grenzen längst verloren hatten. Den Mittelpunkt des Seminars bildet die Analyse und Interpretation der künstlerisch-musikalischen Mittel, die Biermanns Lieder zu kleinen Kunstwerken machen.

Literatur zur Einführung: Wolf Biermann: Warte nicht auf bessre Zeiten. Die Autobiografie. Berlin, Edition 3, 2025. Pflichtlektüre, die der Seminarvorbereitung dient.

Wenngleich die ersten Bayreuther Festspiele 1876 mit drei Aufführungen des Rings des Nibelungen weniger erfolgreich verliefen, als erhofft (zwischen der defizitären Aufführungsserie und der Parsifal-Uraufführung 1882 lagen 6 Jahre Zwangspause), so etablierten sie sich unter der Leitung der Abkömmlinge Richard Wagners insbesondere ab 1951 zu einem festen Bestandteil im deutschen und auch internationalen Musikleben. Bereits zu einem frühen Zeitpunkt vermochte es die Wagner-Familie hochkarätige Sängerinnen und Sänger, Musikerinnen und Musiker sowie Dirigenten (seit 2021 auch Dirigentinnen) nach Oberfranken zu holen und ihnen eine Resonanz zu verschaffen, die ihre künstlerische Reputation erhöhte. Dabei wurden die Bayreuther Wagner-Aufführungen durchaus nicht nur positiv rezipiert, sondern waren nicht selten skandalumwittert. Das betrifft die musikalischen, vor allem aber die szenischen Interpretationen, insbesondere die innovativen Produktionen im Sinn des Regietheaters, das heute nach wie vor dominiert. Im Rahmen des Seminars sollen Meilensteine der Wagnerinterpretation optisch anhand von Bildmaterialien und Videoproduktionen sowie akustisch mittels teilweise historischer Tondokumente analysiert und diskutiert werden.

Blockseminar vor der DGM-Tagung. T. n.V. Exkursion zur DGM-Tagung in Kassel 11. bis 13. September 2026. Vorbereitungstermin: 22.4.2026 von 9:00 Uhr - 10:30 Uhr via Zoom-Meeting.

Im Fokus des Seminars soll die Frage stehen, ob Musik und Emotionen in einem unmittelbaren, direkten kausalen Zusammenhang zu denken sind, oder ob die durch Musik ausgelösten Emotionen nicht vielmehr in einem erheblichen Maß historisch, kulturell und sozial vermittelt sind bzw. auf einem (intuitiv) erlernten musikalischen Vokabular basieren. Dazu werden u.a. Tonartencharakteristiken, emotionale Bedeutungskonnotationen von Akkorden und melodischen Wendungen diskutiert sowie empirische Forschungsbefunde besprochen, die die Wirkmechanismen thematisieren, die zwischen der Ausübung und dem Hören von Musik einerseits und emotionalen Reaktionen andererseits bestehen. Ein Schwerpunkt soll auf der Chill-Forschung liegen.

Die musikalische Begabungsforschung hat in der jüngeren Vergangenheit insbesondere durch die am Paderborner „Institut für Begabungsforschung in der Musik“ (IGFM) entstandenen Studien einen beachtlichen Aufschwung erlebt und sich dabei nicht nur – wie dies einst Hans-Günter Bastian tat – auf die Hochbegabungsforschung fokussiert. Was macht musikalische Begabung aus? Wie lässt sie sich feststellen und testen? Welche Voraussetzungen sind nötig, damit sie sich entfalten kann? Gibt es hirnphysiologische Korrelate oder besondere neuropsychologische Aspekte musikalischer Begabungen? Korrelieren sie mit spezifischen Persönlichkeitsmerkmalen? Fragen wie diesen soll im Rahmen des Seminars – auch mit Blick auf die musikalische Hochbegabungs- und Lebenswegforschung von „Jugend musiziert“-Teilnehmenden – nachgegangen werden.

Musikbezogene Förderprogramme sind heute ein fester Bestandteil kultureller Bildung in Deutschland. Projekte wie JeKits und WiMaDiMu verfolgen das Ziel, Kindern und Jugendlichen über den regulären Schulunterricht hinaus gleichberechtigten Zugang zu musikbezogenen Praktiken zu eröffnen. Üblicherweise geschieht dies unter Kooperation mit außerschulischen Partnern wie Musikschulen, Vereinen oder Stiftungen. Die oftmals starke Subventionierung dieser Initiativen zeugt von der „selbstverständliche[n] Annahme, dass es gut für Heranwachsende sei, frühzeitig mit Kultur in Kontakt zu kommen“ (Lehmann-Wermser et al., 2019, S. 9). Vor diesem Hintergrund überrascht es nicht, dass die Effekte musikalischer Förderprojekte seit den 1990er Jahren zunehmend zum Gegenstand psychologischer und pädagogischer Forschung geworden sind.

Im Seminar setzen wir uns kritisch mit dieser Forschung auseinander. Den ersten Teil des Seminars bildet hierbei ein theoretischer Überblick über psychologische Ansätze in der musikalischen Bildungsforschung sowie eine Einführung in musikpsychologische Methoden im Forschungsfeld Schule. Daran anschließend wollen wir uns anhand ausgewählter schulischer Musikprojekte mit der Begleitforschung auseinandersetzen, wobei Fragen kognitiver, emotionaler und sozialer Transfereffekte ebenso thematisiert werden wie Aspekte der Schulentwicklung und der institutionellen Zusammenarbeit. Über die Befunde hinaus wollen wir dabei auch immer wieder Grenzen, Widersprüche und Perspektiven der bestehenden Forschung diskutieren.

Foto: Zukunftslabor Bremen, Caspar Sessler
Zitat aus: Schwippert, K., Lehmann-Wermser, A., & Busch, V. (Hrsg.). (2019). Mit Musik durch die Schulzeit? Chancen des Schulprogramms JeKi - Jedem Kind ein Instrument (1. Auflage). Waxmann.

Musikpräferenzen, musikalische Einstellungen oder – allgemeiner – musikalischer Geschmack sind in einem hohen Maß determiniert von Vorerfahrungen, die nicht selten im Zusammenhang mit ästhetischen Wertenormen (Schönheit / Fortschritt / Innovation) stehen und sozial vermittelt sind. Während die ältere Präferenzforschung vornehmlich verbale Musikpräferenzen ermittelte und auswertete (so z.B. noch Bourdieu), ist heute eher ein „klingender Fragebogen“ zur Datenerhebung üblich, der im Kontext wirklich gehörter Musik, nicht aber begrifflicher Konzepte steht. Im Rahmen des Seminars sollen vor dem Hintergrund sich wandelnder soziologischer und ästhetischer Wertegefüge Untersuchungen der Rundfunkanstalten, der Medienwirkungsforschung allgemein sowie der Individualforschung (Schulze / Peterson / Gebesmair / Neuhoff / Behne / Gembris) erläutert, diskutiert und kritisch hinterfragt werden.

Die Doppeldeutigkeit des Seminarhaupttitels zielt darauf ab, die kulturpolitische Bedeutung US-amerikanischer Jazzsängerinnen herauszustellen. Der Untertitel deutet an, dass über den Jazz hinaus im Seminar auch andere Gattungen nicht nur populärer Musik einbezogen werden. Die Liste der Sängerinnen angefangen bei Marian Anderson, Betty Carter, Anita O’Day, Ella Fitzgerald, Aretha Franklin, Billie Holiday, Whitney Houston, Alberta Hunter, Etta James, Ertha Kitt, Carmen Mc Rae, Nina Simone, Bessy Smith, Sarah Vaughan, Dinah Washington, Ethel Waters bis hin zu Cassandra Wilson u.a. ist so lang wie vielversprechend. Jeder Name steht individuell für eine „große“ Stimme und ein political Statement of Art.

Literatur zur Einführung: Will Friedwald. Swinging Voices of America. Ein Kompendium großer Stimmen. New York, 1990 und 1992.

Die Vorlesung gibt einen Überblick über wichtige Musikentwicklungen im 20. Jahrhundert. Den Ausgangspunkt bilden Komponisten und Werke, die sich als besonders innovativ erwiesen und dennoch vielfach rezipiert wurden. Erweitert wird der zunächst Persönlichkeits- und werkorientierte Ansatz durch die Hinzuziehung ideengeschichtlicher, historischer, politischer und interpretations-geschichtlicher Aspekte, die ein vertieftes Verständnis ermöglichen sollen. Schwerpunkte liegen auf Leben und Werk von Gustav Mahler, Richard Strauss, Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton Webern, Igor Strawinsky, Kurt Weill, Dmitri Schostakowitsch, Carl Orff, Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen und Arvo Pärt, respektive auf der Musik der Wiener Moderne, des Expressionismus, des Neoklassizismus, der Dodekaphonie, des Sozialistischen Realismus, der Seriellen und Elektro-akustischen Musik und der Postmoderne.

Die Geschichte der Musikzeitschriften wird als Medien-, Kommunikations- und Diskursgeschichte der Musik vom 18. bis ins 21. Jahrhunderts betrachtet. Der geschichtliche Wandel der Musikzeitschriften erscheint einerseits sozialgeschichtlich, andererseits diskursgeschichtlich bedingt wie umgekehrt. Die sogenannte „Verbürgerlichung“ der Musik verändert alte Diskurse über Musik und neue Diskurse verändern die Kommunikation in ihren sozialen Kontexten.

Literatur zur Einführung: Ulrich Tadday: Die Anfänge des Musikfeuilletons: Der kommunikative Gebrauchswert musikalischer Bildung in Deutschland um 1800. Stuttgart-Weimar, 1993.

Das Blockseminar soll einen Überblick geben über Instrumentalmusik, die nicht auf eigengesetzlichen Gestaltungsprinzipien, sondern auf außermusikalischen Inhalten basiert. Nach einer Begriffsdiskussion von Programm-Musik und Tonmalerei werden exemplarisch bedeutende Beispiele der Musikgeschichte angesprochen und vorgestellt werden. Das Spektrum wird sich von der frühen englischen Klaviermusik des 16. Jahrhunderts bis hin zur Orchestermusik des 20. Jahrhunderts erstrecken. Wie wurden außermusikalische Inhalte musikalisch dargestellt? Wie heben sich Programm-Sonaten, Programm-Symphonien und Symphonische Dichtungen von entsprechenden Gattungen der absoluten Musik ab? Warum wurde im frühen 20. Jahrhundert die Programm-Musik so sehr als „inferiore Kunst“ (Floros) diskreditiert, das selbst Komponisten wie Strauss, Mahler und Schönberg sich von dieser Gattung abwandten? Das Seminar wird derartige Fragen versuchen, einer Antwort zuzuführen und auch das Problem der musikalischen Toposforschung diskutieren.

Heinrich Marschners Bedeutung für die Operngeschichte der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts ist nicht gering zu schätzen. Seine Opern Der Vampyr (1828), Der Templer und die Jüdin (1829) und Hans Heiling (1833) stehen noch heute auf den Spielplänen der Opernhäuser. Das Seminar nimmt einen Ausgang von Marschners Oper Lucretia (1827) und dem gleichnamigen Forschungsprojekt, das in der Zeit 31.05-03.06.2026 den Anlass für ein internationales und interdisziplinäres Symposium an der Universität Bremen gibt, und bietet anhand der ersten Edition von Marschners Oper Lucretia (Hg. v. Reisch/Tadday) Einblicke in die Werkstatt des Komponisten. Zugleich hinterfragt es den einseitigen Blick Richard Wagners auf Marschner und seine Zeitgenossen und sorgt für eine kritische Relativierung der Rezeptions- und Operngeschichtsschreibung über das 19. Jahrhundert hinaus.

Literatur zur Einführung: Dean Palmer: Heinrich August Marschner, 1795-1861. His Life and Stage Works. Michigan, 1980. (Studies in musicology; no. 24)

Exkursionstermin: 29.06.-01.07.2026.
Der Vorbereitungstermin am 12.6.2026 von 14.00 - 18.00 Uhr findet via Zoom für Teilnehmer der Universität Bremen statt und in Präsenz an der Universität Hamburg / Fakultät Erziehungswissenschaften, Arbeitsbereich Musikpädagogik, Von-Melle-Park 8, Raum 131, 20146 Hamburg . Der Zoom-Link wird noch separat zu gegebener Zeit übermittelt.
Termine:
Sommersemester 2026:
Freitag, 12. Juni 2026, 14:00–18:00 Uhr: Seminarblock zur Vorbereitung der Ex-kursion (UHH)
Exkursion ins Archiv der Deutschen Jugendbewegung
(Burg Ludwigstein, 37214 Witzenhausen):
Montag, 29. Juni 2026 (Anreise bis 13:00 Uhr)
Mittwoch, 01. Juli 2026 (Abreise ab ca. 14:00 Uhr)

Warum Interkulturelle Musikpädagogik? Der Begriff suggeriert eine Vermittlerposition von Musikpädagog:innen und Musikunterricht zwischen (lat. inter) verschiedenen Musikkulturen und -praktiken. Dabei ist zunächst die Frage nach dem musikalisch "Fremden" die zentrale Frage des Musikunterrichts schlechthin. Sie wird immer dann relevant, wenn Kinder und Jugendliche mit einer ihnen noch nicht bekannten Musik in Berührung kommen: Sei es ein Chicago-Blues, eine Musical-Arie, ein neuer Popsong, ein rhythmisches Warm-Up oder gar ein Stück von Beethoven.

Noch bis in die 1980er Jahre ist das musikalisch "Fremde" vor allem an einen klassischen Werkbegriff gekoppelt. Die Situation ändert sich, je näher es auf das neue Jahrtausend zusteuert. Pop- und Rockmusik erhalten Einzug in den Klassenraum und auch Rap etabliert sich schnell zu einer beliebten Musiziermöglichkeit. Unter den Stichworten Inter-, Trans- und Multikulturalität fordern Musikpädagog:innen wie Irmgard Merkt, Volker Schütz, Thomas Ott oder Wolfgang Martin Stroh die Einbeziehung von Musik der deutschen Migrant:innen sowie Musik aus der ganzen Welt. Unterrichtsmaterialien, Workshops, theoretische Konzeptionen und visionäre Ideen für einen Musikunterricht der Anerkennung entstehen. Bald wird auch der Kulturbegriff kritisch unter die Lupe genommen und auf eurozentristisch-postkoloniale Strukturen hin untersucht.

Knapp zwanzig Jahre später bleibt das Thema aktueller denn je: Heute findet der Musikunterricht in einer von Migration, Mehrsprachigkeit und globalisierten Musikkulturen geprägten Gesellschaft statt. Studien zeigen, dass musikalische Vorlieben junger Menschen weniger von „Herkunftskulturen“ abhängen als von globalen Popkulturen, digitalen Medien und lokalen Szenen. Darauf aufbauend diskutieren wir im Seminar, wie diese kulturelle Diversität im Musikunterricht berücksichtigt werden kann. Wie können musikalische Praktiken, Begegnungen und Diskurse dazu beitragen, Teilhabe, kritisches Bewusstsein und Perspektivwechsel zu fördern?

Das Seminar verbindet theoretische Grundlagen mit praxisnahen Zugängen zu einer offenen und zeitgemäßen Musikpädagogik.

Bitte beachten Sie, dass dieses Seminar vorwiegend für Studenten/-innen des Studiengangs Master of Education Musikpädagogik konzipiert ist. Vereinzelt werden jedoch auch Bachelor-Studenten/-innen zugelassen.

Wolf Biermann (*1936) ist der bedeutendste deutsche Liedermacher des 20. und 21. Jahrhunderts. Mit seinen Liedern hat Biermann radikale Kritik an der ehemaligen „DDR“ geübt und dafür die Macht eines Unrechtstaates zu spüren bekommen, der ihn im November 1976 „ausbürgerte“. Eine schwere Verwundung nicht nur der Person Biermanns, sondern auch für die Kulturgeschichte der „DDR“, deren Bürger Freiheit und Freizügigkeit durch die Berliner Mauer, Schießbefehl, Stasi, Stacheldraht und verminte Grenzen längst verloren hatten. Den Mittelpunkt des Seminars bildet die Analyse und Interpretation der künstlerisch-musikalischen Mittel, die Biermanns Lieder zu kleinen Kunstwerken machen.

Literatur zur Einführung: Wolf Biermann: Warte nicht auf bessre Zeiten. Die Autobiografie. Berlin, Edition 3, 2025. Pflichtlektüre, die der Seminarvorbereitung dient.

Wenngleich die ersten Bayreuther Festspiele 1876 mit drei Aufführungen des Rings des Nibelungen weniger erfolgreich verliefen, als erhofft (zwischen der defizitären Aufführungsserie und der Parsifal-Uraufführung 1882 lagen 6 Jahre Zwangspause), so etablierten sie sich unter der Leitung der Abkömmlinge Richard Wagners insbesondere ab 1951 zu einem festen Bestandteil im deutschen und auch internationalen Musikleben. Bereits zu einem frühen Zeitpunkt vermochte es die Wagner-Familie hochkarätige Sängerinnen und Sänger, Musikerinnen und Musiker sowie Dirigenten (seit 2021 auch Dirigentinnen) nach Oberfranken zu holen und ihnen eine Resonanz zu verschaffen, die ihre künstlerische Reputation erhöhte. Dabei wurden die Bayreuther Wagner-Aufführungen durchaus nicht nur positiv rezipiert, sondern waren nicht selten skandalumwittert. Das betrifft die musikalischen, vor allem aber die szenischen Interpretationen, insbesondere die innovativen Produktionen im Sinn des Regietheaters, das heute nach wie vor dominiert. Im Rahmen des Seminars sollen Meilensteine der Wagnerinterpretation optisch anhand von Bildmaterialien und Videoproduktionen sowie akustisch mittels teilweise historischer Tondokumente analysiert und diskutiert werden.

Die Doppeldeutigkeit des Seminarhaupttitels zielt darauf ab, die kulturpolitische Bedeutung US-amerikanischer Jazzsängerinnen herauszustellen. Der Untertitel deutet an, dass über den Jazz hinaus im Seminar auch andere Gattungen nicht nur populärer Musik einbezogen werden. Die Liste der Sängerinnen angefangen bei Marian Anderson, Betty Carter, Anita O’Day, Ella Fitzgerald, Aretha Franklin, Billie Holiday, Whitney Houston, Alberta Hunter, Etta James, Ertha Kitt, Carmen Mc Rae, Nina Simone, Bessy Smith, Sarah Vaughan, Dinah Washington, Ethel Waters bis hin zu Cassandra Wilson u.a. ist so lang wie vielversprechend. Jeder Name steht individuell für eine „große“ Stimme und ein political Statement of Art.

Literatur zur Einführung: Will Friedwald. Swinging Voices of America. Ein Kompendium großer Stimmen. New York, 1990 und 1992.

Die Vorlesung gibt einen Überblick über wichtige Musikentwicklungen im 20. Jahrhundert. Den Ausgangspunkt bilden Komponisten und Werke, die sich als besonders innovativ erwiesen und dennoch vielfach rezipiert wurden. Erweitert wird der zunächst Persönlichkeits- und werkorientierte Ansatz durch die Hinzuziehung ideengeschichtlicher, historischer, politischer und interpretations-geschichtlicher Aspekte, die ein vertieftes Verständnis ermöglichen sollen. Schwerpunkte liegen auf Leben und Werk von Gustav Mahler, Richard Strauss, Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton Webern, Igor Strawinsky, Kurt Weill, Dmitri Schostakowitsch, Carl Orff, Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen und Arvo Pärt, respektive auf der Musik der Wiener Moderne, des Expressionismus, des Neoklassizismus, der Dodekaphonie, des Sozialistischen Realismus, der Seriellen und Elektro-akustischen Musik und der Postmoderne.

Die Geschichte der Musikzeitschriften wird als Medien-, Kommunikations- und Diskursgeschichte der Musik vom 18. bis ins 21. Jahrhunderts betrachtet. Der geschichtliche Wandel der Musikzeitschriften erscheint einerseits sozialgeschichtlich, andererseits diskursgeschichtlich bedingt wie umgekehrt. Die sogenannte „Verbürgerlichung“ der Musik verändert alte Diskurse über Musik und neue Diskurse verändern die Kommunikation in ihren sozialen Kontexten.

Literatur zur Einführung: Ulrich Tadday: Die Anfänge des Musikfeuilletons: Der kommunikative Gebrauchswert musikalischer Bildung in Deutschland um 1800. Stuttgart-Weimar, 1993.

Das Blockseminar soll einen Überblick geben über Instrumentalmusik, die nicht auf eigengesetzlichen Gestaltungsprinzipien, sondern auf außermusikalischen Inhalten basiert. Nach einer Begriffsdiskussion von Programm-Musik und Tonmalerei werden exemplarisch bedeutende Beispiele der Musikgeschichte angesprochen und vorgestellt werden. Das Spektrum wird sich von der frühen englischen Klaviermusik des 16. Jahrhunderts bis hin zur Orchestermusik des 20. Jahrhunderts erstrecken. Wie wurden außermusikalische Inhalte musikalisch dargestellt? Wie heben sich Programm-Sonaten, Programm-Symphonien und Symphonische Dichtungen von entsprechenden Gattungen der absoluten Musik ab? Warum wurde im frühen 20. Jahrhundert die Programm-Musik so sehr als „inferiore Kunst“ (Floros) diskreditiert, das selbst Komponisten wie Strauss, Mahler und Schönberg sich von dieser Gattung abwandten? Das Seminar wird derartige Fragen versuchen, einer Antwort zuzuführen und auch das Problem der musikalischen Toposforschung diskutieren.

Heinrich Marschners Bedeutung für die Operngeschichte der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts ist nicht gering zu schätzen. Seine Opern Der Vampyr (1828), Der Templer und die Jüdin (1829) und Hans Heiling (1833) stehen noch heute auf den Spielplänen der Opernhäuser. Das Seminar nimmt einen Ausgang von Marschners Oper Lucretia (1827) und dem gleichnamigen Forschungsprojekt, das in der Zeit 31.05-03.06.2026 den Anlass für ein internationales und interdisziplinäres Symposium an der Universität Bremen gibt, und bietet anhand der ersten Edition von Marschners Oper Lucretia (Hg. v. Reisch/Tadday) Einblicke in die Werkstatt des Komponisten. Zugleich hinterfragt es den einseitigen Blick Richard Wagners auf Marschner und seine Zeitgenossen und sorgt für eine kritische Relativierung der Rezeptions- und Operngeschichtsschreibung über das 19. Jahrhundert hinaus.

Literatur zur Einführung: Dean Palmer: Heinrich August Marschner, 1795-1861. His Life and Stage Works. Michigan, 1980. (Studies in musicology; no. 24)

Blockseminar vor der DGM-Tagung. T. n.V. Exkursion zur DGM-Tagung in Kassel 11. bis 13. September 2026. Vorbereitungstermin: 22.4.2026 von 9:00 Uhr - 10:30 Uhr via Zoom-Meeting.

Im Fokus des Seminars soll die Frage stehen, ob Musik und Emotionen in einem unmittelbaren, direkten kausalen Zusammenhang zu denken sind, oder ob die durch Musik ausgelösten Emotionen nicht vielmehr in einem erheblichen Maß historisch, kulturell und sozial vermittelt sind bzw. auf einem (intuitiv) erlernten musikalischen Vokabular basieren. Dazu werden u.a. Tonartencharakteristiken, emotionale Bedeutungskonnotationen von Akkorden und melodischen Wendungen diskutiert sowie empirische Forschungsbefunde besprochen, die die Wirkmechanismen thematisieren, die zwischen der Ausübung und dem Hören von Musik einerseits und emotionalen Reaktionen andererseits bestehen. Ein Schwerpunkt soll auf der Chill-Forschung liegen.

Die musikalische Begabungsforschung hat in der jüngeren Vergangenheit insbesondere durch die am Paderborner „Institut für Begabungsforschung in der Musik“ (IGFM) entstandenen Studien einen beachtlichen Aufschwung erlebt und sich dabei nicht nur – wie dies einst Hans-Günter Bastian tat – auf die Hochbegabungsforschung fokussiert. Was macht musikalische Begabung aus? Wie lässt sie sich feststellen und testen? Welche Voraussetzungen sind nötig, damit sie sich entfalten kann? Gibt es hirnphysiologische Korrelate oder besondere neuropsychologische Aspekte musikalischer Begabungen? Korrelieren sie mit spezifischen Persönlichkeitsmerkmalen? Fragen wie diesen soll im Rahmen des Seminars – auch mit Blick auf die musikalische Hochbegabungs- und Lebenswegforschung von „Jugend musiziert“-Teilnehmenden – nachgegangen werden.

Musikbezogene Förderprogramme sind heute ein fester Bestandteil kultureller Bildung in Deutschland. Projekte wie JeKits und WiMaDiMu verfolgen das Ziel, Kindern und Jugendlichen über den regulären Schulunterricht hinaus gleichberechtigten Zugang zu musikbezogenen Praktiken zu eröffnen. Üblicherweise geschieht dies unter Kooperation mit außerschulischen Partnern wie Musikschulen, Vereinen oder Stiftungen. Die oftmals starke Subventionierung dieser Initiativen zeugt von der „selbstverständliche[n] Annahme, dass es gut für Heranwachsende sei, frühzeitig mit Kultur in Kontakt zu kommen“ (Lehmann-Wermser et al., 2019, S. 9). Vor diesem Hintergrund überrascht es nicht, dass die Effekte musikalischer Förderprojekte seit den 1990er Jahren zunehmend zum Gegenstand psychologischer und pädagogischer Forschung geworden sind.

Im Seminar setzen wir uns kritisch mit dieser Forschung auseinander. Den ersten Teil des Seminars bildet hierbei ein theoretischer Überblick über psychologische Ansätze in der musikalischen Bildungsforschung sowie eine Einführung in musikpsychologische Methoden im Forschungsfeld Schule. Daran anschließend wollen wir uns anhand ausgewählter schulischer Musikprojekte mit der Begleitforschung auseinandersetzen, wobei Fragen kognitiver, emotionaler und sozialer Transfereffekte ebenso thematisiert werden wie Aspekte der Schulentwicklung und der institutionellen Zusammenarbeit. Über die Befunde hinaus wollen wir dabei auch immer wieder Grenzen, Widersprüche und Perspektiven der bestehenden Forschung diskutieren.

Foto: Zukunftslabor Bremen, Caspar Sessler
Zitat aus: Schwippert, K., Lehmann-Wermser, A., & Busch, V. (Hrsg.). (2019). Mit Musik durch die Schulzeit? Chancen des Schulprogramms JeKi - Jedem Kind ein Instrument (1. Auflage). Waxmann.

Musikpräferenzen, musikalische Einstellungen oder – allgemeiner – musikalischer Geschmack sind in einem hohen Maß determiniert von Vorerfahrungen, die nicht selten im Zusammenhang mit ästhetischen Wertenormen (Schönheit / Fortschritt / Innovation) stehen und sozial vermittelt sind. Während die ältere Präferenzforschung vornehmlich verbale Musikpräferenzen ermittelte und auswertete (so z.B. noch Bourdieu), ist heute eher ein „klingender Fragebogen“ zur Datenerhebung üblich, der im Kontext wirklich gehörter Musik, nicht aber begrifflicher Konzepte steht. Im Rahmen des Seminars sollen vor dem Hintergrund sich wandelnder soziologischer und ästhetischer Wertegefüge Untersuchungen der Rundfunkanstalten, der Medienwirkungsforschung allgemein sowie der Individualforschung (Schulze / Peterson / Gebesmair / Neuhoff / Behne / Gembris) erläutert, diskutiert und kritisch hinterfragt werden.

Exkursionstermin: 29.06.-01.07.2026.
Der Vorbereitungstermin am 12.6.2026 von 14.00 - 18.00 Uhr findet via Zoom für Teilnehmer der Universität Bremen statt und in Präsenz an der Universität Hamburg / Fakultät Erziehungswissenschaften, Arbeitsbereich Musikpädagogik, Von-Melle-Park 8, Raum 131, 20146 Hamburg . Der Zoom-Link wird noch separat zu gegebener Zeit übermittelt.
Termine:
Sommersemester 2026:
Freitag, 12. Juni 2026, 14:00–18:00 Uhr: Seminarblock zur Vorbereitung der Ex-kursion (UHH)
Exkursion ins Archiv der Deutschen Jugendbewegung
(Burg Ludwigstein, 37214 Witzenhausen):
Montag, 29. Juni 2026 (Anreise bis 13:00 Uhr)
Mittwoch, 01. Juli 2026 (Abreise ab ca. 14:00 Uhr)

Warum Interkulturelle Musikpädagogik? Der Begriff suggeriert eine Vermittlerposition von Musikpädagog:innen und Musikunterricht zwischen (lat. inter) verschiedenen Musikkulturen und -praktiken. Dabei ist zunächst die Frage nach dem musikalisch "Fremden" die zentrale Frage des Musikunterrichts schlechthin. Sie wird immer dann relevant, wenn Kinder und Jugendliche mit einer ihnen noch nicht bekannten Musik in Berührung kommen: Sei es ein Chicago-Blues, eine Musical-Arie, ein neuer Popsong, ein rhythmisches Warm-Up oder gar ein Stück von Beethoven.

Noch bis in die 1980er Jahre ist das musikalisch "Fremde" vor allem an einen klassischen Werkbegriff gekoppelt. Die Situation ändert sich, je näher es auf das neue Jahrtausend zusteuert. Pop- und Rockmusik erhalten Einzug in den Klassenraum und auch Rap etabliert sich schnell zu einer beliebten Musiziermöglichkeit. Unter den Stichworten Inter-, Trans- und Multikulturalität fordern Musikpädagog:innen wie Irmgard Merkt, Volker Schütz, Thomas Ott oder Wolfgang Martin Stroh die Einbeziehung von Musik der deutschen Migrant:innen sowie Musik aus der ganzen Welt. Unterrichtsmaterialien, Workshops, theoretische Konzeptionen und visionäre Ideen für einen Musikunterricht der Anerkennung entstehen. Bald wird auch der Kulturbegriff kritisch unter die Lupe genommen und auf eurozentristisch-postkoloniale Strukturen hin untersucht.

Knapp zwanzig Jahre später bleibt das Thema aktueller denn je: Heute findet der Musikunterricht in einer von Migration, Mehrsprachigkeit und globalisierten Musikkulturen geprägten Gesellschaft statt. Studien zeigen, dass musikalische Vorlieben junger Menschen weniger von „Herkunftskulturen“ abhängen als von globalen Popkulturen, digitalen Medien und lokalen Szenen. Darauf aufbauend diskutieren wir im Seminar, wie diese kulturelle Diversität im Musikunterricht berücksichtigt werden kann. Wie können musikalische Praktiken, Begegnungen und Diskurse dazu beitragen, Teilhabe, kritisches Bewusstsein und Perspektivwechsel zu fördern?

Das Seminar verbindet theoretische Grundlagen mit praxisnahen Zugängen zu einer offenen und zeitgemäßen Musikpädagogik.